怎样画鸡银手杖大字体中国画自学丛书 (平装) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:第1版 (1999年6月1日)

作者:吴磊

出品人:

页数:16 页

译者:

出版时间:1999年6月1日

价格:4.5

装帧:平装

isbn号码:9787533013110

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
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笔墨丹青，巧绘祥瑞：中国画经典技法入门 这本《笔墨丹青，巧绘祥瑞》是中国画技法入门的系列丛书之一，旨在为广大国画爱好者提供一套系统、易懂的学习路径。本书以中国画特有的笔墨韵味为核心，融合了传统绘画的精髓与现代审美的需求，让初学者能够轻松掌握绘画的基本功，并逐步领略中国画的博大精深。 核心理念： 本书遵循“由浅入深，循序渐进”的教学原则。我们深知，学习一门艺术，打好基础至关重要。因此，本书的内容安排紧扣这一理念，从最基础的笔墨训练开始，逐步引导读者掌握勾、皴、擦、染、点等基本技法，并在此基础上，将这些技法融会贯通，应用于不同题材的绘画创作中。我们力求让每一位读者都能在轻松愉快的氛围中，感受到中国画的独特魅力，并逐步建立起自己的绘画信心和风格。 内容构成： 全书共分为几个主要部分，层层递进，全面覆盖了中国画学习的各个环节。 第一部分：笔墨基础功的修炼 “纸寿千年，墨分五彩”： 这一章节将带领读者深入了解中国画对纸、墨、笔、砚这“文房四宝”的特殊要求。我们将详细讲解不同种类宣纸的特性，如生宣、熟宣、半熟宣的吸水性和晕染效果，以及如何根据不同的绘画题材选择合适的纸张。对于墨的运用，我们将重点介绍墨的浓淡干湿变化，即所谓的“墨分五彩”，并指导读者如何通过调墨、用墨，表现出物体的立体感、质感和光泽。 “万法归于一笔”： 笔法是中国画的灵魂。本章将聚焦于笔的运用，从握笔姿势、运笔力度、笔锋变化等方面进行详细讲解。我们将通过大量的示范图例，演示“平、圆、留、变”等基本笔法，以及如何运用这些笔法来表现物体的筋骨、轮廓和神韵。例如，在表现线条时，我们会区分“中锋用笔”的浑厚圆润，“侧锋用笔”的苍劲古朴，以及“藏锋”的含蓄内敛和“露锋”的锐利明快。 “勾勒乾坤，皴染乾坤”： 在掌握了基本的笔法之后，我们将进入勾勒和皴染的学习。勾勒，是中国画中塑造形体轮廓的重要手段，我们在此会详细介绍各种线条的运用，如铁线描、游丝描、兰叶描等，并演示它们在不同物体的表现上的应用。皴法，则是通过点、线、面的组合来表现山石、树木等物体的纹理和质感。我们将系统地介绍梅花皴、披麻皴、斧劈皴、解索皴等经典皴法，并配以详尽的步骤图，让读者能够清晰地理解每一种皴法的绘制要领。染法，则是运用色彩来丰富画面的层次和情感，我们将介绍淡彩、重彩、没骨等不同染色技法，以及如何运用色彩来烘托氛围，增强画面的感染力。 第二部分：花鸟篇——生命的跃动 花鸟画是中国画的重要题材，它以其独特的东方意境和生命活力，深受人们的喜爱。本书的花鸟篇将带领读者走进生机勃勃的自然世界。 “花语呢喃，鸟语啁啾”： 在这一部分，我们将以常见的花卉和鸟类为对象，进行深入的学习。 花卉的描绘： 从花瓣的层次、花蕊的细节，到花叶的舒展、枝干的姿态，我们将逐一剖析。例如，在描绘牡丹时，我们会强调其雍容华贵的气质，通过层层叠叠的花瓣和饱满的色彩来表现；描绘梅花时，则会着重其傲骨铮铮的风姿，运用苍劲的枝干和简洁的笔墨来传达。我们还会介绍各种花卉的绘画要点，如荷花的清雅、竹子的挺拔、兰花的幽静等。 鸟类的神韵： 鸟类的灵动和生机是绘画的难点，也是亮点。我们将从鸟的身体结构、羽毛的质感、眼睛的神采等方面进行讲解。从简单的单笔点画，到复杂的羽翼描绘，我们将一步步引导读者画出栩栩如生的飞禽走兽。例如，我们会学习如何运用点、染、勾等技法来表现小鸟的蓬松羽毛，以及如何通过眼神的描绘来传递鸟儿的灵动与智慧。 “意境营造，情景交融”： 在掌握了花鸟的基本造型之后，我们将进一步学习如何将它们融入到自然环境中，营造出富有诗意的意境。我们会讲解如何运用墨色和色彩来表现季节的变化，如春的生机、夏的繁茂、秋的萧瑟、冬的静谧。同时，也会学习如何通过构图的安排，将花与鸟、鸟与枝干、花与水等元素有机地组合起来，形成一幅幅和谐统一、意境深远的画面。 第三部分：山水篇——气韵生动 山水画是中国画的另一大重要门类，它以其雄浑壮阔的景象和深邃的意境，展现了大自然的鬼斧神工。 “山势巍峨，水流潺潺”： 本章将聚焦于山水画的描绘技法。 山石的塑造： 我们将从山石的骨骼、纹理、体积感等方面入手，介绍各种皴法在山水画中的具体运用，如披麻皴表现山峦的绵延，斧劈皴刻画山石的陡峭。同时，也会讲解如何通过墨色的浓淡干湿来表现山石的远近和层次，以及如何运用留白来营造云雾缭绕的意境。 水、云、树的描绘： 水的灵动，云的飘渺，树的姿态，都是山水画不可或缺的元素。我们将学习如何用流畅的线条表现水的流动感，如何用晕染来表现云的变幻莫测，以及如何运用点、染、勾等技法描绘出各种形态的树木，如松柏的苍劲，柳树的婀娜。 “移步换景，胸有丘壑”： 山水画不仅仅是对景物的描摹，更是画家胸中丘壑的展现。我们将引导读者学习构图的原则，如“三远法”（高远、深远、平远），以及如何通过构图的安排，将山、水、树、石、云、人物等元素巧妙地组合，形成富有韵律感和空间感的画面。同时，也会探讨如何通过笔墨的情感表达，将画家的胸怀和意境融入画作之中，达到“气韵生动”的艺术境界。 第四部分：人物篇——神形兼备 人物画是中国画中直接表现人物形象的题材，它要求画家既要掌握人物的外部造型，更要捕捉人物的内在神韵。 “神似为上，形质兼备”： 本章将带领读者领略人物画的魅力。 五官的刻画： 眼睛是心灵的窗户，我们将重点讲解眼睛的画法，如何通过细微的笔触表现人物的情感变化。鼻、口、耳的描绘，同样需要精准的线条和恰当的晕染，以塑造出立体感和真实感。 身体比例与动态： 我们会讲解人体比例的基本常识，以及如何通过捕捉人物的姿态和动作，表现人物的性格和情绪。无论是站立、行走，还是坐卧，都需要准确地把握身体的重心和各部分的协调性。 衣纹的处理： 衣纹是中国画表现人物的重要手段，它不仅能展现人物的体态，更能烘托人物的身份和性格。我们将学习如何通过线条的疏密、曲直、虚实，以及墨色的浓淡来表现衣物的质感和褶皱，让人物形象更加生动立体。 “传神写照，意在笔先”： 人物画的最高境界在于“传神”。我们将引导读者在绘画前，深入理解人物的内心世界，通过笔墨的变化，将人物的精神气质和情感状态传达出来。本书会提供一些经典人物形象的绘制步骤，帮助读者理解如何在形似的基础上，达到形神兼备的艺术效果。 第五部分：综合技法与创作实践 在掌握了各个题材的基本技法之后，本书的最后一部分将引导读者进行综合运用和创作实践。 “融汇贯通，自成一家”： 我们将讲解如何将花鸟、山水、人物等不同题材的绘画元素进行巧妙的组合，创作出具有独特风格的作品。例如，如何在山水画中点缀人物，如何在花鸟画中融入山水意境。 “写意传神，意境深远”： 最后的章节将侧重于“写意”精神的培养。我们将鼓励读者在理解客观物象的基础上，发挥主观能动性，用笔墨来抒发情感，表达意境。我们将提供一些创作练习的思路和方法，帮助读者逐步形成自己的绘画语言和艺术风格。 本书特色： 循序渐进的教学体系： 内容安排逻辑清晰，从基础到进阶，步步为营，适合零基础的初学者。 丰富的图例与示范： 大量精美的示范图和清晰的步骤图，直观易懂，便于读者模仿学习。 强调笔墨韵味： 深入挖掘中国画的笔墨精髓，让读者在掌握技法的同时，领略中国画的独特魅力。 注重意境的培养： 不仅教授绘画技巧，更引导读者理解中国画的写意精神和审美情趣。 实用的创作指导： 鼓励读者进行创作实践，帮助他们逐步形成自己的绘画风格。 《笔墨丹青，巧绘祥瑞》是中国画学习的一扇大门，它以其严谨的教学体系、丰富的实践内容，将带领您领略中国画的博大精深，开启您在艺术道路上的探索之旅。无论您是初涉国画的爱好者，还是希望提升绘画技艺的实践者，本书都将是您值得信赖的良师益友。

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这套丛书的装帧设计倒是挺别致的，封面的设计风格很吸引人，那种传统的水墨韵味和现代的排版方式结合得恰到好处，让人拿在手里就有种想翻开的冲动。我特地留意了一下纸张的质感，摸上去比较细腻，油墨的印刷效果也很清晰，这对学习绘画来说至关重要，毕竟细节的呈现直接影响到学习者的理解。尤其是一些示范图，线条的粗细变化、墨色的浓淡过渡都印制得非常到位，没有出现模糊或者色块堆叠的情况。侧边装订的书脊也做得比较牢固，感觉是能经受住反复翻阅和临摹的折腾。另外，这本书的开本大小也比较适中，放在桌面上写生或者随身携带都比较方便，不会显得过于笨重。整体来说，从一个初学者的角度来看，这本书在物理层面的用心程度是值得肯定的，这为接下来的学习体验打下了一个非常好的基础。好的工具和载体，总能让人在学习的路上少走不少弯路，光是看到这精美的外观，就已经让人对接下来的内容充满了期待。

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在参考资料和范画的选择上，这套书的编排者显然下了不少功夫，体现出了很高的专业素养。它选取的范画既有古代大家的名作，也有当代名家的精品，而且风格上兼顾了工笔的细腻与写意的洒脱。最让我惊喜的是，对于每一幅范画，它都提供了相当详细的“解构”分析。比如，在分析一幅写意花卉时，它会用箭头和文字标注出“起笔线”、“收笔处”、“墨分五色的晕染范围”，甚至连纸张在哪个部位用了“洇墨”技法都标注得清清楚楚。这种可视化、流程化的解析，对于自学者来说简直是如虎添翼，避免了自己对着原作凭空揣摩的盲目性。此外，书中还收录了一些不同地域、不同流派的风格尝试，让我能更全面地了解中国画的博大精深，而不是局限于某一种固定的套路。这种广博的视野，对于未来构建自己的绘画语言至关重要。

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作为一名想在家自娱自乐、寻找一些心灵慰藉的业余爱好者，我特别关注教材中对于“意境”的表达。很多国画教程只教“形似”，却忽略了中国画的精髓——“神韵”。这套书在这一点上做得非常出色。它不仅仅是教你怎么把一只鸟画出来，更是在引导你去体会这只鸟在自然界中的状态和它所蕴含的生命力。书中对一些经典范例的解析，不再是生硬的“先画A，再画B”，而是穿插了许多富有哲理性的文字，比如“画松贵在傲骨，点睛在于精气”。这种将艺术与哲学思考相结合的叙述方式，让我感觉自己不只是在学习绘画技巧，更是在进行一场关于东方美学的深度对话。它教会了我如何去“看”世界，如何将观察到的瞬间通过笔墨转化为一种持久的情感表达。这种由内而外的引导，是很多市面上常见的速成手册所无法比拟的，它培养的是一种长远的艺术眼光。

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我之前尝试过几本国画入门的书籍，但往往在“起步”阶段就让人感到气馁，要么讲得过于玄奥，要么步骤跳跃太大。然而，这套书在基础的笔法讲解上，处理得极其耐心和细腻。它并没有急于展示复杂的成品，而是花了大量的篇幅去拆解最基础的“点、皴、擦、染”这些基本功。比如，在讲解如何用笔触表现物体的立体感时，作者会用好几页的篇幅，通过不同角度的握笔姿势、不同的运笔速度，来演示同一种笔法所产生的截然不同的视觉效果。这些图例的对比性非常强，我甚至能从中感受到笔锋在宣纸上“提”与“按”的微妙区别。更重要的是，它没有止步于干巴巴的技法描述，而是巧妙地将这些技法融入到一些非常具象化的练习中，比如如何用“破笔”来描绘树皮的沧桑感，或者如何利用“分水”来表现远山的雾气。这种循序渐进，层层递进的教学方式，极大地增强了我的学习信心，感觉每翻过一页，手上就能多掌握一项实用的技能。

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这本书在实用性和互动性方面也做得非常人性化。比如，它在章节的末尾通常会设计一些“进阶练习”或“自由发挥区”。这些练习并不是僵硬的重复前文技巧，而是将所学知识点融入到一个更富有趣味性和创造性的情境中。例如，学完山石画法后，它会鼓励读者尝试将所学的皴法应用到表现“云雾缭绕的山谷”的场景中去。这种鼓励“变式”和“组合应用”的做法，极大地激发了我主动探索的欲望，不再是被动地模仿。而且，书中对一些常见错误也进行了预判和纠正，比如“初学者常犯的墨色过板问题”，并给出了具体的补救措施，这在没有老师指导的情况下，简直是救命稻草。总而言之，这本书不仅仅是一本技法指南，更像是一位耐心的、无声的导师，它知道自学者在哪个环节容易卡住，并在你即将迷失方向时，及时地伸出援手，让整个自学过程变得既高效又充满乐趣。

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