具体描述
1929. Contents: Art and the Creation of Beauty; Art the Language of Feeling. Veron and Tolstoi; Criticism of Croce's Aesthetic; Art and the Freudian Wish; Art as Imitation and as Means of Attraction; The Instrumentalist Theory of Art; The Play Theory of Art; What is Art? The Answer Proposed; The Aesthetic Attitude; Empathic and Peripathic Perception; Ecpathy, Objectification, and the Aesthetic Object; The Aesthetic Feelings; Aesthetic Objects. From and Content in Designs and in Dramatic Entities; The Aesthetic Values; and Standards of Criticism.
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读后感
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用户评价
这本书，说实话，拿到手的时候我其实是有点犹豫的。封面设计得挺简洁，有点那种古典学院派的味道，让人联想到厚重的德文原著或者什么晦涩难懂的理论大全。我本身对艺术史或者美学理论不是那种科班出身的狂热爱好者，更多的是凭着一股子“想弄明白点什么”的冲动。翻开第一章，果然，开篇就给我来了个下马威——对康德“无目的的合目的性”的阐释，简直像是在啃一块石头。我得承认，我花了相当大的精力去理解那些术语，什么“感性直观”和“知性范畴”的交织，感觉自己像个刚踏入哲学迷宫的新手。作者的行文风格非常严谨，几乎每一个论断都有充分的逻辑支撑，很少有那种轻描淡写的概括。这使得阅读过程充满了挑战，你需要不断地停下来，对照着手头的艺术作品实例去想象这些抽象概念是如何运作的。不过，一旦你咬开了那层硬壳，你会发现作者试图构建的那个宏大框架是多么精妙。他不仅仅是在罗列前人的观点，更像是在重新编织一张网，试图将那些看似孤立的艺术现象串联起来，探寻“美”这个概念在不同历史阶段和文化背景下的变迁轨迹。这绝对不是那种能让你在咖啡馆里轻松翻阅的读物，它要求你全身心地投入，甚至需要辅助阅读其他相关的哲学文献，才能真正品味出其中蕴含的深意。这是一次智力上的攀登，辛苦，但风景也值得。
评分这本书给我的感觉，就像是跟一位极其博学、但表达方式略显陈旧的大学教授进行了一场马拉松式的对话。他知识渊博得令人敬畏，但你得不断地提醒自己，要跟上他的节奏。我印象最深的是他对“审美判断”的社会学意义的探讨。他没有停留在纯粹的个体体验层面，而是将艺术的接受过程置于特定的社会结构和权力关系中去考察。比如，他对十七世纪沙龙制度的分析，简直是鞭辟入里，将那些看似高雅的艺术品评标准，揭示为一种维护既有阶层话语权的工具。那种将“高雅”和“低俗”的区隔视为社会实践而非自然真理的观点，让我对自己在博物馆里看到的作品产生了全新的审视角度。然而，正如前面提到的，这种深度往往伴随着语言上的疏离感。作者非常习惯使用长句和复杂的从句结构，阅读时，我常常需要回过头来重新梳理句子成分，才能确保没有遗漏掉关键的限定词或转折。这本书的价值在于提供了一种批判性的视角，让你不再满足于“我喜欢”或“我不喜欢”的肤浅论断，而是去追问“为什么我们会被教导去喜欢”以及“这种喜欢在社会中扮演了什么角色”。它迫使你从一个更具历史感和结构性的高度去看待艺术现象，是一种强有力的智力训练。
评分这本书的排版和装帧质量，说实话，有点对不起它内容的深度。纸张偏薄，字号偏小，对于我这种需要频繁做批注和查阅索引的读者来说，体验并不算理想。我希望一本承载如此重量级思想的作品，能在物理呈现上更显庄重和耐用一些。撇开这些外部因素不谈，这本书最让我感到“耳目一新”的，是它对“天才论”的解构。在很长一段时间里，我深信不疑艺术的诞生依赖于某种神秘的、不可言喻的天赋——那个被浪漫主义渲染得神乎其神的“缪斯”的垂青。但作者通过梳理大量的早期美学文献，系统地论证了“天才”概念是如何从一种社会建构和赞助体系中逐渐演变而来的，它与其说是对个体能力的客观描述，不如说是一种社会对特定艺术家的合法化工具。这种从“神启”到“社会工具”的视角转换，让我对很多艺术史上的“伟大人物”的评价产生了动摇和反思。它没有给我答案，但它提供了一个极其有力的工具箱，去拆解那些被过度神化的文化叙事。总的来说，这是一本需要耐心、需要反复咀嚼才能真正消化的书，它带来的不是即时的满足感，而是长期的智力回响。
评分坦白说，我购买这本书的初衷，是希望能找到一些关于“艺术的终结”或者“后人类美学”的讨论，毕竟现在各种跨学科的融合越来越多了，人工智能作画、基因编辑艺术，这些新事物对传统美学构成了巨大的冲击。然而，这本书的视野似乎更聚焦于一个相对固定的时间段和领域——大致可以定位于启蒙运动到结构主义之前的欧洲中心主义美学传统。作者对媒介的讨论非常古典，他主要关注的是绘画、雕塑和文学这“三大件”。当我试图寻找他对摄影技术如何颠覆再现本质的深入分析时，发现那部分内容非常简略，更像是作为对传统艺术的一种补充论据，而非一个独立的研究课题。这让我产生了一种“时代错位感”。阅读它，就像是去参观一座保存完好的十九世纪图书馆，里面的藏书无比珍贵，但你却找不到关于最新电子阅读器的章节。尽管如此，我必须承认，正是因为作者没有被太多新近的思潮干扰，他的论述在核心哲学问题上显得格外纯粹和有力。他为理解后世的理论提供了不可或缺的基石，就好比，你要理解现代物理学，总得先搞懂牛顿的经典力学体系一样。这本书的贡献在于其‘根基性’，而不是其‘前沿性’。
评分我最近对现代艺术中的“观念性”越来越感兴趣，尤其是在看了几场那些让人摸不着头脑的装置艺术展之后。我本来以为这本书会提供一个清晰的路线图，告诉我如何从文艺复兴的古典和谐一路走到后现代的解构主义，但读完之后，我发现我的困惑非但没有减少，反而好像更深了一层——当然，这可能是我个人的理解能力问题。作者似乎更偏爱那些奠基性的、历史悠久的哲学思辨，比如对模仿论的批判，以及对艺术作为情感表达的早期探讨。对于二十世纪中叶之后那些挑战传统界限的作品，比如杜尚的小便池或者战后表现主义的肆意宣泄，书中提及的分析相对保守和间接。它们更多地被放置在一个更宏大的美学框架下被审视，而不是像我期待的那样，被直接拉出来进行一次彻底的“手术式”解剖。这就好像你走进一家米其林三星餐厅，点了一份招牌的“艺术的本质”，结果大厨给你端上来的是一碗精心熬制的、营养均衡但略显平淡的鸡汤，而不是你期待的那道充满烟火气和颠覆性的新派菜肴。总体来说，它更像是一本扎实的“美学原理入门”，而不是一本关注当代艺术前沿动态的“思潮指南”。如果你想系统地梳理一下美学思想的源头活水，这本书绝对是首选，但如果你是想寻找一本能帮你解读最近一次双年展的“速成手册”，那可能要失望了。
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