具体描述
Содержит пошаговые инструкции для практического рисования фигур и портретов людей разных наций, эпох, профессий - от древнеегипетского математика до американского солдата времен последней мировой войны.
1-е издание было выпущено в 1999 г. тиражом 11 000 экз.
Для широкого круга начинающих художников, осваивающих искусство черно-белой графики.
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目录信息
读后感
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用户评价
这本书的装帧和设计非常朴实，没有那些花哨的色彩和炫目的特效，完完全全是内容为王的那种风格。我个人非常喜欢它对“动作连贯性”的细致剖析，这部分内容对我这个经常画出“断裂感”动作的人来说，简直是救命稻草。作者用了非常巧妙的方法来演示“力的传导”——也就是一个动作是如何从核心区域自然地扩散到末梢的。比如，当人物转身时，作者会用不同的线条粗细和颜色标记，清晰地标示出扭转的轴心点在哪里，以及躯干的旋转是如何带动手臂和腿部的。它强调了动作的“流动性”和“能量的延续性”，而不是孤立地去画每一个肢体。这种整体性的思维方式，让我的画面一下子就有了节奏感和动感，人物看起来不再是摆拍，而是真正处于运动之中。读完这部分，我明白了为什么有些大师的速写寥寥几笔就充满了张力，那是因为他们捕捉到了动作的“核心脉络”，这本书很好地教会了我们如何去寻找和描绘这个脉络。
评分这本书的叙事节奏有点慢热，一开始我还担心是不是内容太水，但随着页码的推进，我发现作者的讲解逻辑非常严谨，层层递进，让人心服口服。最让我印象深刻的是它对“透视在人物身上的应用”这一章节的处理。很多教程要么把透视讲得太枯燥，要么干脆一带而过，但这本书却结合了多个不同视角的全身人像，详细拆解了肩部、胯部和四肢在极端透视下的收缩和拉长效果。例如，书中详细解释了仰视视角下，人物头部和脚部的相对比例变化，以及如何处理人物在前景和背景中重叠时的空间关系。我试着照着书里的步骤画了几张，以前总觉得很别扭的侧面或俯视角度，现在突然有了“空间感”。它不是简单地告诉你“这里要画短”，而是告诉你“为什么它要短，以及这种短是基于什么几何关系产生的”。这种深入骨髓的原理讲解，让我对人物动态的理解从“靠感觉”升级到了“靠理性分析”，极大地提升了我在复杂构图中的信心。
评分这本画册真是让人眼前一亮，虽然我买它主要是冲着封面那几张动态十足的人物速写去的，但深入翻阅后，发现它在基础功的讲解上简直是教科书级别的存在。作者对于人体结构，尤其是动态中的骨骼和肌肉的理解非常到位，不是那种干巴巴的解剖图谱，而是真正融入到绘画过程中的指导。比如，关于如何捕捉“瞬间的姿态”，书中用了好几页的篇幅，通过大量的线条草图来演示，从最初的火柴人定位，到填充体积感，再到最终细节的刻画，每一步都清晰可见。我尤其欣赏作者处理光影的方式，不是简单地用明暗来区分，而是讲解了光线如何与人体的曲面发生作用，如何通过阴影来塑造形体的深度和重量感。对于想要提升人物绘画立体感的朋友来说，这部分内容绝对是物超所值。而且，书中还穿插了一些关于“情绪表达”的讨论，虽然篇幅不多，但提到了如何通过肢体语言来暗示人物的内心世界，这使得人物不再是僵硬的模特，而是有了生命力的个体。总的来说，这是一本非常扎实、干货满满的入门到进阶材料，非常适合那些希望把人物画得更“活”起来的画友。
评分说实话，拿到这本书的时候，我有点失望，因为我原本期待的是那种充满奇思妙想的创意插画集，结果发现它更偏向于写实和基础训练。但耐下心来仔细看下去后，才明白它的价值所在。这本书的视角非常独特，它似乎在引导读者去“观察”世界，而不是仅仅去“描摹”世界。书中大量使用了对比练习，比如将一个标准站姿和一个人大笑时的姿态进行并列分析，重点对比了重心、透视和面部肌肉的变化。这种“对比教学法”对我这个有点僵硬的画风来说，冲击力挺大的，让我意识到了自己平时画人物时忽略了多少微妙的动态变化。另外，纸张的质量和印刷的清晰度也值得称赞，那些铅笔稿的层次感保留得非常好，墨迹的浓淡变化让人能清晰地感受到作者下笔时的力度控制。虽然它可能无法提供那种一蹴而就的“速成秘籍”，但它提供的是一套严谨的思维框架，帮助你构建自己的观察和表达体系。如果你只是想找一本随便翻翻的图集，这本书可能不适合，但如果你想系统地打磨自己的观察力，它绝对值得拥有。
评分我不得不说，这本书在材料和工具的探讨上显得有些过于传统了，它似乎更专注于传统媒介的表达，对于数字绘画用户来说，可能需要自己做一些转化。不过，抛开工具不谈，它在“人体比例的弹性”这个主题上的探讨，简直是为我打开了一扇新世界的大门。传统的美术教育总是强调标准的“八头身”或“七头半”，这本书则大胆地挑战了这些刻板印象。作者通过大量的速写范例，展示了在不同风格化需求下，比例是如何被故意拉伸或压缩的，比如为了表现角色的力量感而特意压低重心和加宽肩膀，或者为了表现优雅和飘逸感而刻意拉长下半身比例。这种对“打破规则”的讲解，不是盲目的乱画，而是基于对基础结构完全掌握后的有意识的风格化选择。这对于那些在追求个人风格的路上感到迷茫的画师来说，无疑是一剂强心针：只要你懂规则，你就有资格去打破它，并且能让打破得理直气壮。
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