Red in Russian Art

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出版者:
作者:Petrova, Yevgenia 编
出品人:
页数:208
译者:
出版时间:
价格:$ 84.75
装帧:
isbn号码:9783930775279
丛书系列:
图书标签:
  • Russian Art
  • Red Color
  • Art History
  • Soviet Art
  • Avant-Garde
  • Modernism
  • Cultural Studies
  • Color Symbolism
  • 20th Century Art
  • Painting
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具体描述

No nation on earth has one absolute, primordial symbol. The colour red, however, has always been favored by all nations. Red, as a concept and word combination became both an audible and visual image in Russia, particlularly so at the start of the 20th century. Russians identified the colour red with physical phenomena and actions. Colour images crossed over into the realms of concrete objects (red carpet); the Russian word 'krasny' lost its original meaning 'beautiful' and came to be applied purely to the colour red, which in turn crossed over to geographical names (Krasnaya Polyana, Krasnoye Selo). People grew accustomed to the colour red and it entered the public consciousness. And no matter what the future course of Russian history, red will forever remain its principal emotional charge, carrying the potential of all that is solemn, warm and jubilant. This volume is a celebration of the colour red in Russian art. Red betrays a wealth of meanings. It has also been simply a patch of bright colour

《猩红与冷峻:沙俄艺术的时代变迁》 图书简介 《猩红与冷峻:沙俄艺术的时代变迁》并非一部关于特定色彩的艺术史著作,而是一部深入剖析俄国自彼得大帝改革至十月革命前夕,艺术思潮、风格演变及其与社会政治紧密交织的宏大叙事。本书旨在通过梳理不同历史阶段的标志性艺术家、关键作品和主要流派,揭示沙俄艺术如何承载民族精神的挣扎、对西方文明的借鉴与反思,以及底层人民的呐喊与贵族阶层的奢靡。 本书的叙事结构围绕“冲突与融合”这一核心主题展开。我们考察的艺术并非单一、线性的发展,而是充满张力与矛盾的复杂体系——它既渴望融入欧洲的“理性之光”,又深受东正教传统与广袤土地的“精神厚重”所制约。 第一部分:古典的奠基与启蒙的微光 (18世纪初至19世纪初) 本部分聚焦于彼得大帝推动的“西化”运动如何重塑了俄罗斯的艺术版图。彼得一世将首都迁至圣彼得堡,带来的不仅是建筑风格的巴洛克化和新古典主义的引入,更是一种对古典学院派规范的强制推行。 我们将详细探讨俄罗斯第一代专业艺术家的成长历程,如画家德米特里·列维茨基和弗拉基米尔·博罗维科夫斯基,他们如何在外来导师的影响下,逐渐形成了具有俄罗斯面孔的肖像画。肖像艺术在这一时期承载了塑造新贵族形象、确立皇室权威的政治使命。特别是对叶卡捷琳娜大帝宫廷的描绘,体现了盛世的宏伟与对启蒙思想的表面接纳。 同时,本书也分析了俄罗斯本土艺术语言在严苛的学院体系下如何艰难地萌芽。建筑领域,如拉斯特雷利设计的冬宫,是宏大叙事和帝国野心的物质体现,其复杂的装饰性与纪念碑性,标志着沙俄进入了欧洲强国行列。 第二部分:浪漫主义的觉醒与民族精神的探寻 (19世纪上半叶) 随着拿破仑战争的结束和“卫国战争”的胜利,俄罗斯民族意识空前高涨。艺术开始从对古典形式的模仿转向对本土情感和历史的深度挖掘。这便是俄罗斯浪漫主义艺术的黄金时代。 焦点人物是卡尔·布留洛夫,他的巨幅历史画作《庞贝的最后一日》不仅在技术上达到了欧洲的巅峰水准,更以其对人类命运的宏大悲剧性思考,触动了俄国社会的敏感神经。本书将细致分析布留洛夫如何将古典构图与强烈的戏剧冲突相结合,反映了俄国知识分子对自由的渴望与宿命论的忧虑。 此外,景观艺术和现实主义的先声也在这一时期浮现。亚历山大·伊万诺夫在《基督在民众面前的显现》上耗费的数十年心血,被视为一种精神追求的极端体现——他试图以最精湛的古典技艺来表达深刻的道德和宗教主题,体现了艺术超越纯粹美学层面的责任感。我们也将探讨,在这一时期,艺术开始关注乡村和民间生活,尽管尚未形成成熟的流派,但为后来的批判现实主义埋下了伏笔。 第三部分:巡回画派的革命:现实主义与社会批判 (19世纪下半叶) 本部分是全书的重点之一。1863年“十四人叛乱”标志着沙俄艺术界与官方学院派的决裂。以伊利亚·列宾、伊万·克拉姆斯科伊、瓦西里·苏里科夫为代表的巡回展览协会(“巡回画派”)走出了宫廷和沙龙,走向广袤的俄罗斯大地。 本书将深入剖析“巡回画派”如何定义了俄罗斯的“批判现实主义”。他们不再描绘神话或遥远的古典英雄,而是聚焦于当代社会问题:农民的贫困、知识分子的困境、沙皇专制的压迫。列宾的《伏尔加河上的纤夫》不再仅仅是描绘劳动,而是对人性尊严被践踏的无声控诉。克拉姆斯科伊对人物内心世界的精准捕捉,尤其体现在他对陀思妥耶夫斯基式人物的刻画上。 苏里科夫的历史画作则提供了另一种批判路径:他通过描绘“人民”在历史转折点上的集体命运,来探讨国家历史的沉重性与民众的无力感。我们将分析这些作品如何成为社会改革的催化剂,以及沙皇政府对他们的警惕与限制。 第四部分:从民族志到现代性的边缘:世纪之交的探索 (19世纪末至20世纪初) 随着十九世纪末工业化进程的加速和西方现代主义思潮(如象征主义、新艺术运动)的涌入,沙俄艺术界出现了前所未有的多元化和分裂。 一方面,以瓦尔诺·格鲁别等为代表的“俄罗斯象征主义”试图超越现实主义的局限,探索神秘主义、民间传说和潜意识的领域。他们着迷于梦境、神话和对“更高实在”的追寻,这与当时的文学界(如白银时代的诗人)形成了强烈的共鸣。 另一方面,艺术界也开始拥抱“现代性”。建筑领域,莫斯科的“现代风格”(Art Nouveau的俄国变体)强调有机线条和装饰的融合,摆脱了帝国古典主义的僵硬。在绘画中,一些艺术家开始尝试后印象派的技法,但他们很快将其融入对俄国北方荒野和独特光线的描绘中,形成了独特的“北方风景”流派。 本书的结尾部分,将梳理这些探索如何最终导向了革命前的艺术爆发——立体主义、未来主义与抽象艺术的萌芽,这些艺术力量已经准备好,在1917年之后,彻底颠覆既有的艺术秩序。 总结 《猩红与冷峻》试图描绘的,是一部在帝国的威权、东方的神秘和西方的理性之间不断拉扯的艺术编年史。它展示了俄国艺术家如何借用古典的语言去呐喊,如何用现实主义的笔触去批判,以及如何在世纪之交,用现代的形式去展望一个未知的新世界。本书强调的不是某个特定色彩的审美,而是整个时代在社会剧变前夜所经历的深刻的、充满内在张力的精神历程。

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阅读这本书的过程,与其说是获取知识,不如说是一场深入灵魂的哲学思辨之旅。作者的叙事风格极其内敛,却又充满了穿透人心的力量。他似乎并不急于罗列史实或提供板上钉钉的结论,而是更倾向于抛出那些尖锐的问题,引导读者自己去构建对“红色”在俄国艺术语境中复杂性的理解。那种感觉就像是跟着一位经验丰富的老者穿行在阴影与光亮交错的画廊中,他会指着某幅画的角落,轻声低语一句充满暗示的话,然后将解释的空间完全留给你。我特别喜欢他探讨“集体主义美学”与“个人救赎主题”相互拉扯的那几章节,文字的密度非常高,需要放慢速度,甚至需要反复回味,才能捕捉到其中蕴含的深层张力。这本书绝不是那种可以快速扫过的内容,它要求读者投入时间与心力,去与之进行一场精神上的搏斗。

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如果非要用一个比喻来形容这本书带给我的感受,那它就像是一杯醇厚的伏特加。初尝时,也许会因为那股强劲的冲击力而有些不适,感觉直击头脑,甚至有些晕眩。但当你适应了那种烈度,细细品味时,便会发现其背后蕴含的层次感和复杂的风味——有泥土的芬芳,有寒冬的凛冽,更有深沉而温暖的窖藏记忆。这本书的行文节奏时而急促如政治风暴,时而又慢得如同西伯利亚永恒的冬季。它从不迎合读者的轻松阅读习惯,反而不断地要求我们走出舒适区,去直面那些被历史尘封或被意识形态过滤过的图像和观念。读完合上书的那一刻,我清晰地感觉到自己看待俄国艺术的目光,已经发生了质的转变,那种对文化深层结构的新洞察,是任何其他同类书籍都未能提供的。

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这本书的装帧设计简直是视觉的盛宴。从封面那大胆而富有张力的红色应用,到内页排版的克制与优雅,无不透露出一种对美学细节的极致追求。我尤其欣赏作者在选择插图时所展现出的独到眼光,那些鲜少在主流艺术史中被提及的早期俄国象征主义作品,与那些家喻户晓的列宾、苏里科夫的杰作并置,产生了一种奇妙的对话感。纸张的质感非常厚实,触感温润,即便是印刷精美的图片,在这样的载体上呈现也显得格外有分量,让人忍不住想要反复摩挲。装帧的工艺显然是精良的,书脊的缝合处处理得十分扎实,即便是经常翻阅也不会轻易散架。整体而言,这本书更像是一件精美的艺术品,而不只是一本普通的书籍。每一次将它从书架上取下,都像是在进行一次仪式,光是抚摸那封面凸起的烫金字体,都能感受到一种对历史和艺术的敬畏之情。

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这本书在学术界的定位,显然是站在了传统史学叙事的对立面。它没有遵循时间线或者流派的线性发展逻辑,反而更像是一张由情感、政治气候和符号学交织而成的网。章节之间的跳转往往是跳跃性的,从早期的圣像画到二十世纪初的先锋派构成主义,再到冷战时期的官方现实主义,看似散乱,但作者却巧妙地通过某种“色彩情绪”的共鸣点,将它们串联起来。我感觉这更像是一部“非线性叙事”的视觉人类学报告。对于那些习惯于清晰、逻辑分明的艺术史教科书的读者来说,初读时可能会感到有些迷失,但一旦接受了作者设定的这种“意识流”般的阅读体验,便会发现其间隐藏的惊人结构。这种结构带来的震撼,远超于传统的年代编年史所能给予的满足感。

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这本书的引证和参考资料部分,展现了作者扎实的研究功底和广阔的知识涉猎面。虽然在正文中,作者极少大声疾呼或使用绝对化的论断,但脚注和尾注的丰富程度,完全可以作为一本独立的、严谨的学术专著来参考。我特意去查阅了几处作者引用的俄语原版文献和一些鲜为人知的展览目录,发现他的转述和分析都极其精准,没有丝毫的夸张或误读。更令人称奇的是,他似乎对那些被主流评论界长期忽视的私人收藏和小型博物馆的资料也了如指掌,这无疑极大地拓宽了我们审视“俄国艺术”这个宏大命题的视角。这本书不仅是给艺术爱好者看的,更像是给那些希望深入研究俄国文化史的学者们提供了一个亟待发掘的新矿藏。

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