中国绘画史(艺术类) (精装) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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作者:陈师曾

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价格:44.00元

装帧:精装

isbn号码:9787300090528

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• 中国绘画史
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中国绘画史（艺术类）（精装） 一、 导言：文明的脉络，丹青的流转 中国，这片古老而辽阔的土地，孕育了璀璨夺目的中华文明。在这悠久的历史长河中，绘画作为一种独特的艺术形式，不仅记录了社会生活的变迁，更承载了民族的精神气质与审美追求。它如同历史的一面镜子，映照出不同时代的风貌，如同智慧的载体，传递着古人的哲学思辨与人生感悟。《中国绘画史（艺术类）（精装）》一书，旨在带领读者穿越时空，深入探寻中国绘画发展的宏伟画卷，从远古的图腾符号到近现代的笔墨创新，细致勾勒出这条波澜壮阔的艺术脉络。 本书并非仅仅罗列作品与朝代，而是试图深入剖析每一时期绘画的社会背景、哲学思想、审美观念以及技术革新，揭示其背后深层的文化动因。我们将一同审视那些被岁月洗礼的残垣断壁，那些陈列于博物馆中的珍贵画卷，感受笔墨在纸绢上跳跃的生命力，理解线条与色彩所蕴含的东方智慧。从对自然的敬畏与模仿，到对精神世界的探索与表达，中国绘画始终与民族的命运、文化的演进紧密相连，展现出一种独特的生命力和持久的艺术魅力。 二、 早期文明的曙光：史前与夏商周的图腾与符号 文明的起点，总是伴随着模糊而神秘的色彩。在遥远的史前时代，人类的绘画萌芽，主要体现在岩画、陶器纹饰以及玉器雕刻之中。这些早期艺术，尚未摆脱功利性的束缚，更多地是对自然万物的模仿，以及对神灵鬼怪的崇拜。它们以粗犷的线条、象征性的图形，勾勒出早期人类的生活场景、宗教信仰以及对生殖繁衍的渴望。例如，岩画中奔腾的野兽，象征着狩猎的丰收与力量；陶器上的几何纹饰，可能与早期历法、祭祀仪式有关。 进入夏商周时期，随着青铜文明的兴盛，绘画开始在器物上展现出更复杂的造型与纹饰。饕餮纹、龙纹、凤纹等神秘而庄重的图案，不仅是装饰，更是等级与权力的象征，蕴含着古人对宇宙秩序的理解和对祖先的敬畏。虽然这些器物上的纹饰尚不能称之为独立的绘画作品，但它们已经显露出中国绘画早期造型意识的萌芽，为后来的笔墨艺术奠定了初步的基础。这些早期艺术的痕迹，如同一颗颗闪烁的星辰，预示着未来艺术的璀璨。 三、 思想的觉醒与艺术的初步成熟：春秋战国至秦汉的帛画与壁画 春秋战国时期，诸子百家思想争鸣，社会变革激荡。在这样的时代背景下，绘画艺术开始呈现出更多的表现力和思想内涵。漆画和丝织品上的彩绘，以及墓葬壁画的出现，标志着中国绘画进入了一个新的阶段。 漆画以其鲜艳的色彩和流畅的线条，描绘出神话传说、历史故事以及日常生活场景，展现出早期画家对叙事性的追求。《人物御龙图》等帛画作品，以其精湛的技艺，将神话中的龙与生者联系起来，体现了古人对生死的思考与对灵魂的想象。秦汉时期，随着统一王朝的建立，国家力量的增强，大规模的墓葬壁画得以修建。敦煌莫高窟、汉墓壁画等，以其恢弘的气势和丰富的题材，为我们展现了当时社会的政治、经济、文化和军事面貌。汉代画像石、画像砖上的线性雕刻，也显示出对人物造型的初步探索，其朴拙而富有生命力的线条，至今仍令人叹为观止。这一时期的绘画，在继承早期艺术的基础上，逐渐开始注重写实性，并与哲学思想、宗教信仰相结合，显露出初步的成熟。 四、 精神的寄托与笔墨的探索：魏晋南北朝的书画分离与人物画的繁荣 魏晋南北朝是中国历史上一个动荡而又充满文化融合的时期。在这样的背景下，佛教的传入对中国绘画产生了深远的影响，尤其是佛教壁画的兴盛，如云冈石窟、龙门石窟等，展现了中外艺术的交流与融合。 更值得注意的是，在这个时期，书与画的关系开始逐渐分离，绘画作为一种独立的艺术形式，其审美价值日益凸显。名士风流、玄学思潮弥漫，使得人物画成为这一时期绘画的主流。对人物神韵的刻画，成为画家们追求的重要目标。顾恺之以其“以形写神”的理论，开创了人物画的新境界，他的作品如《洛神赋图》（传）等，笔法细腻，造型生动，展现了人物内在的情感世界。这一时期，对线条的运用更加纯熟，开始强调“以形写神”、“骨法用笔”，为中国画独特的笔墨语言奠定了基础。虽然存世的作品不多，但其理论与实践，对后世产生了不可估量的影响。 五、 审美的升华与山水画的崛起：隋唐的辉煌与五代的风采 隋唐是中国历史上一个辉煌的时代，国力强盛，文化昌盛，绘画艺术也迎来了新的高峰。人物画在唐代得到了极大的发展，阎立本、吴道子等大师辈出，他们的作品风格各异，但都展现了高超的写实技巧和对人物精神气质的深刻把握。阎立本的《步辇图》以其严谨的构图和细腻的人物刻画，展现了大唐王朝的气度。而吴道子则以其“吴带当风”的笔法，将人物画推向了新的高度，他的画作充满了动感与神韵。 与此同时，山水画在隋唐时期开始独立发展，并逐渐成为中国绘画的重要门类。展子虔的《游春图》被认为是现存最早的山水画作品，其笔法精炼，构图疏朗，展现了对自然景色的初步描绘。到了五代，山水画更是取得了显著的成就。荆浩、关仝、董源、巨然等画家，开始注重对自然山水的写实描绘，并形成了各自独特的风格。他们强调“外师造化，中得心源”，将个人情感融入山水之中，创作出了一系列气势恢宏、意境深远的山水画作品，如董源的《夏山图》、巨然的《山居图》等。这一时期的山水画，已经开始具备了中国山水画的基本特征，即注重意境的营造和情感的抒发。 六、 文人情怀的寄托与水墨的演进：宋代的雅致与元代的野逸 宋代是中国绘画的又一个黄金时期，尤其是文人画的兴起，对后世产生了深远的影响。宋代画家们注重对自然细致入微的观察，并将个人情趣融入画作之中，使得绘画更具精神性和哲学性。山水画在宋代达到了艺术的巅峰，范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》等，以其壮丽的构图、严谨的笔法和深邃的意境，展现了中国山水画的最高成就。花鸟画也得到了极大的发展，黄筌、徐熙等画家，以其写实而又富有意趣的笔法，描绘出栩栩如生的花鸟形象。 元代，随着民族政权的更迭，文人画的地位更加突出，并展现出更加自由奔放的风格。赵孟頫是元代画坛的重要人物，他提倡“古法”，并在继承前代的基础上，形成了自己独特的风格，他的山水画注重线条的运用，笔墨秀润，意境清远。而“元四家”，如黄公望、吴镇、王蒙、倪瓒等，则以其豪放、野逸的风格，进一步拓展了山水画的表现空间。黄公望的《富春山居图》以其精湛的笔墨和深远的气韵，成为山水画的典范。这一时期的绘画，更注重表现画家的个人情感和艺术理念，笔墨的运用也更加自由灵活。 七、 表现的自由与写意的拓展：明清的世俗化与个性化 明代绘画，在前代的基础上，呈现出更加多元化的发展趋势。宫廷画院依然存在，但文人画的影响力日益增强。江南地区成为绘画艺术的中心，涌现出沈周、文徵明、唐寅、仇英等“吴门四家”，他们的绘画风格各异，既有严谨工整的一面，也有写意挥洒的激情。山水画方面，沈周的浑厚，文徵明的秀润，唐寅的洒脱，仇英的工细，共同构成了明代山水画的丰富图景。 清代，绘画艺术继续保持着旺盛的生命力，并呈现出更加明显的世俗化和个性化倾向。宫廷画院之外，海派、扬州八怪等新兴画派不断涌现，为中国画坛注入了新的活力。扬州八怪，如郑燮、金农、罗聘等，以其奇崛的画风、奔放的笔墨和独特的题材，打破了传统绘画的束缚，展现出强烈的个性与时代精神。他们关注民间生活，寄托个人情怀，使得绘画更具生命力和感染力。同时，海派画家如任伯年、吴昌硕等，在继承传统的基础上，融合西方绘画的技法，形成了新的艺术风格，为中国画的现代化发展奠定了基础。 八、 现代的转型与未来的展望：近现代绘画的变革与创新 进入近现代，面对西方文化的冲击与挑战，中国绘画艺术也经历了一场深刻的变革与转型。一批有识之士，如齐白石、徐悲鸿、林风眠等，积极探索中西绘画的融合之道。齐白石以其朴拙的笔墨和鲜明的色彩，将民间艺术的生命力融入文人画之中，创作出了一系列独具风格的作品。徐悲鸿则大力倡导写实主义，将西方素描与中国传统绘画技法相结合，强调绘画的教育功能和社会责任。林风眠更是大胆地将中国传统水墨与西方现代艺术理念相结合，创造出了一种全新的绘画语言。 如今，中国绘画艺术正处于一个前所未有的发展时期。在继承中华民族优秀绘画传统的同时，当代画家们也在不断探索新的表现形式和艺术语言，无论是对传统笔墨的创新运用，还是对现代观念的吸收融合，都展现出中国绘画强大的生命力和广阔的发展前景。《中国绘画史（艺术类）（精装）》正是站在历史的高度，回顾中国绘画的辉煌历程，梳理其演变脉络，分析其艺术特征，以期读者能够更深入地理解中华民族的审美情趣与文化精神，并为中国绘画艺术的未来发展提供有益的启示。

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陈师曾又名陈衡恪，祖父为湖南巡抚陈宝箴，父亲为著名诗人陈三立，弟弟为史学大家陈寅恪，而他，则以绘画名世。齐白石初到北京，受他提携指引，终身感激不尽。作者家学渊源既深，绘画在当时亦称高妙，所作画史，虽然简略，自有存在的价值。  

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11岁开始学习画画，在小学三四年级的时候起步开始一个兴趣爱好对于现在的我们来说好像太晚了一点，似乎从接触了学校开始，即使是幼儿园规律的学习时间就意味着假期里不能闲着看电视，瞎胡闹，没有邻里好友，没关系可以去兴趣班里找，童年太无趣，兴趣班那么多，只是没找准方向...  

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说起来绘画二字，咋一听有些高大上，但如果说起来画画二字，大家一定不陌生，因为从幼儿园开始大家都上过画画课，不论是学校里的，还是课外班里的，谁拿起画笔都能画上几笔，如果遇上对方看不懂，还可以冠冕堂皇的说是自己的画抽象，他人欣赏不了。如今社会，大家在满足温饱问...

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琴棋诗书画印，文人之游戏也。古之文人，上通天文，下晓地理，为人处事无处不周，诗书画印无一不精。 当代社会，因为科技而带来巨大的物质回报，社会的进步建立在科学技术的基础之上，一个人如果没有认真钻研过科学，是不可能有太高建树的。 如今社会进步之瓶颈，正是专业之划...  

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我是一个对细节有强迫症的读者，这本书的注释和索引部分做得非常专业，体现了编纂者极高的学术素养。每当提到一位关键画家或一幅重要作品时，总能在页脚找到详细的参考资料出处和相关的学术争议点，这为我后续的深入研究提供了极大的便利。这本书的叙事节奏掌握得非常好，它并非平均用力，而是懂得在关键节点上进行“慢镜头”式的特写。比如，关于明末清初“金陵画派”的兴衰描述，作者花了相当大的篇幅去分析他们面对王朝更迭时的复杂心境，笔法从初期的激昂转为后期的沉郁，那种历史的厚重感透过文字直接渗透出来。这本书的厉害之处在于，它不仅仅是一部历史陈述，更像是一部关于“中国知识分子如何通过绘画来应对时代变迁”的社会心理史。我感觉自己读的不是一本工具书，而是一部浸润了时代情感的文学作品。

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这本书的排版和装帧设计本身就是一种艺术表达，它完美地平衡了学术的严谨性与阅读的愉悦感。我特别喜欢它在跨章节时的过渡处理，通常会配上一组具有象征意义的局部放大图，用以提示读者即将进入的那个艺术阶段的核心特征。阅读体验是极其流畅的，即使涉及到复杂的历史分期和地域流派差异，作者也总能用清晰的逻辑框架将读者引导进去。例如，在讲解元代文人画的“尚意”精神时，书中引用了大量的诗词作为佐证，将绘画从单纯的视觉艺术提升到了诗、书、画三位一体的境界，这是一种非常高明的叙事手法。它不是简单地罗列“谁画了什么”，而是深入探讨“为什么在那个时代，他们要这样画”。这种对创作动机和时代思潮的挖掘，极大地拓宽了我对“艺术史”这一概念的理解边界。对于希望系统深入了解中国艺术脉络的读者来说，这本书提供了坚实的理论支撑和赏心悦目的视觉享受。

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这本书给我的最深刻印象是其广阔的视野和对非主流艺术的关注。很多同类书籍往往将焦点集中在那些耳熟能详的“大师”身上，但这部作品却大胆地将目光投向了那些在历史长河中略显边缘，却同样贡献了独特美学的群体。比如，书中对民间风俗画、地方性题材以及少数民族艺术对主流绘画体系的反哺作用的探讨，展现了一种更为包容和全面的历史观。作者在论述中充满了批判性的思考，他没有盲目地推崇“古人皆是圣人”的论调，而是敢于指出不同时期审美取向中的局限性与矛盾。这种恰到好处的审视和反思，让整部作品的论述显得更为立体和可信。阅读过程中，我不断地被引导去质疑自己原有的认知，去重新评估那些我们习以为常的“经典”的成因。这是一本能真正激发读者独立思考的艺术史著作，非常值得反复研读。

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说实话，最初买这本书是有点冲动的，毕竟“中国绘画史”这个主题听起来就挺学术的，担心会读起来晦涩难懂，充满各种拗口的术语。然而，这本书的行文风格却出乎我的意料，它更像是艺术评论家在与同好进行一场深入而激昂的讨论。作者的文笔极具煽动性，尤其是在分析那些划时代的作品时，那种激动人心的文字力量几乎让我想要立刻冲到博物馆去重温一遍那些真迹。他善于捕捉时代的精神侧影，比如唐代那种昂扬向上、兼容并蓄的大气磅礴，是如何在吴道子“吴带当风”的笔下得到淋漓尽致的体现。书中对不同画派之间那种微妙的继承与反叛关系的梳理，也做得非常到位，让原本看似孤立的艺术事件，形成了一个有机的历史脉络。更让我感到惊喜的是，作者对绘画材料的考据也十分扎实，从绢的质地到墨的配方，都融入了对创作环境的理解，这让整个绘画史的叙述变得更加立体和丰满，不再是悬浮在空中的理论。

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这部书简直是打开了新世界的大门，我以前对中国古典艺术的了解还停留在教科书的表面，总觉得那些山水、花鸟离我很遥远，直到我翻开这本精装书，才真正体会到其中的深邃与韵味。装帧本身就带着一种沉甸甸的质感，每一页的印刷都清晰得让人心动，尤其是那些高清彩图，仿佛能嗅到宣纸上墨色的气息。作者的叙述方式非常细腻，他没有将历史简单地串联起来，而是像一位经验丰富的导游，带着你走进不同朝代的画院、文人墨客的私人空间。我尤其欣赏他对“意境”的解读，那种超越形似的精神追求，是通过对笔触、留白乃至画幅大小的精心考量来达成的，这使得观看一幅画不再是简单的“看内容”，而是一场与古人精神的对话。比如书中对宋代院体画中“界画”的探讨，那种对建筑结构一丝不苟的描摹背后，蕴含着对宇宙秩序的敬畏，让我对宋人的世界观有了更立体的认识。这本书的价值，不仅在于普及知识，更在于它提供了一种审视传统美学的全新视角，引导读者去体悟，去感受，而不是仅仅去辨认。

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