Studies in Musicology, 1935-1975 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Univ of California Pr

作者:Charles Louis Seeger

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1977-10

价格:USD 52.50

装帧:Hardcover

isbn号码:9780520020009

丛书系列:

图书标签:

• ethnomusicology
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《音乐学研究：1935-1975》是一部汇集了二十世纪中叶音乐学领域重要研究成果的结集。本书收录的文章，跨越了四十年，从1935年到1975年，恰好是音乐学作为一门学科在西方世界逐渐成熟并发展出多元理论与研究方法的关键时期。这些研究不仅梳理了西方音乐传统，也开始将目光投向更广阔的音乐文化景观。 本书的内容广泛，涵盖了音乐史、音乐理论、音乐美学、民族音乐学等多个分支。在音乐史研究方面，本书收录的文章深入探讨了不同历史时期音乐的演变，从古希腊音乐的理论基础，到中世纪宗教音乐的格律，再到文艺复兴时期复调音乐的精妙，直至巴洛克、古典主义和浪漫主义时期的风格特征与代表人物。研究者们运用当时最新的史料考证方法，对一些长期存在的历史疑案进行了辨析，并对音乐家们的生平、作品及其创作背景进行了更为细致的解读。例如，对某一特定时期宫廷音乐赞助人制度的研究，揭示了音乐创作与社会经济政治环境之间的紧密联系；对某一重要作曲家未被充分认识的作品的重新发掘和分析，也为理解其艺术发展轨迹提供了新的视角。 音乐理论方面，本书展现了音乐结构分析的多种进路。从传统的和声与对位分析，到更加关注音乐形式、织体和旋律发展的理论框架，都得到了充分的体现。一些学者开始运用逻辑学、语言学甚至社会学的方法来解读音乐的内在逻辑与表达方式，试图构建更具解释力的音乐理论模型。例如，关于赋格结构的严谨分析，展示了对位技巧的数学般精确性；对某一时期奏鸣曲式结构的变迁的研究，揭示了音乐形式在发展过程中如何适应新的审美需求。 在音乐美学领域，本书的探讨触及了音乐的本质、情感表达以及听众的接受心理。学者们辩论着音乐的抽象性与情感内容的关联，探讨了音乐如何引起共鸣，以及不同文化背景下的听众对音乐的理解差异。对音乐作为一种艺术形式的社会功能和文化意义的思考，贯穿其中。一些文章从哲学角度审视音乐的形而上学地位，讨论了音乐的“崇高”与“优美”，以及音乐在塑造个体身份和集体认同中的作用。 值得注意的是，本书中的研究也反映了民族音乐学的兴起和发展。一些学者开始将研究视野拓展到欧洲之外的音乐传统，对非西方音乐的旋律、节奏、音阶以及演奏实践进行了初步的记录和分析。尽管当时的民族音乐学研究方法尚显粗糙，但其开启的跨文化音乐研究的道路，为后来的音乐学发展奠定了基础。这些研究将注意力放在了音乐的社会功能、仪式意义以及口头传承的特点上，挑战了以西方古典音乐为中心的传统音乐学范式。 此外，本书的研究方法也体现了时代的进步。除了传统的文献研究和音乐分析，一些研究者开始运用录音技术来记录和分析音乐，利用统计学方法来分析音乐数据，并借鉴其他学科的研究方法论。这种跨学科的视野，使得音乐学的研究更加多元化和深入。例如，对某一地区民间音乐的田野调查，结合了人类学和社会学的研究方法，揭示了音乐在社区生活中的核心地位。 总而言之，《音乐学研究：1935-1975》是一部珍贵的学术文献集，它不仅记录了二十世纪中叶音乐学领域的重要思想和研究成果，也展示了音乐学学科自身的发展轨迹和不断拓展的研究边界。通过阅读这些研究，读者可以深入了解当时音乐学界关注的焦点、采用的研究方法以及对音乐本质的多元思考，从而获得对西方音乐传统以及更广泛音乐文化理解的深刻洞察。本书是理解二十世纪音乐学发展脉络不可或缺的重要参考。

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坦率地说，这本书的装帧和排版让人有些费解，大量使用了只有在极其专业的期刊上才会出现的脚注和尾注系统，阅读起来很不流畅，经常需要来回翻页查找引文来源，极大地打断了思维的连贯性。然而，抛开这些物理层面的不适，其内容深度是毋庸置疑的，尤其是在对战后电子音乐（Electroacoustic Music）兴起的社会文化背景分析上，堪称典范。它没有简单地将电子音乐视为技术的产物，而是深入探讨了斯图加特和科隆学派在对“噪音”和“非传统音源”的接纳过程中所经历的认识论危机。作者通过对皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）早期严谨的系统化尝试与卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）后期更加开放、受禅宗影响的宇宙观之间的对比，生动地描绘了这一新兴领域内部的张力。我特别喜欢作者对“时间感”在不同音乐形式中重构的讨论，这使得纯粹的技术分析上升到了哲学层面。对于任何希望了解电子音乐在冷战背景下如何进行自我合法化构建的读者来说，这部分内容是必读的。

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我购买这本书纯粹是出于对中世纪晚期至文艺复兴早期音乐理论演变的兴趣，本以为它会涉及很多，但出乎意料的是，1935-1975这个时间跨度，使得它对更早期的主题处理得相对简略，更像是一种必要的背景铺垫。不过，正是在这些“铺垫”中，我发现了一些宝藏。比如，书中对十九世纪末期德彪西（Debussy）研究成果的回顾，特别是探讨了法国音乐学界如何从李斯特主义的泥潭中抽身，转向对音色（Timbre）和模糊性（Vagueness）的系统性考察。作者将这一转向与当时现象学思潮的兴起联系起来，视角非常新颖。更让我惊喜的是，它对战后“新音乐学”（New Musicology）萌芽期的态度。书中对某些早期的人类学视角在音乐分析中的尝试给予了温和的肯定，尽管作者的本体论立场依然偏向“文本中心”，但能看出他对学科边界拓宽的敏感。这本书的好处在于，它提供了一个清晰的脉络，让你明白在那个剧烈变革的时代，音乐学者们是如何思考“什么是音乐研究”这一基本问题的。它就像一个高倍显微镜，让你看清了学科自我定义的艰难过程。

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这本《Studies in Musicology, 1935-1975》简直是音乐研究领域的一座里程碑，我花了整整一个夏天才勉强啃完。首先要说的是它的广度，简直令人咋舌。它并没有局限于某一个音乐学派或某一特定地域的音乐传统，而是像一个贪婪的学者，将目光投向了战前到七十年代中期这一关键时期的各个角落。我尤其欣赏它对战后欧洲序列主义（Serialism）的深入剖析，作者没有停留在对十二音技法的表面介绍，而是深入挖掘了达姆施塔特学派（Darmstadt School）内部的哲学思辨和美学冲突。书中对路易吉·诺诺（Luigi Nono）作品中政治诉求与技术严谨性之间张力的分析，尤其发人深省，作者娴熟地运用了社会学和符号学的工具来解读那些晦涩难懂的乐谱。同时，它对美国音乐界在二战后如何挣脱欧洲中心主义阴影的描绘也十分精彩，对约翰·凯奇（John Cage）的偶然性理论，它提供了一个既尊重其颠覆性，又不失批判性的审视角度。那种细腻到近乎偏执的文本考证，让我感觉自己仿佛跟随作者一起，穿梭在各个大学的档案室里，触摸着那些泛黄的乐谱原稿。这本书的阅读过程，与其说是在吸收知识，不如说是一场智力上的马拉松，对读者的背景知识要求极高，但回报也是巨大的。

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老实说，这本书的阅读体验，更像是在参加一场异常严谨且有时略显沉闷的学术研讨会，但一旦进入状态，那种智力上的愉悦感是无与伦比的。我个人对战前德国音乐社会史的部分最为着迷。作者对“雅俗之分”在魏玛共和国后期如何被意识形态扭曲和利用的考察，非常尖锐。它不是那种人云亦云地批判纳粹对艺术的压制，而是细致入微地展示了在特定历史语境下，音乐如何成为权力建构和大众动员的工具。书中对于某些被边缘化的作曲家，例如魏斯塔尔（Viktor Ullmann）在集中营内的创作，其文本分析的深度令人动容。作者不仅复原了创作背景，更对那些在绝境中诞生的作品的音乐语言进行了本体论层面的探讨——是什么让这些音乐在极端非人道的环境下依然保持着艺术的完整性？这种对“意义”的追问，远超出了传统的风格分析范畴。不过，必须承认，这本书的行文风格极其保守，学术腔调极重，充满了德语式的长句和复杂的从句结构，初次接触的读者可能会感到呼吸困难，需要极大的耐心和对音乐史细节的狂热。

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这本书的价值在于它的“编年史”视角。它不是一本按主题组织的教科书，而更像是一份详尽的学术年鉴，记录了半个世纪以来，音乐研究的焦点是如何缓慢、痛苦地发生转移的。我发现自己经常停下来，去查阅书中引用的那些我已经快要遗忘的，五十年代的德文或法文期刊上的小文章。作者在梳理这一时期的民族音乐学（Ethnomusicology）发展时，态度尤为审慎和复杂。他没有全盘否定早期殖民地人类学式的采集方法，而是将其置于特定的历史权力结构下进行考察，并着重分析了战后人类学家们如何努力在理论上实现“去中心化”，转向更注重文化语境和演奏实践的研究。这种克制的、不带强烈褒贬的叙事方式，使得全书的论证显得尤为可信。总而言之，这本书与其说是一部大众读物，不如说是一份精心打磨的、面向同行的“学术地图”，它指引我们辨识出过去数十年中，那些真正推动了音乐学界思考深度的关键节点和核心争论。阅读它，是对学识的检验，也是对研究精神的致敬。

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