具体描述
Quite a number of studies have assessed the value of Marxism to literary criticism, but there has been no recent and systematic study of what Marxism has to offer the social history of art. In situating the various strands of Marxist art history and the social history of art within ideological, political and historical contexts, this book represents a significant contribution to the study of visual culture at a time when old trends in Marxist art history are being reappraised. The author argues that the fragmented and confused state of the social history of art is the result of many radical cultural and art historians' move away from, rejection of, or even ignorance of Marxism, and their espousal of postmodern theories without any adequate method to position themselves in relation to these theories. Further, the reasons for this are ultimately to be found in the material conditions of late twentieth century culture and society, in the political disorientation of liberals and most of the Left, or what Jameson and Mandel describe as late capitalism.Focusing on developments in the visual arts over the last eighty years but drawing extensively on historical precedents, this book demonstrates that Marxism is far subtler than is commonly assumed. The author looks at works which appear 'easy' to understand in Marxist terms, but more importantly, non-figurative works and works by women and black artists which Marxists have generally shied away from tackling. Certain to become standard reading on a number of courses, this book clearly and persuasively demonstrates that Marxism can help the art and cultural historian take a more nuanced approach to visual culture.
作者简介
Gen Doy is Professor of the History and Theory of Visual Culture, De Montfort University, Leicester and the author of Black Visual Culture: Modernity and Postmodernity and Drapery: Classicism and Barbarism in Visual Culture (both I.B.Tauris)
目录信息
读后感
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用户评价
《Materializing Art History》这本书，给我带来了前所未有的阅读体验，它让我重新认识了艺术史的“实体感”。我过去阅读艺术史，总觉得文字和图片营造的氛围，虽然引人入胜，但始终与真实的艺术品之间存在一道无形的隔阂。而这本书，恰恰是通过对艺术品物质性的细致考察，打破了这层隔阂，让我能够更真切地“触碰”到历史。作者在书中对不同时期艺术家们使用的绘画材料、雕塑技法以及展览空间的构建进行了深入的研究，展示了这些物质层面的选择和实践，如何深刻地影响了艺术品的呈现方式和接受效果。我尤其对书中关于古埃及壁画的论述印象深刻。作者详细介绍了艺术家们如何从地质中提取矿物颜料，如何准备墙面基底，以及这些物质性的准备工作如何确保了壁画的持久性和色彩的鲜艳度。这种对艺术品“生产过程”的物质性探究，让我能够更深刻地理解艺术品在当时的社会和技术条件下的独特性。它让我明白，艺术史并非仅仅是抽象的理论和观念的堆砌，更是具体物质的实践和物质的演进。这本书的价值在于，它鼓励读者跳出对艺术品“意义”的过度解读，而去关注艺术品作为“物”的实在性，从而获得更全面、更深刻的理解。它让我开始关注那些曾经被忽略的细节，比如画框的材质、展览的照明方式，甚至是艺术品被安放的位置，因为这些物质性的因素，都在潜移默化地塑造着我们对艺术品的感知。
评分《Materializing Art History》这本书带给我的震撼，远不止于知识的增添，更在于它彻底改变了我审视艺术的方式。我过去常常沉溺于对艺术风格、流派和艺术家生平的分析，却很少去思考艺术品本身作为“物”的属性。这本书就像一把钥匙，打开了我对艺术品物质性的好奇心，让我意识到艺术史的叙事远比我之前想象的要复杂和多元。作者并非仅仅罗列事实，而是通过对艺术品物质细节的深度挖掘，构建起一个生动、立体的艺术史图景。我印象最深刻的是关于十七世纪荷兰静物画的分析，作者不仅探讨了画作中描绘的各种珍奇物品的象征意义，更着重分析了这些物品的材质——比如玻璃杯的透明度和反光，丝绸的垂坠感和光泽，宝石的切割和折射——是如何通过画家的笔触被精准捕捉和再现的。这种对材质表现力的细致描摹，让我仿佛能够透过画面“触摸”到那些真实的物件，感受到它们冰凉、光滑或粗糙的质感。更进一步，作者还将这些材质的呈现与当时的经济贸易、社会阶层以及技术发展联系起来，展示了艺术品作为一种物质载体，如何承载了丰富的社会信息和文化意义。这本书让我明白，艺术史并非仅仅是思想的流动，更是物质的实践和交织。它鼓励我跳出书本的束缚，去关注艺术品在真实世界中的物理存在，以及这些物理存在如何影响着它们的意义和价值。我甚至开始对那些看似平凡的展览布景、画框装饰产生浓厚的兴趣，因为它们也是构成艺术品物质体验的重要组成部分。
评分《Materializing Art History》这本书，给我带来的最深刻的感受，便是它对艺术品“物质性”的关注，如何将艺术史研究从一种抽象的理论层面，拉回到具体、实在的经验世界。我过去阅读艺术史，总觉得那些大师的杰作，虽然在视觉上令人惊叹，但在理解上总隔着一层纱。然而，这本书就像是拆掉了那层纱，让我看到了艺术品背后所蕴含的物质的“力量”。作者并非简单地描述艺术品的材质，而是深入挖掘了这些材质的来源、加工方式、化学性质，以及它们如何与艺术家的创作意图、时代的技术水平和社会经济背景相互作用。我至今仍然清晰地记得，书中关于早期摄影材料的论述。作者详细介绍了银盐感光材料、玻璃底片、以及不同冲洗显影技术的演变，以及这些物质性的进步如何直接影响了摄影作品的清晰度、色彩表现和保存寿命。这让我意识到，摄影艺术的发展，在很大程度上是物质科学进步的直接体现。通过对这些物质细节的深入分析，作者构建了一个更加立体、更具触感的艺术史叙事，让我能够更真切地“触摸”到艺术品的过去。它鼓励我将艺术品视为一种物质的实体，理解它们是如何在现实世界中被创造、被体验、被传承的。这种视角不仅拓展了我对艺术史的认知，更让我对那些流传至今的艺术品，产生了一种前所未有的敬意和亲近感，因为我看到了它们背后所凝聚的物质的智慧和生命的痕迹。
评分《Materializing Art History》这本书，让我对艺术史的理解，从一种纯粹的精神层面，转向了更具象、更具物质感的体验。我过去在阅读艺术史时，常常被那些抽象的理论和宏大的叙事所吸引，却很少去关注艺术品本身所承载的物质信息。然而，这本书以其极其详实的研究和独特的视角，将我带入了一个由物质构成的艺术史世界。作者在书中深入探讨了艺术品的物质构成、制作工艺、以及它们在物质世界中的流转和互动。我尤其欣赏书中关于十七世纪荷兰黄金时代绘画中对光影和材质表现力的分析。作者详细描述了艺术家们如何运用油画颜料的透明度和厚度，来捕捉玻璃杯的晶莹剔透、金属的光泽反射，以及织物的柔软垂坠。这些对物质性的细致描绘，让我能够更真切地“触摸”到画面中的物体，感受到它们真实的质感。更重要的是，作者将这些物质性的表现与当时的贸易、经济和技术发展紧密联系起来，揭示了艺术品作为一种物质载体，如何承载了丰富的社会信息和文化意义。这本书让我意识到，艺术史的叙事，远不止于思想的交流，更是物质的实践和物质的演进。它鼓励我跳出对艺术品“意义”的过度解读，而去关注艺术品作为“物”的实在性，从而获得更全面、更深刻的理解。它让我开始关注那些曾经被忽略的细节，比如颜料的化学成分、画框的雕刻工艺，甚至是作品的尺寸和重量，因为这些物质性的因素，都在潜移默化地塑造着我们对艺术品的感知和价值判断。
评分《Materializing Art History》这本书，以一种极其生动和深刻的方式，将我引向了艺术史研究的一个全新维度——物质性。我过去阅读艺术史，总会过于关注作品的象征意义、艺术家的个人风格或者历史的宏大叙事，却很少去思考艺术品本身作为“物”的属性。这本书就像一次彻底的“物理疗法”，让我重新审视艺术品的物质构成和物质存在。作者通过详实的案例研究，揭示了艺术品是如何与物质世界紧密相连的，从颜料的来源、画框的制作，到展览空间的搭建，再到观者与艺术品的物理互动，每一个环节都离不开物质性的支撑。我印象特别深刻的是书中关于中国古代陶瓷的论述。作者不仅分析了不同窑址出土的陶瓷的化学成分和烧制技术，更探讨了陶瓷的釉质、造型和纹饰如何与当时的社会经济、文化信仰以及审美观念相互作用。这种对艺术品物质性的深入挖掘，让我看到了陶瓷不仅仅是器物，更是物质文化发展的生动见证。它让我明白，艺术史的叙事，远不止于精神的传递，更是物质的实践和物质的演进。这本书的价值在于，它鼓励读者更加关注艺术品作为“物”的实在性，理解它们是如何被制造、被使用、被传播和被珍藏的，这一切都离不开其物质的载体。它让我对那些我曾习以为常的艺术品，产生了前所未有的好奇和敬意。
评分《Materializing Art History》这本书，可以说为我打开了一扇全新的艺术史研究之门。在此之前，我阅读过的艺术史书籍，大多侧重于风格的演变、艺术家的传记以及作品的象征意义。而这本书则以一种极其罕见且令人着迷的方式，将焦点放在了艺术品“物质性”的方方面面。作者并非仅仅在描述艺术品，而是在“解剖”它们，探究它们是如何被制造出来的，又在物质世界中扮演着怎样的角色。我至今仍清晰记得书中对文艺复兴时期雕塑家们如何选择和处理大理石的详细描述。作者不仅介绍了不同产地大理石的纹理和硬度差异，更分析了雕塑家们在切割、打磨、抛光等过程中所使用的工具和技术，以及这些物质性的处理如何最终赋予了作品生命和形态。这让我深刻意识到，艺术家的创造力不仅仅体现在构思和设计上，更体现在他们对物质特性的深刻理解和巧妙运用上。这本书让我明白，一件艺术品的诞生，是艺术家、材料、技术以及所处环境共同作用的结果。这种对物质性的关注，也让我开始重新审视那些我曾习以为常的艺术品，比如古老的卷轴画、泥塑佛像，甚至是现代的装置艺术，它们所使用的材料和建造方式，都蕴含着丰富的历史信息和文化意义。它鼓励我跳出对“意义”的过度解读，去关注艺术品作为“物”的实在性，从而获得更全面、更深刻的理解。
评分我必须承认，《Materializing Art History》这本书完全颠覆了我过往对艺术史的认知模式。我曾经认为，艺术史的研究主要在于解读艺术作品背后的思想、象征意义和历史语境。然而，这本书以一种极为精妙的方式，将我的注意力引向了艺术品最根本的物质属性。作者并非仅仅停留在对作品内容的分析，而是深入到艺术品是如何被“物化”的过程，探究其从原材料到最终形态的物质转变，以及这些物质性的特征如何影响着艺术品的解读和价值。我尤其喜欢书中关于十七世纪低地国家绘画的讨论，作者不仅仅分析了画作中描绘的郁金香、瓷器等物品的象征意义，更深入探讨了这些物品的材质——例如，玻璃的透明度、丝绸的光泽、以及金属的冰冷质感——是如何通过精湛的绘画技法被逼真地再现。这种对材质表现力的细致描摹，让我仿佛能够穿越时空，去“触摸”那些真实的物品。更重要的是，作者将这些物质性的表现与当时的贸易、经济和技术发展联系起来，揭示了艺术品作为一种物质载体，如何承载了丰富的社会信息和文化意义。这本书让我意识到，艺术史的叙事，远不止于思想的交流，更是物质的实践和物质的交织。它鼓励我从一个更务实的角度去理解艺术品，将它们视为在物质世界中活跃的实体，理解它们是如何被制造、被使用、被传播和被珍藏的，这一切都离不开其物质的载体。
评分不得不说，《Materializing Art History》是一本极具颠覆性的艺术史著作。它将我们从传统艺术史的文字和图像叙事中解放出来，引导我们去关注艺术品最根本的物质属性。在阅读过程中，我发现自己对艺术品的看法被彻底重塑了。过去，我可能更关注作品的象征意义、主题表达或者艺术家的个人情感，但这本书让我意识到，艺术品的“存在”本身就是一种复杂的物质实践。作者通过大量详实的案例研究，揭示了艺术品从原材料的采集、加工，到最终的呈现和保存，每一个环节都与物质世界息息相关。例如，书中关于中世纪彩色玻璃艺术的论述，不仅仅是分析其宗教象征意义，更是深入探讨了不同玻璃成分的化学性质，以及这些性质如何影响了光线的穿透和色彩的表现。艺术家们在选择和混合颜料、塑造玻璃形态的过程中，实际上是在与物质的物理特性进行一场精密的对话。这种对艺术品物质性的关注，让我能够更深入地理解艺术品在不同时代、不同文化背景下的独特魅力。它让我明白，一件艺术品的价值和意义，不仅在于其内在的思想内容，更在于其作为物质载体所承载的工艺、技术和材料的智慧。这本书的叙述方式也非常独特，它将学术的严谨性与文学的感染力完美结合，读起来既能获得深刻的知识，又能感受到阅读的乐趣。我尤其欣赏作者对不同时期绘画技法的分析，例如油画颜料的层层叠加以及其随时间推移而产生的化学变化，这些细节都让我对艺术品的“生命”有了更深的体会。
评分对于我这样一个对艺术史充满好奇但又常感困惑的读者而言，《Materializing Art History》这本书无疑是一次令人振奋的启迪。它以一种极其细腻且富有洞察力的方式，将抽象的艺术史概念与具体的物质现实连接起来。我过去常常在阅读艺术史时，感到一种距离感，仿佛艺术品是某种遥远的、纯粹的精神产物。然而，这本书彻底消弭了这种距离，让我看到了艺术品背后那庞大而复杂的物质世界。作者通过对各种艺术品——从古代的陶器、中世纪的插画，到近代的油画和现代的装置——的物质构成进行细致入微的分析，展现了艺术品是如何与技术、经济、社会实践以及人们的身体感知紧密相连的。我尤其欣赏书中对不同时期印刷技术对艺术品传播和复制影响的论述。作者详细分析了木版印刷、铜版印刷以及后来的胶印技术，是如何在改变艺术品可及性的同时，也塑造了人们对艺术品“原作”和“复制品”的观念。这种对物质性媒介的关注，让我意识到艺术史的演进并非仅仅是风格的变迁，更是技术物质媒介不断革新的过程。这本书让我不再将艺术品视为孤立的文本，而是理解它们是物质世界中活跃的参与者，它们被制造、使用、传播和珍藏，这一切都离不开其物质的载体。它让我重新认识了艺术品的“生产”和“消费”，以及这些物质行为如何塑造了艺术史的走向。
评分我最近刚读完一本名为《Materializing Art History》的书，真的让我对艺术史的理解发生了颠覆性的改变。在此之前，我总觉得艺术史是一门纯粹的学问，是陈列在书本上的文字、图片和理论，是一种高高在上、脱离现实的存在。然而，这本书以其极其扎实的研究和生动的叙事，让我切身体会到艺术品并非孤立的实体，而是与物质世界、社会经济、技术发展以及人们日常实践紧密相连的产物。作者在书中深入剖析了艺术品从创作到呈现，再到被解读和再创造的每一个环节，都离不开其所处的物质环境和技术手段。比如，书中对颜料来源、画框制作、展览空间设计，乃至观者触摸和移动艺术品的行为都进行了细致的考察，揭示了这些“被忽略”的物质性如何深刻地塑造了我们对艺术作品的感知和理解。它不再仅仅是关于“谁创作了什么”的问题，而是更进一步地探讨了“艺术品是如何成为其所是的”，以及“它又是如何被我们所经验的”。这种从“宏大叙事”走向“微观物质”的视角，不仅拓展了艺术史的研究范畴，更赋予了艺术品一种前所未有的生命力。读这本书就像是经历了一场穿越时空的物质之旅，让我看到了艺术品背后隐藏的无数细节和可能性。我尤其喜欢书中关于古代绘画颜料的论述，作者详细介绍了不同时期艺术家们如何从矿石、植物甚至动物身上提取色彩，以及这些天然颜料的特性如何影响了色彩的饱和度、持久性和呈现效果。这种对物质性的追溯，让我对那些流传千古的杰作有了更深的敬意，也更能体会到艺术家们在材料选择和运用上的智慧与创造力。它真正将抽象的艺术史概念具象化了，让我能够从一个全新的维度去“触摸”和“感受”艺术。
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