Art and Its Double: A New York Perspective pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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isbn号码:9788476640487

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艺术史
当代艺术
纽约艺术
艺术理论
文化研究
艺术批评
视觉文化
现代艺术
艺术哲学
美国艺术

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具体描述

Within a cultural framework as well-defined and closely-knit as the New York art worldï¼Œ periods of tran sition are known to occur with a remarkable lack of grace. This doesn t mean that the indicators of change are themselves difficult to perceiveï¼Œ nor that the changes are so sweeping as to destroy all semblance of a me- diating order. What tends to happen is that the watch dogs of the outgoing style become complacent before the shiftï¼Œ and vindictive afterwards. Those who usher in the new modes wax with piety at firstï¼Œ then quickly be come tyrannical. This phase is then proceeded by a long er chapter involving the consolidation of business in- terestsï¼Œ and the identification of shared aesthetic terrain between the two former adversaries. Once the strug gle has subsidedï¼Œ the intervening years before the next transition are enlivened by the shared memories of a well executed revolution. As of this writingï¼Œ the cluster of styles known variously as neo-conceptualismï¼Œ post modernismï¼Œ neo-geoï¼Œ com- modity sculptureï¼Œ the new abstractionï¼Œ simulationï¼Œ and "It ï¼Œ has taken more or less furl control of the New York art mediaï¼Œ its collective imaginationï¼Œ and its market- place.tl) It is useless to resist itï¼Œ and yet it is probably hope- less to compete within itï¼Œ since the originators of this style have long since been identifiedï¼Œ and the sole re- maining formality is to decide which of the younger gen eration will attain to a more or less grudging perma nence. Virtually all necessary lines of support have been drawn between the history of modern art on one sideï¼Œ and the European avant-garde on the other.~2) The gal- leries are already being swept by countless second-wave post-modernsï¼Œ and this trend is expected to intensify during the 1986-87 season. The two questions to be answeredï¼Œ thenï¼Œ areï¼Œ What does all of this mean? and How did it happen so fast? While the image of overnight transition may corre- spond neatly to popular myths regarding the fickleness of the American avant gardeï¼Œ the roots of the post- modern aesthetic have actually been in evidence for nearly a decade; even the identification of this range of work as a movement is merely the official acknow/ edgement o f a change that has been predicted for past few years. Certainly the recent growth of public inter- est in an art engaged by popular culture occurs as an explicit response to a number of factors that have be- come increasingly visible from within and outside of the art world.. The firstï¼Œ most apparent and yet/east signifi cant of these factors was an unspoken agreement that the neo-expressionist era was suffocating the possibil ity of meaning in artï¼Œ andï¼Œ relatedlyï¼Œ that some of the painters of that movement had begun to appear some- what compromised by their relationship to the interna- tional art marketï¼Œ ta) The second factor has been a sharp escalation of that marketï¼Œ particularly as this relates to financial speculation in young artists careersï¼Œ t4) A thirdï¼Œ and perhaps the most pervasive factor in this transition has been a marked shift in the way artists perceive them- selves in relation to the socialï¼Œ political and economic superstructure of American society - print and elec- tronic mediaï¼Œ so called "consumer" cultureï¼Œ and multi national corporate capitalism. Before attempting to explore any of these factorsï¼Œ the most pressing point to be made about post modernism is that it isï¼Œ in Hal Foster s wordsï¼Œ "not monolithic" - there are some closely related historical premises repre- sented by highly divergent mediaï¼Œ and virtually no consensus among the artists as to overriding formal or thematic concerns. The artists involved practice photographyï¼Œ abstract paintingï¼Œ constructed sculp- tureï¼Œ installations and public artï¼Œ graphic designï¼Œ collageï¼Œ drawingï¼Œ and more or less traditional methods of oblect making. Some are quite politically engagedï¼Œ others deeply involved with current philosophyï¼Œ and stiff others ground their work in predominantly intuitive pro- cesses. Lastlyï¼Œ each artist is keenly aware o f their sour- ces in prior forms of artï¼Œ and of the role they are attempting to create for themselves in the development of art in the late 20th century. A final point bears mentioning relative to the theme of this exhibition and the post-modern movement as a whole. In deciding upon the artists and works to include in Art and its Doubleï¼Œ there has been no curatorial attempt to present an authoritative summary of post- modernist activity in New Yorkï¼Œ nor of the entire range of ideas it suggests. On the contraryï¼Œ this exhibition rep- resents a highly personalized selection of work made since 1980ï¼Œ which happens to embrace several of post modernism s themes. There are important styles and artists in New York quite unrelated to this movement - a truth borne out by the peripheral status of most conceptually-based art during the firsi half of the 80 s. In additionï¼Œ there are a number of vital artists working within this parameter whose workï¼Œ for reasons of physi cal /imitations in spaceï¼Œ could not be included. The over all goal in bringing this art together has been to explore how some of t/~ese variant ideas have entered the artistic mainstreamï¼Œ and to suggest how they may con- tinue to shape its future. Hopefullyï¼Œ this exhibition will succeed in suspending the entire issue of art move ments for a momentï¼Œ and bring attention instead to fif- teen of the most compelling artists working in New York today. In 1914ï¼Œ Marcel Duchamp exhibited his first complete ready-made - a standard metal bottle-rackï¼Œ mass produced and unadorned.ts) With this single gesture he brought into locus one of the most profound and lasting issues of 20th century aesthetics: the problem of the uniqueness of the work of art. Twenty-two years laterï¼Œ the philosopher Walter Benlamin would take up this same problem in regard to the "aura of originality" that surrounded the art obect in the era prior to that of the popularization of methods of mechanized reproduc- tion. ~8) Both Duchamp and Benjamin arrived at similar conclusions through widely divergent approaches - thG modern artist could not afford to ignore the implications of technological advances which were being intro- duced at a startling rate: photographyï¼Œ electricityï¼Œ radioï¼Œ filmï¼Œ the automobileï¼Œ aviation and telephones were gra-

《艺术及其翻转：纽约视角》一部关于图像、感知与现实的深度探索在纷繁复杂的现代社会，我们无时无刻不被图像所包围。从大众媒体的摄影作品到精心策划的艺术展览，图像以其强大的力量塑造着我们的认知，同时也模糊着真实与虚幻的界限。《艺术及其翻转：纽约视角》并非简单罗列艺术品，而是一次深刻的哲学与美学跋涉，它以纽约这个充满活力与矛盾的城市为独特的观察窗口，审视了“艺术”这一概念在当代社会中的变异、重塑乃至“翻转”的过程。作者并不试图界定艺术的终极形态，而是聚焦于那些挑战固有认知、揭示图像背后潜藏机制的创作实践，并从中提炼出一种“纽约视角”——一种既拥抱多元文化碰撞，又直面消费主义侵蚀，同时又坚守批判性思考的态度。本书的论述并非从某个既定的艺术史坐标出发，而是选择了一种更具侵入性的方式——从“翻转”开始。作者认为，在当代，艺术不再仅仅是模仿或再现，它更倾向于一种“非艺术”的姿态，一种对艺术本身的质疑与颠覆。这种“翻转”体现在多个层面：首先是其生产机制的翻转。传统艺术生产往往与艺术家孤身创作、精英赞助等模式紧密相连，然而在纽约的语境下，艺术的诞生可能源于街头涂鸦，可能来自于社会运动的集体表达，甚至可能隐藏在日常生活的隐秘角落。这种去中心化、去精英化的生产方式，挑战了我们对“艺术家”身份的固有认知，也让我们重新思考艺术的价值判断标准。其次是其观看方式的翻转。我们习惯于在画廊或博物馆的圣殿中“肃穆”地观看艺术，而《艺术及其翻转：纽约视角》则引导读者走出这些传统空间，走进真实的纽约街头。在这里，广告牌、商店橱窗、甚至城市的建筑本身，都可能成为承载艺术信息，或者说“翻转”了艺术观看语境的媒介。作者通过对纽约街头艺术、装置艺术以及特定公共艺术项目的细致分析，揭示了图像如何在我们不经意间渗透我们的生活，以及我们如何在这种无处不在的图像洪流中，重新习得一种“观看”的能力，一种分辨、解读甚至反抗的能力。再者，也是本书的核心议题之一，是对“复制”与“原作”关系的翻转。当瓦尔特·本雅明提出“机械复制时代的艺术作品”时，他预言了艺术复制品可能带来的“灵韵”的丧失。然而，《艺术及其翻转：纽约视角》在纽约这个复制与消费至上的城市，则将这一议题推向了更深层次的探讨。在这里，复制品可能不仅仅是原作的影子，它本身可以成为一种独立的艺术形式，甚至比原作更具影响力。作者关注的并非简单的仿制，而是那些通过复制、挪用、拼贴、采样等方式，创造出全新的意义和语境的艺术实践。例如，对流行文化符号的“采样”式挪用，并非是对原作的简单重复，而是通过将其置于新的语境，引发对消费主义、身份认同、文化挪用等问题的反思。这种“翻转”在于，复制品不再是被动的模仿者，而是主动的颠覆者，它拆解了原作的独特性，同时也暴露了原作背后隐藏的权力结构和社会话语。本书的“纽约视角”至关重要。纽约，作为世界级的大都会，集聚了全球的资本、人才与文化。在这里，艺术的生产与消费高度发达，同时也充斥着激烈的竞争与严峻的社会问题。作者敏锐地捕捉到纽约这个城市独特的“双重性”：它既是艺术创新的温床，也是消费主义的发动机；它既是追求个体表达的自由之地，也是阶级分化与文化隔阂的缩影。这种双重性，使得纽约的艺术实践往往带有强烈的批判性与反思性。例如，那些关注城市边缘群体、探讨身份认同、或是对消费文化进行解构的艺术作品，都深刻地反映了纽约这座城市的现实肌理。作者认为，从纽约视角出发，我们能够更清晰地看到，艺术在当代社会中的“翻转”并非偶然，而是社会、经济、文化多重力量交织作用的结果。《艺术及其翻转：纽约视角》并非一本面向艺术史学家的专业著作，它以一种开放、包容且富有启发性的姿态，面向所有对艺术、图像与当代社会运作方式感兴趣的读者。作者的语言风格兼具学术的严谨与文学的流畅，避免了枯燥的理论说教，而是通过生动的案例分析和富有洞察力的观察，引导读者一同进行思考。阅读本书，如同在纽约的街头漫步，每一次转角都可能遇到意想不到的惊喜，每一次凝视都可能揭示出隐藏的真相。本书的结构并非线性的叙述，而是围绕“翻转”这一核心概念，进行多角度、多层次的展开。作者可能会从某个具体的艺术家、某个艺术事件，甚至某个普遍的文化现象切入，然后层层剥开，揭示其背后所蕴含的“翻转”机制。这种非线性的结构，恰恰呼应了当代艺术实践的碎片化、混杂化特征，也更能激发读者的主动思考。例如，作者可能会探讨街头艺术如何在被主流艺术界接受的同时，又保持其原有的反叛精神，这本身就是一种“翻转”。又或者，作者会分析那些利用社交媒体进行传播的艺术项目，如何打破了传统艺术展示的物理界限，构建起一种全新的参与式艺术模式，这也体现了艺术在传播媒介上的“翻转”。更进一步，本书将深入探究“翻转”背后所触及的权力关系。艺术的“翻转”，往往伴随着对既有权力结构的挑战。当大众媒体的图像被艺术家挪用，当消费主义的符号被艺术解构，当艺术的边界被不断拓展，这些都意味着对信息传播、价值判断以及审美标准等方面的权力进行重新协商。纽约这座城市，作为全球信息与资本的交汇点，其艺术实践中的“翻转”，往往也折射出全球化背景下权力关系的复杂变动。《艺术及其翻转：纽约视角》鼓励读者成为一个更积极的观看者，一个更具批判性的思考者。它并非提供标准答案，而是提出问题，激发对话。通过对纽约这座城市的深度观察，本书为我们理解当代艺术的复杂性，以及图像在塑造我们认知世界中所扮演的角色，提供了一个独特而深刻的视角。它提醒我们，艺术的真正力量，或许就隐藏在那些不断挑战我们认知、不断“翻转”我们习以为常的观看方式之中。最终，本书将引导读者走出艺术的围墙，去发现艺术在日常生活中无处不在的可能性，并以一种全新的“纽约视角”，重新审视我们所处的时代。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

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这本书的标题确实引人入胜，让人立刻联想到艺术作品与其映照、模仿或对立的复杂关系。我读完后，感觉它像是一次深入曼哈atten 街头巷尾的漫步，但焦点并非那些光鲜亮丽的画廊，而是那些在不经意间捕捉到城市脉搏的瞬间。作者对“双重性”的探讨，与其说是哲学思辨，不如说是一种对城市景观进行细致入微的“解码”。例如，他对布鲁克林大桥下那些被遗忘的工业遗迹的描绘，充满了诗意和批判。他似乎在问：当一个建筑不再服务于其实用功能时，它是否就成为了某种纪念碑式的“双重”存在？这种观察角度，使得即便是最日常的场景，比如地铁车厢内乘客的侧影，都被赋予了一种超验的意义。我尤其欣赏作者在描述中那种不加修饰的真实感，那种混合着咖啡的苦涩和清晨阳光的刺眼，非常到位地捕捉了纽约那种永不停歇、自我矛盾的生命力。这不是一本关于艺术史的教科书，而更像是一本献给城市观察家的私密日记，充满了对“在场”与“缺席”之间张力的深刻体悟。阅读过程中，我常常需要停下来，回味那些关于光线如何切割空间，以及声音如何定义边缘的段落，它们构建了一种独特的、既疏离又亲密的阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角非常独特，它避开了传统上对“波西米亚精神”的浪漫化叙事，转而聚焦于那些在城市边缘挣扎的、不被主流媒体关注的实践者。作者对“地下文化”的挖掘，不是为了猎奇，而是为了寻找那些在主流系统之外运作的、更具韧性的创造力。我印象最深的是他花了大量篇幅描述布鲁克林威廉斯堡一家已经倒闭的独立录音棚，那里汇聚的音乐人，他们创作的音乐如何在不被电台播放的情况下，通过小范围的磁带交换和口碑传播而拥有持久的影响力。这是一种关于“价值”的逆向工程。作者在暗示：真正的“艺术价值”可能恰恰存在于那些计算器无法触及的领域。他的行文充满了对效率和速度的反思，尤其是在当前社交媒体快速迭代的背景下，他笔下的那些慢工出细活的艺术形式，显得格外珍贵和具有抵抗性。阅读这本书的过程，就像是进行了一次对信息过载的排毒疗程，它迫使你放慢速度，去关注那些需要时间才能沉淀下来的东西——比如材料的质感、光线的衰变，以及人与人之间那种需要耐心的交流。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏非常跳跃，仿佛是夏日午后，意识流穿梭于不同街区的场景之间，让人在不经意间就完成了对某个主题的深入探索。我发现作者特别擅长使用强烈的感官细节来锚定情感。比如，他描写一家老式熟食店（deli）里，蒜味、烟熏肉味和廉价清洁剂混合在一起的味道，那种强烈的气味冲击，瞬间就将我拉回到了我记忆中那些凌晨三点的街角。这种对“嗅觉记忆”的运用，远比单纯的视觉描述更具穿透力。在讨论艺术机构的商业化时，作者没有采取那种高高在上的批评姿态，而是用一种近乎自嘲的幽默感，描绘了艺术家如何在市场洪流中努力保持“本真”的挣扎。这种接地气的处理方式，让原本可能晦涩的理论变得生动可感。我特别喜欢他对“噪音”和“沉默”之间界限的探讨。在纽约这样一个永远喧嚣的城市里，真正的沉默似乎成了一种稀有且昂贵的艺术品。作者巧妙地将这种城市噪音视为一种持续的“背景音乐”，而真正的艺术创作，往往发生在那些稍纵即逝的“静默间隙”之中。整本书读下来，感觉像是经历了一场精心编排的“声音景观漫步”，既令人疲惫，又充满了启迪。

评分☆☆☆☆☆

这位作者的写作技巧达到了一个令人赞叹的平衡点：他既能进行高度理论化的分析，又能在瞬间跳跃到极其个人化的叙事中，而两者之间没有丝毫的生硬过渡。在探讨艺术与政治边界的章节里，他引用了几段非常简短的访谈录音的文字转录，这些转录语焉不详，充满了口头语和未完成的句子，但正是这些“残缺”，揭示了权力结构下个体表达的局限性与力量。他成功地将“双重性”的概念从艺术范畴扩展到了社会和个人身份层面：我们如何在公共身份和内在自我之间进行持续的、无意识的表演？这本书的结构组织非常巧妙，像是一部复杂的交响乐，不同的主题（空间、时间、商品化、身份）在不同的乐章中交织出现，最后汇集成一个统一而震撼的印象。我不会说这是一本“轻松”的书，它要求读者投入极大的注意力和同理心，但其回报是巨大的。它提供了一种新的滤镜，让读者能够以一种既批判又充满敬畏的眼光，重新审视自己生活着的这座庞大而迷人的都市景观。

评分☆☆☆☆☆

从文学手法上来看，这本书更像是一系列结构精巧的短篇散文集合，而不是一部连贯的论著。每个章节都像是独立的作品，但又隐隐地环绕着一个核心的焦虑：在这个高度图像化和符号化的时代，如何重新定义“观看”的行为本身？作者对“复制品”的痴迷非常突出。他不是简单地讨论安迪·沃霍尔，而是深入到第五大道上那些奢侈品店的橱窗陈列，分析它们是如何通过精确的重复和微小的差异来制造欲望的。他将这些商业展示空间视为一种“伪艺术品工厂”，在这里，真实性被彻底货币化了。这种观察视角，让我重新审视了我每天通勤路上那些看似平庸的景象——它们难道不也是精心设计的“双重”陷阱吗？作者的语言风格带有明显的知识分子式的精确性，但又被一种近乎街头诗人的直觉所平衡。他不会过度解释自己的意图，而是将证据——那些照片般的描述、那些看似随意的对话片段——直接抛给你，让你自己去构建意义。这种留白的处理，使得阅读过程充满了主动性和探索欲，仿佛你手里拿着一份古老的地图，正在努力辨认那些已经被时间模糊的标记。

评分☆☆☆☆☆