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German artist Anselm Kiefer (b. 1945) is one of the most important and controversial artists of the 20th century. From the time of his appearance at the 1980 Venice Biennale, through such diverse mediums as painting, photography, artist's books, installations, and sculpture, he has interpreted the great political and cultural issues at the heart of the modern European sensibility: the connections among memory, history, and mythology; war; the Holocaust; and ethnic and national identity. His lyrical explorations of "Germanness" have prompted heated debate. In this extensively illustrated volume-the first complete survey of his work-Daniel Arasse analyzes Kiefer's education, influences, philosophy, and art. Organized both chronologically and according to the artist's recurrent motifs, the book's approximately 250 full-color images trace Kiefer's creative evolution, and present his great themes in their full scope and power.
250 illustrations in full color, 320 pages, 125/8 x 133/4" --This text refers to an out of print or unavailable edition of this title.
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用户评价
翻开这本厚重的画册，一股凝滞的、近乎腐朽的气息扑面而来。它不是那种轻盈的、展示着华美色彩和精致线条的艺术读物，而更像是一个进入了某种古老遗迹的导览手册。那些巨幅的图像，粗粝得仿佛能触摸到焦土和锈蚀的金属质感，让人不由得屏住呼吸。我尤其被其中几幅关于图书馆和废墟的作品深深吸引。它们的处理手法极其粗放，颜料似乎不是被“涂抹”上去的，而是被“砸”在画布上的，带着一种无法抗拒的力量感。每一层叠加的物质——铅板的冰冷、稻草的干燥、沙砾的颗粒感——都在讲述一个漫长而痛苦的故事，一个关于记忆如何被时间侵蚀，文化如何在一片狼藉中挣扎求生的故事。这绝不是轻松的视觉享受，它更像是一种沉重的冥想，迫使观者直面历史的重量，那种压在心头，沉甸甸的、无法摆脱的责任感。每一次翻页，都像是在挖掘一个深埋的秘密，发现的往往不是清晰的答案，而是更多的迷雾和破碎的碎片。
评分这本书的价值，远超出了单纯的作品展示范畴，它更像是一本关于“存在主义的物质景观学”的教科书。从装帧的朴拙到内页中那些似乎要溢出边界的巨大画幅，无不透露出一种对抗性的姿态——对抗轻浮、对抗虚假的美化。那些描绘巨大、空旷的室内空间的作品，总是让人联想到某种仪式的终结，或者一场盛大庆典后的沉寂。我反复回味那些包含镜面或反光元素的处理，它们没有带来清晰的自我映照，反而投射出一种扭曲、破碎的自我感知，仿佛观看者本身也成了这片废墟的一部分。阅读结束时，我的手心似乎还残留着沙土和灰烬的味道，这是一种强大的、几乎是生理上的代入感。这本书成功地将艺术品的二维平面性打破，强行将观者的感官拖拽进那片广袤、寒冷而又充满历史回音的领域之中。
评分与其他艺术家的作品集相比，这本书的叙事节奏显得非常缓慢，几乎是拖沓的，但这种“慢”恰恰是它的魅力所在。它拒绝提供快速的视觉冲击，而是要求读者投入时间去“磨合”。有些图像，你初看时会觉得模糊不清，像是一堆无序的涂抹，但如果你将目光停留更久，试着去想象颜料下方隐藏的那些铅块的重量，或者稻草的温度，画面就会开始“呼吸”。我特别喜欢其中关于“书写”和“文字残片”的部分。那些模糊不清的德语词汇，或干脆是符号，它们被深深嵌入材料之中，不再是传递信息的工具，而是与物质本身融为一体的伤痕。这不仅仅是关于视觉的艺术，更是关于“触觉”和“记忆的触感”的艺术。它提醒我们，真正的历史不是写在光滑纸面上的完美记录，而是存在于那些被踩踏、被遗忘、被风化的痕迹之中的。
评分这本书的装帧本身就是一种宣言。硬壳封面，那种接近于磨砂石头的触感，以及内页纸张所散发出的略微潮湿的陈旧感，都精准地呼应了艺术家作品中那种对物质性和历史残留物的痴迷。我花了很长时间研究那些关于神话和炼金术的章节，它们的排版处理得非常克制，留白不多，但每一张图注都极其详尽，仿佛在为那些晦涩难懂的符号和意象提供一把把脆弱的钥匙。我注意到作者（或者说，这本书的编纂者）非常擅长通过对比来制造戏剧张力：一边是宏大叙事中那些高贵的、追求永恒的意图，另一边则是材料本身不可避免的衰败和脆弱。这让我联想到欧洲那些在战火中幸存下来的哥特式教堂，它们在残缺中反而展现出一种更加强大的、近乎野蛮的生命力。阅读的过程，与其说是欣赏艺术，不如说是参与了一场漫长而略带仪式感的考古挖掘，每一次对焦，都是对“存在”与“虚无”之间界限的审视。
评分我习惯于在安静的夜晚，点一盏暖黄的台灯，慢慢翻阅这本画册。它带给我一种奇特的宁静感，但这宁静并非源于平和，而是源于对巨大悲剧的接受。那些铺陈开来的巨幅作品，色彩运用极为克制，以黑、灰、土黄为主旋律，偶尔一抹深红或幽蓝，如同远方战场上最后一缕血色的晚霞，转瞬即逝。最让我着迷的是其中关于“几何”的探讨——那些不完全闭合的圆形、倾斜的线条、以及反复出现的塔楼结构，它们似乎在试图建立一个逻辑秩序，但最终都被表层粗砺的物质感所瓦解。这种“努力构建”与“必然崩塌”之间的张力，是贯穿始终的主题。我仿佛能听到材料在画布上自我撕裂的声音，一种对永恒主题的抗议，一种对人类徒劳的雄心的嘲讽。这迫使我跳出日常的琐碎，去思考那些真正宏大、却又极易被遗忘的文明脉络。
评分非常喜欢他 书 的那个系列 很有趣 全部都是像废墟状的构成 颜色也是深暗的 还有一小部分用了头发 我把书中的那个部分拍摄了下来 了解他多一点 就能感觉到他的表达 他的意识 他的生动 他的艺术形式令人感慨 之前还看过他的摄影 举着右臂站在空旷的空间内 也是非常意向的 赏识他的精神 喜欢
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