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出版者:Alfred Publishing Company

作者:Jennifer Wilson

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005-05

价格:USD 17.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780739037416

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 作曲
• 少儿音乐
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• 青少年
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• 音乐基础
• 作曲技巧

《音乐创作初探：为年轻的音乐家们》 这本《音乐创作初探：为年轻的音乐家们》并非一本枯燥的理论手册，而是一本充满灵感与实践的指南，旨在点燃年轻心灵对音乐创作的热情，并为他们提供一个清晰、可行且充满乐趣的学习路径。我们深知，音乐创作，尤其是对于刚刚踏上这段奇妙旅程的年轻人们而言，可能显得既神秘又令人望而生畏。本书正是为了打破这种隔阂，将复杂的音乐创作过程分解为一系列易于理解、易于操作的步骤，鼓励学生们勇敢地迈出第一步，并在实践中不断成长。 本书的出发点，在于培养学生们的音乐独立思考能力和情感表达的自觉性。我们相信，每一个孩子内心都蕴藏着独特的旋律和节奏，而音乐创作正是释放这些内在声音的绝佳途径。通过本书，我们将引导年轻音乐家们从“听”到“写”，从模仿到创造，逐步建立起自己的音乐语言。 核心内容与学习路径： 本书的结构设计，遵循循序渐进的原则，确保学习过程既充实又不至于 overwhelming。 第一部分：倾听与感知 – 音乐的种子 聆听的艺术： 我们将从最基础的听觉训练开始。这不是简单地听音乐，而是学会如何“真正地”听。我们将引导读者分辨旋律的起伏、节奏的律动、和声的色彩，以及不同乐器带来的独特音色。通过对各种风格和乐器的初步接触，激发学生的好奇心，让他们认识到音乐世界的广阔与多样。 情感与音乐的连接： 音乐是情感的载体。本部分将帮助年轻音乐家们探索如何将内心的喜悦、忧伤、兴奋、宁静等情感转化为音乐的语言。我们会提供一些引导性的问题和活动，鼓励他们思考“这种感觉用什么样的旋律来表达会更贴切？”或“什么样的节奏能展现出奔跑的快乐？” 第二部分：旋律的魔法 – 音乐的骨架 音高与音程的初步认识： 我们会以最直观、最易懂的方式介绍音高和音程的概念，避免使用过于专业的术语。通过一些简单的歌唱练习和键盘上的尝试，让学生们初步感受不同音高组合带来的音乐效果。 创作简单的旋律： 这是本书的核心实践部分。我们将提供一系列启发性的“旋律生成器”，例如“故事的开端”、“小动物的脚步声”、“快乐的舞蹈”等主题，引导学生们根据这些情境创作属于自己的旋律片段。我们会强调，初期的旋律不求复杂，但求真实和富于表现力。 旋律的组织与发展： 学习如何将零散的旋律片段串联起来，形成一个有结构、有起伏的整体。我们将介绍一些基础的旋律组织技巧，如重复、变化、模仿等，帮助学生们理解如何让旋律更加生动有趣。 第三部分：节奏的脉搏 – 音乐的活力 拍子与节拍的探索： 节奏是音乐的生命线。我们将以敲击、踏步等身体力行的活动，让学生们深刻理解拍子和节拍的重要性。我们会介绍不同类型的节拍，并鼓励他们在实践中体会不同节拍带来的律动感。 创作节奏型： 学习如何创造出富有表现力的节奏型，它们可以模仿自然的声音，也可以表现出各种动作和情绪。本书将提供一些节奏练习，鼓励学生们为自己的旋律配上合适的节奏，或独立创作一些有趣的节奏小品。 节奏与旋律的配合： 理解节奏如何与旋律相互作用，共同构建音乐的整体感。我们将引导学生们尝试将创作的旋律与自己设计的节奏型结合起来，感受它们融合后的音乐效果。 第四部分：和声的色彩 – 音乐的深度 基础的和弦概念（非强制性）： 对于初学者，和弦可能显得比较复杂。本部分将以非常浅显的方式介绍和弦作为旋律的“衬托”和“支撑”，让学生们初步认识到和声可以为旋律增添色彩和饱满度。我们可能会提供一些非常基础的和弦进行作为示范，鼓励学生们尝试为自己的旋律添加简单的和声，但不会强求掌握复杂的和声理论。 音乐的情感色彩与和声： 探讨不同的和弦组合如何带来不同的情感体验，例如明亮的、忧伤的、紧张的等等。 第五部分：形式的构建 – 音乐的结构 简单的音乐结构： 介绍一些最基本的音乐结构形式，如二部曲式（A-B）、三部曲式（A-B-A）等。我们将通过分析熟悉的儿童歌曲或简单的乐曲片段，让学生们理解音乐的结构是如何组织起来的。 为作品赋予生命： 引导学生们思考如何将自己创作的旋律、节奏和初步的和声组织成一个完整、有起伏的音乐作品。我们会提供一些“小品创作”的框架，鼓励他们尝试用所学知识构建自己的短小音乐作品。 第六部分：乐器的选择与运用 – 音乐的载体 认识不同的乐器： 简单介绍不同类别的乐器（键盘、弦乐、管乐、打击乐等），以及它们各自独特的音色和表现力。 为音乐选择合适的乐器： 引导学生们思考，如果他们的音乐要用哪种乐器来演奏，会带来怎样的效果。即使是简单的旋律，选择不同的乐器也会呈现出截然不同的感觉。 第七部分：灵感的火花与创作的习惯 如何寻找灵感： 提供多种多样的灵感来源，包括日常生活中的声音、自然现象、故事、绘画、情绪等等。鼓励学生们保持对周围世界的敏锐观察。 记录与整理： 强调记录音乐想法的重要性，无论是用简谱、五线谱，还是录音，都要养成及时记录的习惯。 享受创作的过程： 鼓励学生们把创作当作一个有趣的游戏，允许失败，允许犯错，最重要的是享受从中获得的乐趣和成就感。 本书的特点： 强调实践与体验： 本书的核心不在于“知道”多少理论，而在于“做到”多少。大量的练习、活动和启发式问题，确保了学生们在阅读过程中就能动手实践。 鼓励个性化表达： 我们不提供标准答案，而是鼓励学生们去探索属于自己的音乐声音。每一个创作都是独一无二的。 循序渐进的学习曲线： 内容由浅入深，难度逐步递增，确保年轻音乐家们能够稳步前进，建立信心。 充满趣味性的引导： 我们使用生动形象的语言，将音乐创作的过程描绘得如同一次奇妙的冒险，激发学生们的主动性和创造力。 为未来创作打下坚实基础： 虽然本书侧重于基础，但它所传达的创作理念和方法，将为年轻音乐家们在未来更深入地学习音乐理论和创作技巧，打下坚实而灵活的根基。 《音乐创作初探：为年轻的音乐家们》不仅仅是一本书，它是一扇门，一扇通往音乐创作无限可能性的门。我们希望通过这本书，能够激发每一位年轻的心灵，让他们勇敢地拿起手中的笔（或敲击琴键），去谱写属于自己的音乐篇章，去感受创作带来的纯粹快乐与深刻满足。

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从排版和设计角度来看，这部作品的处理也体现了极高的专业素养和对读者的尊重。纸张的质感、墨水的清晰度都达到了出版界的上乘水准，这使得长时间的阅读也不会感到疲劳。然而，更值得称赞的是其对学习路径的精心规划——它不是将所有内容一股脑地堆砌在前面，而是采用了“螺旋上升”的教学模式。这意味着读者在第一遍接触某个概念时，得到的是一个基础的概述；而在后续章节中，同一个概念会以更复杂的形态和更深入的视角被重新提及和深化。这种设计极大地有利于知识的巩固和迁移。例如，在讲解完基础的赋格技巧后，作者会在后面的章节中，将其运用到更宏大的三声部写作实例中进行对比分析，让读者清晰地看到知识点的演变和升级。此外，书的附录部分也十分实用，它提供了一系列可供下载的音频示例，读者可以立即将书本上抽象的乐谱指示，转化为真实的听觉体验，这对于建立“听觉想象力”至关重要。总而言之，这是一本设计精良、内容扎实，并真正关心读者学习体验的杰出教材。

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这本书在探讨音乐的情感表达和叙事潜力方面，展现了超乎寻常的深度和细腻。它不仅仅是教你如何把音符拼凑在一起，而是深入挖掘了声音如何与人类情感产生共鸣的内在机制。作者花费了大量篇幅来分析不同调性、不同的节奏型是如何在听众心中唤起特定的情绪反应的，这部分内容对希望创作具有感染力的音乐的读者来说，无疑是醍醐灌顶。书中通过对一些经典管弦乐片段的“拆解”，详细说明了作曲家是如何通过音高变化、速度的微调，乃至乐器的音色选择，来构建一个完整的情感弧线的。例如，对于如何表现“紧张的期待”或“瞬间的释然”，书中的示范分析得极其精妙，它揭示了音乐中“留白”的力量，以及非传统的和声解决所带来的戏剧张力。这种对“声音叙事”的强调，让我开始重新审视自己过去的作品，意识到原来仅仅技巧的堆砌是远远不够的，真正打动人心的音乐，必须是有灵魂、有故事的。这本书无疑为我打开了一扇通往更深层次音乐理解的大门。

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拿到这本书时，我本以为会是一本又厚又重的理论参考书，但实际体验却远超预期，它更像是一本兼具实用性和启发性的“工具箱”。它的可操作性极强，尤其是在涉及配器法的部分，作者没有停留在笼统的介绍上，而是针对管弦乐队中几类主要的乐器组——比如木管、铜管、弦乐——进行了详尽的音域分析和音色特点剖析。最让我眼前一亮的是，书中提供了大量关于“如何避免乐器听起来浑浊”的实用技巧，这些都是教科书上常常忽略的实战经验。例如，作者会具体指出在某个音区，如果让长笛和单簧管同时演奏，应该如何调整力度和平衡，以确保各自的音色都能清晰地穿透出来。这种细致入微的指导，对于那些希望将自己作品实际演奏出来的年轻作曲家来说，价值无可估量。此外，书中还穿插了一些关于小型合奏（如四重奏或五重奏）的写作范例分析，这些范例不仅仅展示了和声的运用，更重要的是解析了声部间的互动与对话，教导读者如何让每个声部都发挥其独特的叙事功能。这本书真正做到了理论与实践的无缝对接，让我在阅读的同时，脑海中已经开始构思如何为我已有的旋律添加更具层次感的织体。

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这部作品的结构安排简直是为初学者量身定做的，它的逻辑推演严密而又充满引导性，仿佛有一位经验丰富、极富耐心的老师手把手地领着你走进音乐创作的殿堂。首先，它并没有直接抛出复杂的理论，而是从最基础的音高、节奏概念入手，用非常直观的例子解释了音乐语言的“字母表”。我特别欣赏作者在讲解和声进行时所采取的渐进式方法，从最简单的三和弦连接开始，逐步引入七和弦和更丰富的功能和声。每完成一个小节的学习，都会紧跟着一个精心设计的练习，这些练习并非机械的重复，而是巧妙地鼓励读者去尝试自己的旋律片段，这种即时反馈机制极大地增强了学习的主动性。阅读过程中，我能清晰地感受到作者对音乐教育的深刻理解，他们明白对于年轻一代来说，枯燥的教条是最大的障碍，因此，书中大量的图表和插图都致力于将抽象的概念形象化，比如用色彩或形状来比喻不同调性的情绪色彩。尽管内容详实，但排版却出奇地清爽，重点突出，使得即使是像我这样初次接触系统作曲训练的人，也能毫无压力地跟上节奏，逐步建立起自己的音乐“语法”。我感觉自己不再是单纯地模仿范例，而是真正开始理解“为什么”这样写会产生特定的听觉效果。

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这部作品的语言风格可以说是独树一帜，它完全摒弃了传统音乐教材那种刻板、高高在上的学术腔调，转而采用了一种非常接地气、甚至带有一点幽默感的叙事方式。阅读它时，与其说是在学习，不如说是在与一位风趣健谈的导师进行私密交流。作者擅长用生活化的比喻来解释复杂的音乐原理，比如将复调写作比作一场精心编排的“团队合作”，强调不同旋律线之间的互相配合与独立性，而不是简单的上下叠加。这种亲切感极大地消除了初学者面对“严肃音乐”时的畏惧心理。更妙的是，作者似乎对年轻人的思维模式有着精准的把握，书中对一些现代音乐元素的引入也处理得非常自然流畅，它并没有强迫读者去接受前卫的概念，而是巧妙地将它们融入到传统框架的延伸中，展现了音乐语言的无限可能性。读完关于曲式结构的章节后，我感觉自己对经典的奏鸣曲式不再感到遥远和神秘，反而有了一种可以“改造”和“实验”的冲动。这种鼓励探索而非墨守成规的态度，是这本书最宝贵的精神财富。

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