怎样画水墨人物画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人民出版社

作者:方增先

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页数:86

译者:

出版时间:1973年5月

价格:0.23元

装帧:平装

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画坛百鉴：笔墨丹青中的风云人物 本书并非一本简单的技法教程，而是一次深入中国水墨人物画发展脉络的探索之旅。我们并非在此教授您如何落笔勾勒，也非详述皴染点触的微妙奥秘。相反，我们将带领您穿越数千年的历史长河，去体味那些在宣纸之上跃然纸上的生命剪影，去品读水墨背后蕴含的东方哲学与人文精神。 一、 魏晋风骨：飘逸出尘的灵魂写照 想象一下，在那个崇尚玄学、追求个性的时代，文人雅士们是如何用画笔来表达内心的澄澈与超脱。我们不会教您如何画出“竹林七贤”的洒脱不羁，但我们会为您揭示，为何在那个时代，人物画开始摆脱纯粹的记录性，转而追求神韵的表达。顾恺之的《洛神赋图》，我们并非分析其线条的粗细变化，而是聚焦于它如何通过人物的姿态、表情，将曹植笔下的绝世美人化为可视的影像，传达出一种梦幻般的朦胧美和哀婉之情。东晋的绘画，特别是人物画，已经开始显露出一种“以形写神”的趋势。画家们不再满足于仅仅描绘人物的外在形态，更着力于捕捉和表现人物的精神气质和内在情感。这种对“神”的追求，奠定了中国人物画写意性发展的基础。 我们不妨回顾一下那个时代的文化背景。士族阶级的兴起，玄学的流行，使得人们的精神世界发生了深刻的变化。对自然、对生命、对个体价值的思考，促使艺术创作的方向发生了转变。人物画不再仅仅是为帝王将相歌功颂德，也不再仅仅是记录历史事件，而是开始关注普通人的生活，关注他们的喜怒哀乐，关注他们的内心世界。这种人文关怀的注入，使得人物画具有了更深刻的社会意义和艺术价值。 例如，我们谈及“竹林七贤”时，并非去分析如何用笔墨表现他们的狂放不羁，而是去理解为何他们的形象会成为那个时代人们的精神寄托。他们的超然物外，他们的蔑视权贵，他们的才情横溢，都通过艺术家的笔触得到了淋漓尽致的展现。这种对精神世界的描摹，正是那个时代人物画的独特魅力所在。 二、 盛唐气象：恢弘壮丽的时代颂歌 步入大唐，是一个怎样的时代？是万国来朝的繁荣，是兼容并蓄的开放，是自信昂扬的时代精神。唐代人物画，正如这个时代的写照，展现出一种恢弘壮丽、生机勃勃的气象。我们不会教您如何描绘唐代仕女的丰腴之美，而是带您一同感受那个时代女性的自信与风韵。张萱的《捣练图》与周昉的《簪花仕女图》，我们不分析其衣纹的流畅与否，而是去品味那画中人物的优雅仪态，她们的生活情趣，以及那个时代女性的社会地位和审美取向。 盛唐时期，社会经济发展空前繁荣，文化艺术也达到了一个顶峰。佛教的传入对绘画产生了深远影响，壁画艺术空前发展。人物画在唐代得到了极大的发展，题材广泛，技法成熟。从帝王将相的肖像，到神佛鬼怪的故事，再到贵族仕女的生活，都得到了生动的描绘。 唐代人物画的特点，在于其雄浑饱满的笔力，鲜丽浓郁的色彩，以及对人物性格和神态的准确把握。画家们善于运用线条勾勒人物的轮廓，再以色彩进行渲染，使得画面既富有立体感，又色彩斑斓。特别是仕女画，更是达到了一个前所未有的高度。唐代仕女画不同于以往的纤弱柔媚，而是展现出一种健康、丰腴、自信的美。她们的眼神明亮，神态自若，体现了盛唐时代女性的独立精神和生活热情。 本书将重点探讨唐代人物画如何通过笔墨，再现那个时代的社会风貌和精神面貌。我们不会讲解具体的绘画技巧，而是引导您去理解，为何张萱笔下的宫女如此细腻，为何周昉笔下的贵妇如此雍容。这背后，是对人物内心世界的深刻洞察，是对时代精神的精准捕捉。 三、 宋元流韵：文人雅趣与写意精神的升华 宋元时期，随着文人阶层的崛起，人物画逐渐融入了更多文人的审美情趣和哲学思考。我们不会教您如何勾勒宋代人物的清瘦飘逸，亦不会指点您如何描绘元代人物的遒劲洒脱，而是带您领略这一时期人物画中蕴含的文人气质与写意精神。李公麟的《五马图》，我们不去纠结其马匹的写实程度，而是去感受画中人物与马匹之间那种默契的和谐，以及背后所蕴含的文人对自由、对自然的向往。 宋代是中国绘画史上的一个重要时期，文人画逐渐兴起，强调“以诗入画”，“以书入画”。人物画在写实的基础上，更加注重意境的营造和情感的表达。苏轼、黄庭坚等文人画家，将诗、书、画融为一体，创作出许多具有深刻思想内涵的人物画作品。 到了元代，随着社会动荡，文人画家们往往将对时事的感慨、对人生的思考寄托于笔墨之中。倪瓒、王蒙等画家的人物画，常常带有浓郁的隐逸情怀和萧瑟之气。他们的人物形象，往往瘦削孤高，给人一种遗世独立之感。这种对内心世界的抒发，以及对笔墨意趣的追求，使得元代人物画具有了独特的艺术魅力。 本书将着重分析宋元时期的人物画，如何通过简约的笔墨，传达出丰富的情感和深刻的哲理。我们不会教授您如何模仿其笔触，而是引导您去理解，为何赵孟頫笔下的人物能够兼具古朴与秀丽，为何王震笔下的山水人物能够达到“逸气”的境界。这是对中国传统哲学思想，特别是道家思想在绘画中的体现的解读。 四、 明清变奏：世俗情怀与个性表达的绽放 明清时期，中国社会经历了巨大的变革，人物画也呈现出更加多元化的发展趋势。我们不会教您如何描绘明代官窑瓷器上的人物造型，亦不会传授您如何复制清代仕女画的精美细节，而是带您走进那个充满活力的时代，去感受画坛的百家争鸣和艺术家们的个性表达。唐寅的仕女，我们不去分析其线条的婉转，而是去品味画中人物的顾盼生姿，及其背后所蕴含的才子情怀。陈洪绶的人物，我们不去衡量其造型的夸张程度，而是去感受那股奇崛古朴、充满个性的力量。 明代，随着市民阶层的兴起，世俗化的人物画逐渐占据主流。题材更加贴近生活，如仕女、童子、山水人物等。同时，也出现了以文征明、唐寅为代表的文人画家，他们的人物画既有文人雅趣，又不失生活气息。 清代，人物画更是呈现出多元化的发展。一方面，宫廷画院依然延续着传统的画风，创作了大量精美的宫廷画。另一方面，以“扬州八怪”为代表的民间画家，则以奔放的笔墨和强烈的个性，打破了传统的束缚，创作出许多充满生命力的作品。陈老莲（陈洪绶）的画风更是独树一帜，他的人物造型奇崛，线条刚劲，充满了装饰性和形式感，对后世产生了深远影响。 本书将深入探讨明清时期人物画的发展特点，特别是如何通过笔墨的变化，展现出不同画家独特的艺术风格和鲜明的个性。我们不会教您如何模仿他们的笔法，而是引导您去理解，为何唐寅的仕女能够如此动人，为何陈洪绶的人物能够如此奇特。这是一种对艺术家内心世界的挖掘，是对时代精神的捕捉。 五、 传统之魂：笔墨意境的当代回响 在当今时代，传统水墨人物画的魅力依然不减。我们并非在此提供一套速成的学习方法，而是希望通过对历史的梳理和对经典的解读，帮助您建立起对中国水墨人物画的整体认知和深刻理解。从古人的笔墨之中，我们得以窥见东方民族独特的审美情趣、哲学思想和人文精神。这种传承，并非简单的模仿，而是一种精神的延展和创造。 本书的目标，是让读者在阅读中，能够跳脱出单纯的技法层面，去感受水墨人物画所蕴含的深厚文化底蕴和东方智慧。我们希望，通过这本书，您能体会到，每一幅成功的中国水墨人物画，都不仅仅是纸上的图画，更是画家对生命、对世界、对人性的独特解读。它是一种无声的诗，是一种有形的道。 它是一次跨越时空的对话，一次与古往今来无数艺术灵魂的交流。您将看到，笔墨如何承载历史的沧桑，线条如何勾勒时代的风云，色彩如何渲染生命的喜怒哀乐。最终，您会明白，水墨人物画的精髓，不在于笔下的点染，而在于心间的感悟。它是一种情怀的抒发，是一种境界的追求，是一种东方哲学的具象化表达。 本书，旨在唤醒您内心深处对美的感知，激发您对中国传统文化的兴趣，并为您打开一扇通往水墨人物画博大精深世界的大门。在这里，您将不再是学习“怎样画”，而是去理解“为何画”以及“画什么”。这是一个关于笔墨、关于人物、关于中国人的精神世界，一次深邃而迷人的探索。

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这本书的价值，我认为体现在其严谨的结构和细致入微的步骤拆解上。它不像其他一些教材那样，仅仅是展示成品然后告诉你“照着画就行了”。这本书真正做到了“授人以渔”。比如，在处理人物五官的画法上，它用了整整一个章节，从眼睛的神采、鼻梁的结构，到嘴唇的微妙变化，每一个部分都用放大图和箭头标注了下笔的轨迹和力道的控制。我尤其对“点睛”那一节印象深刻，作者详细分析了如何用焦墨点出瞳孔的高光，从而瞬间赋予人物生命力。对于我这种对细节有强迫症的人来说，这种细致的分解简直是福音。而且，书中还穿插了一些名人名家的作品赏析，不仅仅是展示作品，更重要的是分析这些大师在特定部位是如何处理的，这极大地拓宽了我的鉴赏视野。阅读这本书的过程，就像是进行了一次系统的、结构化的训练，每完成一个小节的学习，都能清晰地看到自己技艺的进步。

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我一直认为，学习中国画，特别是人物画，最大的障碍在于对“气势”的把握，那是看不见摸不着的东西。这本书最成功的地方，就是它致力于将这种虚无缥缈的“气势”具象化。它不是空谈理论，而是通过分析大量的古代仕女图、罗汉像等不同题材的作品，总结出了一套行之有效的方法论。例如，作者指出，人物的“气”往往体现在发丝和衣袂的动态上，并提供了一套“动态线”的追踪练习方法，让你先找到人物的运动趋势，再落笔。书中还涉及了一些比较少见的古代人物画技法，比如“没骨法”在表现人物肌肤质感上的应用，以及如何用淡墨晕染出立体感和年代感。这本书的排版非常注重阅读体验，大量的空白处和清晰的图文对照，让学习过程变得轻松愉悦。看完后，我深刻体会到，水墨人物画不只是绘画，更是一种东方哲学的体现，这本书让我找到了进入这个哲学殿堂的钥匙。

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说实话，我本来对市面上那些速成类的绘画书籍持保留态度的，总觉得少了点沉淀。但这本《怎样画水墨人物画》给我的感觉完全不同，它更像是一部浓缩了数十年经验的“心法秘籍”。最让我欣赏的是它对“写意”的阐释。作者没有拘泥于严格的写实比例，而是花了大量篇幅讨论如何通过几笔看似随意的线条，去捕捉人物的瞬间动态和内在精神。书里有一段论述让我印象深刻，提到“高手下笔，意在笔先”，随后就展示了几个不同角度的人体动态速写，并标注了关键的结构线和神态捕捉点。我尝试着跟着练习，很快就体会到，水墨人物画的精髓不在于画得“像”，而在于画得“对味”。而且，这本书的范画质量非常高，既有工笔的细腻，又有写意的洒脱，对于不同水平的学习者都有极大的参考价值。看完这本书，我感觉自己的眼光都被提升了，开始学着用更富有哲理性的角度去看待笔墨的应用。

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我是一个比较偏爱现代派艺术的人，但最近想尝试一些更具文化底蕴的创作方式，所以买下了这本书。初看之下，我还担心内容会过于陈旧，但事实证明我的担忧是多余的。这本书的结构非常新颖，它将传统技法和当代审美巧妙地结合起来。书中提到如何运用现代的色彩观念去辅助传统的水墨表现，比如如何通过矿物颜料的少量运用，来突出人物的面部或某个重点部位，营造出一种跨越时空的视觉张力。我特别喜欢其中关于“留白”的探讨，作者认为留白不仅是空间的处理，更是人物内心世界的映射，并给出了不同留白方式对应不同心境的图例。这种深入到心理层面的讲解，远超出了简单的技法教学。此外，书中还介绍了一些古代画家在创作时使用的辅助工具和材料的现代替代品，非常实用，解决了我们在现代工作室中可能遇到的材料困惑。这本书的深度和广度，非常适合有一定基础，希望寻求突破和创新的画者。

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这本画册，我真的是爱不释手啊！虽然我一直对传统水墨画抱着一种敬畏之心，总觉得那些笔墨的精妙之处遥不可及，但这本书的讲解方式，简直就像一位和蔼可亲的老师在耳边细细道来。它并没有直接堆砌那些晦涩难懂的术语，而是从最基础的“气韵生动”入手，用极其形象的比喻来解释如何捕捉人物的神态。比如，书中对于如何用墨的浓淡干湿来表现人物的心境，简直是醍醐灌顶。我以前画人物总是感觉线条僵硬，没有生命力，但照着书里的示范一步步尝试，我发现原来“飞白”不仅仅是技法，更是情绪的宣泄。特别是有一章专门讲如何勾勒衣纹，作者用了很多古代绘画的范例进行对比分析，讲解了唐、宋、元时期衣纹的不同韵味，这让我对中国绘画的历史脉络有了更深的理解。这本书的装帧设计也很考究，纸张的质感很好，即使用水性毛笔临摹也不会洇得太厉害。总之，对于想入门但又害怕传统水墨过于深奥的爱好者来说，这本书绝对是最佳的引路人，它把高深的艺术变得触手可及，让人充满了继续探索的信心。

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爸爸年轻时买的没想到三十年后成为我的心头爱.

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