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页数:352

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出版时间:2006-10

价格:4050.00

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isbn号码:9787531436362

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瀚海遗珍：一部跨越千年的中国艺术史纲 《瀚海遗珍》 并非专注于某一特定历史时期或艺术门类的百科全书，而是一部宏大、精深且极具洞察力的中国艺术通史。本书旨在构建一个清晰而富有层次的艺术发展脉络，从史前时期的陶器与岩画，追溯至近现代西方思潮涌入前的各个高峰期。其核心目标是展现中国艺术的内在逻辑、不同媒介间的互动关系，以及艺术如何作为历史、哲学和社会变迁的忠实载体。 第一部分：文明的初啼——远古至先秦的造型艺术 本书的开篇，并非从我们熟悉的“笔墨”传统开始，而是深入到中华文明的源头。 一、 史前艺术的语境重构： 重点探讨了仰韶文化、马家窑文化中彩陶的几何纹饰与象征意义，分析其与早期氏族社会组织结构及宇宙观的关联。这不是简单的器物罗列，而是尝试重建早期人类的精神世界，例如对“人面鱼纹”等核心母题的符号学解读。 二、 青铜时代的恢弘叙事： 详细剖析了夏商周三代的礼器系统。书中以“器物即政治”为核心论点，深入阐述了饕餮纹、云雷纹等核心母题的演变，并结合出土的铭文，探讨了书法艺术（金文）如何与雕塑艺术（青铜器铸造）在结构和美学上相互影响。特别辟出一章，专门研究了春秋战国时期“诸子百家”的思想对艺术表达的潜移默化，例如对玉器中“德”与“礼”的雕琢偏好。 第二部分：气韵生动与形神兼备——汉唐的雕塑与书法巅峰 进入秦汉，艺术形态开始走向成熟与规范化。 一、 汉代的“力”与“势”： 重点分析了汉代画像石、画像砖中世俗生活的描绘，以及其在叙事性构图上的创新。尤其关注了隶书向楷书过渡阶段的书法面貌，以及这种结构上的变化如何映射了帝国对秩序和稳固性的追求。对早期佛教造像（如云冈石窟的早期阶段）的分析，着重于印度犍陀罗艺术与本土审美（如褒衣博带式）的融合过程。 二、 盛唐的气象万千： 唐代是本书的重点之一。在雕塑方面，本书超越了对敦煌壁画的传统赞美，深入探讨了唐代金铜佛像的工艺精湛之处，尤其是其对人体结构与衣纹处理的写实性突破。书法方面，通过对颜真卿、柳公权等大家墨迹的细致摹写与比较，论述了“法度”与“性情”的张力，指出唐代书法对后世“尚法”观念的影响是何等深远。 第三部分：文人精神的崛起与艺术媒介的革新——宋元 宋元时期的艺术，标志着“文人画”理念的正式确立，也是本书探讨的另一个核心高潮。 一、 宋代的“格物致知”与院体艺术： 详细梳理了宋徽宗时期皇家画院的制度化运作，分析了他们如何将宋代理学中“格物致知”的精神渗透到对自然事物的精微观察中。本书对宋代花鸟画的工笔技巧进行了技术层面的剖析，强调了其精确度如何服务于一种内省的审美趣味。 二、 元四家的精神谱系： 专门构建了元代四位大师——黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙——的精神图谱。本书认为，元代文人的“避世”与“托古改制”思想，是他们艺术风格形成的根本动力。倪瓒的“寂寥冷逸”并非偶然，而是对特定政治环境的审美抵抗。对“笔墨”本体论的探讨达到本书的高峰，分析了墨色的层次变化如何象征着文人心中的“丘壑”。 第四部分：理性与情感的对决——明清早期至中期的艺术转向 本部分重点关注艺术体制、地方流派的兴盛，以及艺术内部的对立统一。 一、 明代中后期的南北冲突与地域特色： 探讨了以吴门画派为代表的江南文人圈的精致化倾向，以及与徽派、浙派等地方风格的碰撞。本书强调了明代文人对“雅”与“俗”界限的不断试探，以及这种试探在版画艺术（如《笺注水浒传》配图）上的体现。 二、 清代的“复古”与“创新”： 详细分析了清初“四僧”的艺术哲学，他们如何以极端个体化的笔墨语言，对抗满清的官方审美趣味。接着，本书转向“金石学”的兴盛，论述了碑学对帖学的挑战，并揭示了这种对“上古精神”的追溯，实际上是对当代文化身份的一种重塑。康熙、乾隆两朝的宫廷艺术，则被置于“盛世气象”与“匠人精神”的双重框架下进行审视。 结语：艺术史的连续性与断裂点 全书的最后，对中国艺术史的宏观结构进行了总结，着重于讨论“士大夫”阶层在艺术赞助、创作和鉴藏中的核心地位，以及这种结构如何影响了中国艺术的内在发展逻辑，为读者提供了一个全面、体系化且充满批判性思考的艺术探索之旅。本书的叙述语言力求凝练、精准，旨在引导读者进行深度思考，而非仅仅停留在对图像的表面欣赏。

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我最近在研究晚明时期文人画的“意笔”与“写意”之辩，这本画册的出现简直是雪中送炭，虽然它名为“选辑”，但其收录作品的典型性令人称赞。比如，我可以清晰地看到董其昌那种疏朗空灵的“淡墨山水”是如何区别于早期陈旧的“青绿山水”的，那种“计白当黑”的布局理念，在这本册子里通过不同作者的实践得到了直观的体现。更让我惊喜的是，它没有过多地陷入冗长的学术理论，而是用最直接的视觉语言来“说话”。我花了好一番功夫对比了清初“四王”的画作，发现通过对笔墨晕染的细致观察，可以明显分辨出王时敏的浑厚与王鉴的秀润之间的微妙差别，这种比较研究，远比单纯阅读文字描述来得深刻有效。唯一的遗憾是，部分作品的题跋文字似乎没有完全采用原貌影印，而是进行了数字化处理和转录，虽然提高了阅读便利性，但总觉得少了一份原件的“历史气味”。但瑕不掩瑜，对于想建立明清绘画基本视觉印象的研究者来说，这本书绝对是入门级必备的优质参考资料。

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对于一个非专业出身、纯粹出于兴趣爱好的收藏者而言，这本画册最吸引我的地方在于它的“可读性”和“引导性”。它不像博物馆图录那样动辄上百页的文字说明让人望而却步，它的叙事方式非常亲切。当我随意翻到一幅画时，比如某位晚明画家的花卉小品，书中的简要文字会立刻引导我去思考：为什么这朵牡丹的画法与唐代的风格截然不同？这种潜移默化的引导，自然而然地将我带入了对风格流变和时代精神的探索之中。它就像一位温和的向导，在我迷失在浩如烟海的古画中时，及时提供了一个清晰的坐标系。此外，装帧设计上的细节也体现了对读者的尊重，比如书脊的稳固性极佳，即便是反复翻阅，也不担心散页，这对于经常需要对照查阅的爱好者来说，是一个非常实用的优点。总而言之，这本书成功地搭建了古典艺术与现代生活之间一座易于跨越的桥梁。

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说实话，我刚拿到手时还有些疑虑，市面上的“选辑”太多了，往往质量参差不齐，要么是印刷粗糙的盗版，要么就是内容老旧、选材平庸的集合。但翻开这本《明清绘画选辑》后，我的顾虑完全打消了。这套书的选材角度非常具有启发性，它不仅仅罗列了那些耳熟能详的“天王巨星”，比如仇英的工细、八大山人的怪诞，它还纳入了不少在特定领域颇有建树的“匠人型”画家。我特别喜欢其中关于清代“扬州八怪”的几页，李方的扇面小品，那种充满烟火气的市井趣味，与宫廷画院的雍容华贵形成了鲜明的对比，展现了那个时代艺术生态的多元与活力。这种编排方式，使得读者能构建一个更立体、更具层次感的明清画史图景，而不是孤立地看待几个艺术高峰。每一幅画的注释都简练精准，点出了其风格要点和时代背景，非常适合忙碌的现代人快速掌握核心信息。这本书的价值在于它的“策展”能力，而非仅仅是图片的堆砌。

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这本《明清绘画选辑》的装帧设计着实让人眼前一亮，那种典雅又不失古朴的气韵，初上手就让人心生敬意。内页纸张的选择也颇为讲究，触感温润，即便是印刷的彩图，色彩的还原度也高得惊人，那浓淡干湿的笔墨细节，仿佛触手可及。尤其欣赏编者在版式布局上的匠心，每一幅画作都得到了充分的展示空间，不像有些画册，为了塞进更多内容而显得局促拥挤。翻阅时，我尤其留意那些巨幅长卷的局部放大，比如某位大家画中人物衣袂飘举的线条处理，或是山水画中皴法变化的精妙，都能让人沉浸其中，细细揣摩古人的功力。当然，作为选集，难免会有取舍，但总体来看，所选的经典作品跨度适宜，既有开宗立派的大师之作，也不乏后人继承发展中的优秀代表。只是希望将来如果再版，能在部分作品旁增加一些不同时代的鉴赏家对该作的批语摘录，那想必会增加不少品读的乐趣和层次感。总的来说，这是一本值得细细品味的工具书和收藏品，让人在快节奏的生活中，找到了一片宁静的艺术角落。

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我是一名古画修复爱好者，对古代颜料的衰变过程非常关注。阅读这本选辑时，我不是在“看画”，而是在“分析材料”。比如，在观察清中期某些山水画中石青和石绿的用色，可以明显感受到矿物颜料经过数百年氧化后所呈现出的那种特有的黯沉感和厚重感，这对于我们进行仿古临摹研究至关重要。这本书的影印技术在这方面做得非常出色，它保留了原画表面的肌理感，即便是那些层层积染的厚涂部分，也能看出画家下笔的力度和堆叠的层次。我甚至能“想象”出原作者在宣纸上使用狼毫笔蘸着浓墨晕染时的那种流畅感。与其他书籍相比，这本书的“学术严谨性”体现在对细节的忠实再现上，它没有为了迎合大众审美而过度“美化”老画，而是尽可能地呈现了其历史原貌。这对于希望深入了解古代绘画材料和技法的进阶学习者来说，是不可多得的宝贵资料。

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