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出版者:Routledge

作者:Nicolas Collins

出品人:

页数:360

译者:

出版时间:2009-04-08

价格:USD 115.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780415996099

丛书系列:

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《电子音乐创作：从模拟到数字的实践指南》 内容简介： 在数字浪潮席卷全球的今天，音乐的创作方式正经历着前所未有的变革。从实验室里的神秘线路，到舞台上炫目的光影，《电子音乐创作：从模拟到数字的实践指南》将带领您深入探索电子音乐创作的迷人世界。本书并非一本关于手工制作电子乐器的教程，而是旨在为音乐爱好者、电子音乐制作人以及对声音实验充满好奇的创作者们，提供一个全面且深入的电子音乐创作理论与实践框架。 本书的核心在于拆解电子音乐的构成要素，从最基础的声音生成原理出发，逐步过渡到复杂的音乐编排与混音技术。我们将首先回顾电子音乐发展历程中的关键技术节点，理解模拟合成器是如何通过振荡器、滤波器、包络等核心组件塑造出独特音色的。随后，我们将深入浅出地解析数字音频工作站（DAW）的强大功能，学习如何利用采样、合成、MIDI控制等多种手段，在电脑端构建起庞大而富有表现力的音乐世界。 第一部分：电子声音的基石 本部分将从最根本的层面剖析电子音乐的“声音”从何而来。 声音的物理学与感知： 我们将从波形、频率、振幅、音色等基本概念入手，理解声音在物理世界中的存在形式，以及人耳如何感知这些物理信号。这有助于建立扎实的理论基础，为后续的技术学习打下坚实的地基。 模拟合成器的奥秘： 深入剖析经典模拟合成器的核心模块，包括： 振荡器 (Oscillators)： 学习不同波形（锯齿波、方波、三角波、正弦波）的特性，以及它们如何构成声音的“骨架”。我们将探讨如何通过改变波形、频率、半音、八度等参数来产生丰富多样的基础音色。 滤波器 (Filters)： 理解低通、高通、带通、带阻滤波器的工作原理，以及它们如何“雕刻”声音的频率响应，塑造出明亮、暗淡、空灵或浑厚等不同的听感。我们将详细讲解共振（Resonance）的运用，它是赋予滤波器生命力和动态的关键。 放大器 (Amplifiers) 与包络发生器 (Envelope Generators, EG)： 学习ADSR（Attack, Decay, Sustain, Release）包络的工作模式，理解它如何控制声音的动态变化，如瞬态、衰减、持续和释放，从而为音色注入生命力，使其听起来自然或具有戏剧性。 低频振荡器 (Low-Frequency Oscillators, LFO)： 探索LFO作为调制源的强大之处，学习如何将其连接到振荡器的频率（Vibrato）、滤波器的截止频率（Wah-Wah）或音量（Tremolo），创造出富有律动的动态效果。 调制矩阵与连接： 理解模拟合成器内部信号流的路由方式，学习如何自由连接不同的模块，进行复杂的调制，发掘无限的音色可能性。 数字合成的原理： 介绍数字合成的几种主要技术，包括： 加法合成 (Additive Synthesis)： 通过叠加多个正弦波来构建复杂音色，模拟管风琴等乐器。 减法合成 (Subtractive Synthesis)： 这是模拟合成器最常用的方法，通过滤波来移除或衰减某些频率成分，类似于从一个复杂的“白噪声”或“富含泛音”的声音中“减去”不需要的部分。 调频合成 (Frequency Modulation, FM Synthesis)： 解释载波（Carrier）和调制器（Modulator）之间的关系，如何通过改变它们的频率和幅度来产生金属质感、钟声等独特音色。 波表合成 (Wavetable Synthesis)： 介绍如何使用预先录制的波形片段（波表），并在它们之间平滑过渡，创造出动态变化且富有颗粒感的音色。 采样合成 (Sample-based Synthesis)： 深入探讨采样的原理，如何将真实乐器或声音片段作为基础，再对其进行拉伸、压缩、移调、滤波、循环等操作，生成全新的音色。 第二部分：数字音频工作站 (DAW) 的精髓 本部分将聚焦于现代电子音乐制作的核心工具——数字音频工作站。 DAW 的架构与工作流程： 介绍主流DAW（如Ableton Live, Logic Pro, Cubase, FL Studio等）的基本界面和操作逻辑，包括： 项目管理与轨道结构： 学习如何创建、保存、组织项目，理解MIDI轨道、音频轨道、自动化轨道等的区别与用途。 MIDI 编辑与量化： 掌握MIDI音符的输入、编辑、量化（Quantization）技巧，如何精确控制音高、时值、力度，以及通过随机化（Humanization）来增加自然感。 音频录制与编辑： 学习音频的录制、剪辑、粘贴、循环、移调、拉伸、压缩等基本操作，以及如何处理录音中的杂音和瑕疵。 虚拟乐器 (Virtual Instruments, VSTi) 的运用： 介绍各种类型虚拟乐器的使用方法，包括采样器、合成器、鼓机、采样库等，以及如何加载、配置和控制它们。 音频效果器 (Audio Effects, VST FX) 的链式处理： 动态处理 (Dynamics Processing)： 详细讲解压缩器（Compressor）、限制器（Limiter）、扩展器（Expander）、门限器（Gate）的工作原理，以及如何运用它们来控制声音的动态范围，使其更加饱满、有力或保持一致。 均衡器 (Equalizer, EQ)： 学习不同类型的EQ（图形EQ, 参数EQ, 动态EQ）的运用，如何通过调整频率增益来塑造音色，解决频率冲突，让混音更加清晰。 时间效果 (Time-based Effects)： 深入探讨延迟（Delay）、混响（Reverb）的设计原理，如何利用它们来增加空间感、深度感和氛围感，创造出空灵、宽广或紧凑的声音场景。 调制效果 (Modulation Effects)： 介绍合唱（Chorus）、镶边（Flanger）、移相（Phaser）、颤音（Tremolo）、哇音（Wah-Wah）等效果器，学习它们如何通过相位、频率或幅度上的变化来丰富音色，增加动感和趣味性。 失真与饱和 (Distortion & Saturation)： 探索不同类型的失真（过载、模糊、位深度削减）如何为声音增加温暖、粗糙或侵略性的特质。 自动化 (Automation)： 学习如何使用自动化来控制DAW中几乎所有参数的变化，如音量、声像、滤波器截止频率、效果器深度等，为音乐注入生命力和动态。 第三部分：音乐的构架与表现 本部分将超越技术层面，进入到音乐的创作与编排。 旋律、和声与节奏的设计： 旋律创作： 学习不同的旋律创作技巧，包括音阶理论、动机发展、旋律线条的走向与弧度。 和声理论基础： 介绍基本的和弦构成、和弦进行，以及如何在电子音乐中运用和声来营造情绪和色彩。 节奏构建： 学习如何设计富有吸引力的鼓点模式（Drum Patterns），以及如何运用切片（Slicing）、重排（Rearranging）等技术来创造复杂的节奏纹理。 编曲与结构： 段落设计： 学习如何构建歌曲的不同段落，如引子（Intro）、主歌（Verse）、副歌（Chorus）、桥段（Bridge）、尾奏（Outro），以及它们之间的逻辑关系。 层叠与对比： 学习如何通过增加或减少乐器层、变化音色、调整动态来制造音乐的起伏与对比。 空间感与声场布局： 学习如何利用声像（Panning）、混响、延迟等效果器来在立体声空间中定位乐器，创造出层次分明、立体感强的听觉体验。 声音设计与音色合成策略： 从零开始的音色创作： 结合模拟与数字合成技术，学习如何从基础波形出发，通过一系列的滤波、调制、效果器处理，创造出独一无二的音色，形成个人的声音标签。 采样与重塑： 学习如何有效地利用采样，从各种来源（如老唱片、环境音、其他音乐）提取声音素材，并对其进行创意性的编辑、切片、重组，赋予其新的生命。 鼓组的设计与塑形： 学习如何通过合成器或采样器来设计Kick、Snare、Hi-hat等鼓组元素，使其具有冲击力、质感和个性。 混音 (Mixing) 的艺术： 音量平衡 (Level Balancing)： 学习如何通过精确控制各轨道音量，使整体声音和谐统一。 声像定位 (Panning)： 学习如何将不同乐器放置在立体声声场中的合适位置，避免冲突，增强空间感。 EQ 的运用： 再次强调EQ在混音中的重要性，学习如何使用EQ来清洁、塑形、突出或衰减特定频段，使各元素在混音中清晰可辨。 压缩与动态控制： 学习如何在混音中运用压缩器来统一各元素，增加冲击力，或控制过载。 空间效果的应用： 学习如何运用混响和延迟来营造整体氛围，增强深度和广度，使混音听起来更加专业。 底鼓与贝斯的耦合： 学习如何处理底鼓和贝斯这两个低频区域的关键元素，确保它们在混音中既有力量感又不互相干扰。 监听与参考： 强调在不同监听环境下进行混音的重要性，以及如何利用参考曲目来指导自己的混音方向。 母带处理 (Mastering) 的初步认知： 简要介绍母带处理的基本概念，包括整体响度提升、频谱平衡、立体声宽度控制等，使其为商业发布做好准备。 第四部分：创意实践与前沿探索 实验性声音设计： 鼓励读者跳出常规，探索非传统的合成技术、声音处理方法，以及声音在非音乐语境下的应用。 实时表演与现场设置： 介绍电子音乐在现场表演中的常见技术和设备，如DJ技巧、控制器使用、现场采样、效果器联动等。 软件与硬件的融合： 探讨如何将模拟硬件合成器、效果器与数字音频工作站有机结合，取长补短，创造更丰富的创作体验。 电子音乐的风格与流派： 简要梳理电子音乐的主要风格及其音乐特征，帮助读者建立对电子音乐多样性的认知。 《电子音乐创作：从模拟到数字的实践指南》的目标是赋予读者理解电子音乐“引擎”的能力，培养他们独立设计声音、编排音乐、完成混音的技能。本书不拘泥于单一软件或硬件的特定操作，而是注重底层原理的讲解，以及创作思维的启发。无论您是想创作氛围音乐、舞曲、实验电子，还是仅仅对声音的世界充满好奇，本书都将是您踏入这个奇妙领域不可或缺的向导。通过理论与实践的结合，您将能够掌握创作属于自己独特声音的钥匙，并在这个日新月异的音乐时代，找到属于自己的创作节奏。

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读这本书的过程中，我最大的感受是它把“制作”和“音乐性”的边界模糊得恰到好处。很多技术书籍，教你如何让电路工作，但鲜有告诉你如何让这个电路“唱歌”。《手工电子音乐制作》在这方面做得非常到位。它不是教你如何复制某个大厂的经典合成器，而是引导你去探索自己声音的“基因序列”。比如，它有一章专门讨论了如何通过改变反馈回路的参数，来故意制造出一种电子乐中非常迷人的“不稳定”或“失真”效果，这已经超越了单纯的电路搭建，开始触及到声音设计的美学层面了。我按照书中的一个基础方波发生器电路图搭建了一个小装置后，完全是按照作者的提示，去试验不同的电容值和电阻搭配，每一次微调，出来的声音质感都有微妙的变化，那种探索未知领域的兴奋感，比我用软件合成器点点鼠标要强烈得多。这本书的厉害之处在于，它让你意识到，你手中的每一个元件，都蕴含着一种独特的声音潜力，而你的任务，就是去“唤醒”它。它培养的不是一个电路工程师，而是一个会用电子元件说话的音乐家。

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这本书的后续章节，尤其是在系统集成和故障排查方面，展现了作者作为一名资深制作者的深厚功力。很多入门书籍在教完基础模块后就戛然而止，留给读者一个“你自己看着办吧”的尴尬局面。但《手工电子音乐制作》非常负责任地探讨了如何将你制作的各个小单元——比如一个ADSR包络发生器、一个VCO和一个VCF——通过CV（控制电压）连接起来，从而构建出一个功能完善的模拟合成系统。它对信号流的讲解清晰到令人发指，即便是像“如何避免地线噪音”这样非常琐碎但至关重要的问题，作者也给出了详尽的、附带图示的解决方案。我曾被一个恼人的接地噪音困扰了整整一个下午，最终是按照书里介绍的“星形接地法”重新布线后迎刃而解。这表明，作者的写作目的不仅仅是展示如何“搭积木”，而是确保读者能真正“拥有”并长期维护自己亲手制作的乐器，这是一种面向未来的、可持续的创作指导。

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这本《手工电子音乐制作》的书，说实话，我刚拿到手的时候，心里是有些忐忑的。我一直对电子音乐，尤其是那种带着点复古、有点DIY味道的合成器音色情有独钟，但动手能力嘛，也就停留在“听”的阶段。我原以为这会是一本堆砌着晦涩难懂的电路图和专业术语的“硬核”技术手册，读起来会像啃一本外文说明书一样痛苦。结果，翻开第一页就被那种亲切感抓住了。作者显然非常理解我们这些半路出家、对焊接枪还不太熟练的爱好者。他没有直接把你扔进复杂的运算放大器世界，而是从最基础的振荡原理讲起，用你能理解的日常物品来做类比。比如，他会把一个简单的LFO比作水龙头里滴水的节奏，这种描述一下子就让原本抽象的电子概念变得生动起来。我尤其欣赏它在硬件选择上的克制和智慧，没有鼓吹你去购买昂贵、复杂的模块，而是侧重于如何利用最简单、最容易获取的元器件，比如555定时器或者基础的晶体管，去创造出有性格的声音。书里穿插的那些“小陷阱”和“常见错误”的提醒，简直是救命稻草，让我少走了不少弯路，避免了那种刚上手就想砸焊台的挫败感。那种‘啊，原来是这么回事！’的顿悟感，是看任何网络教程都无法替代的扎实基础。

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这本书的排版和配图，简直是给强迫症患者的一剂良药。在学习电子制作的过程中，最让人头疼的就是看不懂那些密密麻麻的原理图，以及手忙脚乱地在面包板上寻找元件的对应位置。然而，这本教材在视觉呈现上做到了极高的专业水准。它的电路图不是那种冷冰冰的、符号化的表示，而是配有非常清晰的实物对应图。你会看到，讲解一个电阻的作用时，旁边就是一张清晰标注了引脚和位置的实物照片。这种“所见即所得”的学习方式，极大地降低了初学者的心理门槛。更值得称赞的是，作者在介绍完一个模块的制作后，会立刻给出一个对应的“声音示例描述”，让你能够直观地将手中的焊接成果和听觉感受联系起来。这避免了那种“我搭好了，但我不知道它听起来该是什么样”的困惑。这种对细节的关注，体现了作者对读者学习体验的深度思考，让整个学习过程流畅且富有条理，几乎没有感到阅读的阻碍。

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我是一个追求极简主义和声音纯粹性的爱好者，那些充斥着过多数字处理和预设效果的现代音乐对我来说总有些疏离感。《手工电子音乐制作》恰好满足了我对“原始”电子声响的渴望。全书的基调都围绕着如何用最少的元件，搭建出最具个性的波形和音色。它并没有试图教你如何去模仿一个Minimoog或者一个Juno的音色，而是鼓励你拥抱那些“不完美”和“怪异”的电子噪音。例如，书中介绍如何通过控制电压的微小波动来制造出一种类似磁带机老化时的“颤音”，这种声音是软件里很难精确捕捉和还原的。这种对“缺陷美学”的推崇，让我觉得我制作出来的东西，哪怕只是一个嗡嗡作响的简单振荡器，也拥有了独一无二的“数字指纹”。它成功地将严肃的电子工程知识，转化成了一种更贴近艺术表达的媒介，让冰冷的电路板充满了人情味和实验精神。

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不适合普通人看

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