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出版者:Kerber

作者:Kay Heimer

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2008-08-01

价格:USD 55.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9783866781160

丛书系列:

图书标签:

绘画
当代艺术
美国艺术
人物画
情色
写实主义
艺术史
艺术评论
Eric Fischl
20世纪艺术

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具体描述

Painter Francesco Clemente once said of Eric Fischl, "If life is what happens to you as you make other plans, then 'life' is Eric Fischl's subject matter." Though Fischl is best known for his figurative paintings, this monograph presents a 2007 series of 13 sculptures and corresponding large-format gouache works. Cast in polyester and resin, the life-sized, three-dimensional nudes enter into tense dialogue with the drawings, depicting the same element of human struggle that we find in Fischl's paintings. Naked bodies without context or reference, engaged in no specific narrative, offer any number of possible interpretations. They allow the viewer to indulge in careful observation, daring us to penetrate the surface patina of the sculptures to see if anything lies beneath. A special section includes a complete catalogue raisonee of the sculptural work from 1975 through 2007.

迷失的肖像：一窥二十世纪后半叶的艺术迷局一部深入探索战后及当代艺术思潮、社会背景与个体命运交织的史诗级著作。本书并非聚焦于某一位艺术家的个人传记或作品集鉴赏，而是以一种宏大而细致的“侧写”视角，描绘了上世纪七十年代至今，西方艺术世界内部发生的剧烈震荡、美学范式的转移，以及艺术家群体在时代洪流中的挣扎与蜕变。我们关注的焦点是“场域”本身——那些在特定历史时刻，由观念、资本、批评话语与观众期待共同构筑的复杂生态系统。第一部分：从“纯粹性”的黄昏到多元主义的黎明（约1970-1985）此阶段，艺术史的宏大叙事开始瓦解。极简主义与观念艺术的冷峻逻辑已无法完全承载日益碎片化与情绪化的社会现实。本书将详细剖析，在后现代思潮的冲击下，艺术家如何重新拥抱叙事、身体、性别与政治的“污名化”主题。我们首先进入对七十年代中后期“回归具象”运动的深度考察。这并非简单的风格倒退，而是一种对“现代性承诺”的反思。作品中开始出现对历史记忆的挪用、对商业图像的解构以及对情感表达的重新肯定。书中通过分析如德国的“新具象画家”、意大利的“激进分子”以及美国东海岸新兴的绘画力量，揭示了他们如何在主流批评的边缘地带，艰难地为“绘画性”重新争取话语权。我们将探讨，这些作品如何在资本市场尚未完全驯服这些反叛姿态时，展现出一种原始的、未被完全商品化的力量感。重点章节将聚焦于“身体政治”的浮现。随着女权主义运动进入第二波高潮，以及艾滋病危机对社会身份认同的冲击，身体不再是纯粹的媒介或形式的载体，而是成为战场、抗议书和身份宣言的载体。书中细致梳理了行为艺术向更具剧场化、仪式化方向发展的脉络，以及摄影和录像艺术如何挑战既有的凝视权（Gaze）。我们不只是描述作品，而是深入剖析创作时的社会氛围——那种在保守主义抬头与社会解放思潮冲突下的紧张感。第二部分：观念的迁徙与市场的膨胀（约1985-2000）进入八十年代中期，艺术的“场域”开始与全球化、新自由主义经济模式发生深刻的共谋。本书将重点分析“国际双年展”模式的崛起如何重塑了艺术家的生产路径和价值体系。艺术不再仅仅是工作室内的沉思，而是跨越国界的文化资本的流动。一个关键的转折点是“图像的饱和”。在MTV文化和大众媒体全面渗透的背景下，艺术家们如何应对无休止的复制与廉价的视觉刺激？本书将考察那些善于运用挪用（Appropriation）、戏仿（Pastiche）和符号学分析的艺术家群体。他们如何用高密度的符号信息来瘫痪（或激活）观众的感知？我们探讨了他们对波普遗产的继承与颠覆，以及这种新图像策略如何悄然改变了博物馆的收藏逻辑。同时，本书也剖析了“艺术家的身份”如何在媒体的聚焦下被建构和神化。随着艺术品价格的飞涨，艺术家开始扮演起哲学家、社会评论家甚至摇滚明星的角色。这种公众形象的塑造，与其作品本身的内在严肃性之间，存在着怎样的张力与悖论？我们将通过对当时重要的艺术评论期刊的文本分析，还原批评家们在捍卫艺术独立性与迎合市场热潮之间的摇摆不定。第三部分：全球化语境下的本土与边缘的对话（约2000年至今）进入新世纪，艺术的地理中心开始扩散，非西方（Global South）艺术家的声音被前所未有地纳入主流讨论。本书将关注全球化背景下，艺术如何成为一种跨文化的交流工具，以及随之而来的挑战。我们审视了“社会转向”（Social Turn）的兴起。当许多艺术家开始将工作重心从制作可出售的“物件”转向组织“事件”、“过程”或“社区干预”时，艺术的边界被推向了何处？这些非物质性的实践如何被资本和机构重新定义和吸收？例如，那些看似无私的公共项目，其背后的运作逻辑与赞助体系是怎样的？本书将提供一个批判性的框架，以评估这些“关系美学”的成败与局限。最后，我们将目光投向技术与艺术的融合。数字革命不仅改变了艺术家的工具箱（从模拟到数字媒介的转换），更改变了艺术品的流通方式与观看体验。探讨虚拟现实（VR）、生成式艺术以及互联网文化对传统艺术观念的侵蚀与重塑。我们思考的是：在这样一个信息随时可得、图像无限可塑的时代，艺术家如何重新锚定作品的“在场性”（Presence）与“原创性”（Originality）？总结：未完成的清单本书的写作风格力求客观、疏离而又充满历史洞察力。它试图构建的不是一个封闭的艺术史结论，而是一幅关于“权力如何运作于艺术生产之中的动态地图”。通过对关键展览、重要评论、以及未被充分讨论的边缘运动的细致梳理，我们试图描摹出那段时期艺术家们在美学选择、职业生涯规划和自我身份认知上所经历的复杂心路历程——他们的成功、他们的困境、他们对既有体系的反抗与最终的妥协，共同构成了二十世纪后半叶至当代艺术图景的底色。这本书，旨在成为理解那个时代艺术语境的必备参考。