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出版者:

作者:李满枝

出品人:

页数:119

译者:

出版时间:2008-9

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787508376196

丛书系列:

图书标签:

• 动漫
• 速写
• 绘画
• 技巧
• 入门
• 临摹
• 人体
• 场景
• 构图
• 动漫作品

动漫速写：捕捉瞬间的艺术精髓 这是一本专注于动漫人物速写技法的实用指南。本书旨在帮助读者快速掌握动漫人物的造型基础、动态表现以及表情描绘，从而在短时间内捕捉人物的精髓，创作出生动传神的动漫角色。 核心内容概览： 造型基础： 人体比例与结构： 深入解析动漫人物的经典比例，从头身比、四肢长度到肌肉骨骼的简化表现，帮助读者建立准确的人体框架。我们将通过不同年龄、性别和体型的案例，展示如何灵活运用比例原则，创造出多样化的角色。 头部与面部特征： 细致讲解动漫头部结构的绘制要点，包括头型、脸型、五官的比例关系与造型变化。特别强调眼睛、眉毛、鼻子、嘴巴在不同情绪下的描绘技巧，让你的角色瞬间拥有丰富的内心世界。 手部与脚部绘制： 手和脚作为人物动态表现的关键，往往是新手绘制的难点。本书将提供一套系统性的方法，从骨骼结构入手，逐步简化至动漫风格的绘制，并演示不同姿势下的表现技巧，让你摆脱“画不好手”的困境。 动态表现： 重心与平衡： 理解和掌握人物的重心转移是表现动态活力的核心。我们将通过对站姿、跑、跳、跌等基本动作的拆解，讲解如何在速写中准确地找到人物的重心线，并以此带动身体的整体动势。 肢体语言与情感传达： 人物的姿势是其内心状态和情感的外在体现。本书将引导读者观察和分析各种肢体语言，如何通过肩部、腰部、手臂、腿部的弯曲与伸展，传达喜悦、悲伤、愤怒、惊讶等丰富情绪。 速度感与力量感： 学习如何运用线条的粗细、虚实、方向以及留白等手法，来表现人物的运动速度和力量感。我们将通过各种动态场景的速写示例，演示如何让画面充满张力与动感。 表情描绘： 情绪的基础表情： 细致讲解不同基础情绪（如开心、生气、惊讶、悲伤、恐惧、疑惑）在五官上的具体表现。包括眼睑的变化、瞳孔的扩张或收缩、嘴角的弧度、眉毛的走向等。 混合情绪与微妙变化： 探讨如何将基础情绪进行组合，创造出更复杂、更 nuanced 的表情。例如，略带嘲讽的微笑、勉强支撑的笑容、内心的不安与外表的镇定等。 漫画夸张与写实结合： 分析动漫表情的夸张手法，如眼睛瞪大、血管暴起、冷汗直流等，以及如何将这些夸张元素自然地融入到角色的性格和情境中。 速写技巧与训练方法： 线条的运用： 强调线条在速写中的重要性，包括流畅性、节奏感、概括性。讲解如何通过不同类型的线条（如硬朗的直线、柔美的曲线、顿挫的断线）来塑造形体和表现质感。 构图与透视基础： 介绍简单的构图原则，如三分法、黄金分割等，以及如何在速写中快速建立基本的透视关系，让画面更具空间感。 从观察到速写： 引导读者如何从现实生活中观察人物动态，并将其快速转化为速写。包括如何捕捉关键线条、省略不必要的细节，以及如何在有限的时间内抓住人物的神韵。 不同材质的速写练习： 提供一系列不同主题和场景的速写练习，涵盖日常生活、运动场景、奇幻冒险等，帮助读者在实践中巩固所学技法。 本书特色： 大量实用的范例： 全书配以丰富的手绘范例，涵盖各种姿势、表情和风格的动漫人物，帮助读者直观理解绘制方法。 循序渐进的教学体系： 从基础的造型结构到复杂的动态表现，层层递进，适合零基础和有一定基础的动漫爱好者。 强调“速”与“写”的结合： 聚焦于在短时间内捕捉人物的动态和神韵，培养读者快速反应和概括能力。 鼓励个性化创作： 在掌握基本技法的基础上，鼓励读者结合自己的理解和风格进行创作。 无论你是初涉动漫绘画的新手，还是希望提升速写能力的老手，这本书都将是你不可或缺的伙伴，助你轻松驾驭动漫人物的瞬间之美。

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说实话，我是一个对传统素描教程感到非常枯燥的人，那些厚厚的书本里充斥着石膏像和复杂的解剖图，往往在我翻开第三页时就已经昏昏欲睡。然而，这本《光影的魔术》完全颠覆了我的印象。它的视角非常独特，更像是艺术家的“手记”而非教科书。书中大量展示了大师们不同光照条件下的作品分析，重点在于分析“光”是如何塑造形态和情绪的。作者似乎有一双能穿透表象的眼睛，他能清晰地指出，为什么某一束光打在皮肤上会产生温暖的质感，而打在金属上会显得冰冷锐利。对我而言，这本书的价值不在于教我具体“怎么画”，而在于教我“如何思考光”。我开始尝试在自己的速写中加入对环境光的思考，哪怕只是简单的几笔阴影，作品的立体感和氛围感都有了质的飞跃。它鼓励我抛开死板的明暗灰阶划分，去感受光与影之间微妙的过渡和色彩倾向。如果你已经掌握了基本的造型能力，却想让作品注入灵魂，这本书提供了一个绝佳的思考框架，非常启发心智。

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这本《素描的奥秘》简直是为我这种半吊子美术爱好者量身定制的！我一直想把自己的涂鸦提升一个档次，但对着一张白纸就手足无措，尤其是对透视和光影的理解总是停留在理论层面。这本书最让我惊喜的是，它没有上来就抛出一堆复杂的几何学概念，而是用非常生活化的例子，比如一个简单的苹果或一个水杯，一步步拆解如何观察和捕捉物体的结构。作者的讲解极其细腻，对线条的运用有着独到的见解，教你如何用“有力量的线条”去描绘体积感，而不是简单地勾勒轮廓。我特别喜欢其中关于“动态捕捉”的那一章，它不是教你怎么画静态的物体，而是如何抓住事物的生命力，哪怕只是一个静物，也能通过线条的疾徐表现出内在的张力。这本书的排版也非常人性化，大量的实物对比图和步骤分解图，让初学者能立刻上手模仿。看完前三章，我感觉自己看世界的角度都变了，不再只是“看”，而是开始“解构”眼前的三维空间了。对于任何想从零开始建立扎实素描基础的人来说，这本书绝对是值得反复翻阅的工具书，它真的把“难懂”的素描知识，变得像聊天一样自然易懂。

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我退休后终于有大块时间可以发展一下年轻时未能实现的爱好——人文速写，记录城市生活中的人文场景。这本《街角的瞬间》给我打开了一扇全新的窗户。它完全不是教你怎么画“标准的人体”，而是教你如何快速、有效地捕捉人物在特定情境下的“神态”和“故事性”。书中关于“动态速写”的技巧非常实用，比如如何只用三笔线条就概括出一个奔跑者的姿态，或者如何通过手势来暗示人物的性格和情绪。我尤其喜欢其中关于“环境融入”的讨论，作者强调速写不是孤立地画人，而是要让人与他所处的咖啡馆、站台或市场背景融合在一起，让画面讲述一个完整的故事。这本书的风格非常轻松活泼，作者的笔触充满了烟火气和人情味，读起来一点压力都没有。它让我明白了，好的速写不一定追求完美还原，而是要抓住“那一瞬间”的灵魂。看完这本书，我立刻背起速写本走上街头，感觉自己终于能把那些稍纵即逝的生动画面留存下来了。

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我最近在尝试数字化创作，但发现传统的手绘思维在电脑上很难转化过来，尤其是在处理材质和笔触的模拟上总感觉隔了一层。这本《数字时代的绘画语言》恰好补足了我的短板。它不是简单介绍软件功能，而是深入探讨了如何在数位板上重现传统媒介的特性。比如，它详细对比了PS、Procreate等主流软件中，笔刷设置如何模拟铅笔的干涩感、炭笔的颗粒感乃至水彩的晕染效果。最让我受益的是关于“图层逻辑”的章节，作者将复杂的图层管理系统比喻为不同阶段的绘画过程，如何有效地利用剪贴蒙版和混合模式来模拟叠加和渗透的效果，让我在处理复杂场景时思路清晰了许多，效率也大大提高。这本书的案例都非常具有现代感，它没有老生常谈地去画静物，而是大量涉及概念设计和角色光影处理，非常贴合我目前的工作需求。对于习惯了传统工具，想平稳过渡到数码平台的创作者来说，这本书是极佳的桥梁，提供了从“工具操作”到“绘画思维”的全面升级。

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作为一名建筑设计专业的学生，我对透视和空间关系的理解有着近乎苛刻的要求。市面上很多绘画书对建筑的表达都流于表面，但《空间构筑的视觉逻辑》这本书简直是我的“救星”。它从严谨的几何学原理出发，毫不含糊地讲解了多点透视、空气透视以及复杂曲面在二维平面上的投影规律。作者的严谨性体现在每一个细节，比如如何准确计算消失点、如何处理高耸建筑的仰视或俯视角度带来的视觉畸变。更精彩的是，书中还穿插了大量艺术史上的建筑速写范例进行对比分析，比如卢浮宫的草图和柯布西耶的设计手稿，让冰冷的数学原理立刻拥有了艺术的温度和历史的厚重感。我用书中的方法练习绘制了我目前在做的毕业设计模型，发现结构清晰度、空间层次感都有了质的提升。对于需要高度精确的空间表达，并且厌倦了浮夸表现手法的同行来说，这本书的知识密度和实用性是无与伦比的。

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