A History of Opera pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Opera Classics Library

作者:Burton D. Fisher

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-08-01

价格:USD 49.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781930841819

丛书系列:

图书标签:

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• Opera
• 歌剧
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第一乐章：歌剧的曙光——从蒙特威尔第到巴洛克盛世 这部著作将引领读者穿越时空，踏上一段辉煌的歌剧艺术之旅。我们将从歌剧的诞生地——16世纪末的佛罗伦萨开始，追溯其作为一种全新戏剧形式的萌芽。您将了解到，最初的歌剧并非如今我们所熟知的宏大场面，而是艺术家们尝试将音乐与戏剧、诗歌融为一体，以期重现古希腊悲剧的动人力量。 我们将深入探讨克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）这位歌剧史上的关键人物。他的《奥菲欧》（L'Orfeo）被誉为第一部真正意义上的歌剧杰作，它如何突破了早期歌剧的局限，引入了更丰富的音乐织体和更具表现力的旋律，将我们娓娓道来。接续其后，我们将聚焦于巴洛克时期歌剧的繁荣景象。您将认识到，在这个时代，歌剧逐渐走向成熟，发展出了炫技性的咏叹调（aria）、戏剧性的宣叙调（recitative），以及精巧的二重唱、三重唱等。 本书将不遗余力地介绍意大利、法国、德国等欧洲各国在巴洛克时期歌剧发展中的独特贡献。在意大利，我们见证了像普赛尔（Henry Purcell）这样的大师如何将歌剧的艺术魅力推向新的高度，他的作品以其深刻的情感刻画和精湛的音乐技巧著称。在法国，吕利（Jean-Baptiste Lully）则将歌剧与宫廷的奢华典雅相结合，创造出独具法国风格的“悲剧-抒情歌剧”（Tragédie en musique）。而在德国，虽然起步较晚，但也涌现出了如史特劳斯（Richard Strauss）等对歌剧艺术有着深远影响的作曲家。 第二乐章：古典主义的理性与浪漫主义的激情——莫扎特、贝多芬与威尔第的时代 进入18世纪，歌剧艺术迎来了古典主义的理性光辉。沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）无疑是这一时期的璀璨巨星。他的歌剧，如《费加罗的婚礼》（Le nozze di Figaro）、《唐·乔望尼》（Don Giovanni）和《魔笛》（Die Zauberflöte），将音乐的优美、戏剧的深刻与人物的立体感完美融合。您将深入剖析莫扎特如何通过细腻的旋律、精准的配器和富有洞察力的人物塑造，将歌剧提升到一个全新的艺术境界。 随着时代的变迁，浪漫主义的思潮席卷欧洲，歌剧艺术也随之注入了澎湃的激情与浓烈的情感。这部著作将带领您走进19世纪，这个孕育出无数歌剧不朽经典的时代。我们不能不提及朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi），这位被誉为“意大利歌剧之父”的巨匠。他的作品，如《弄臣》（Rigoletto）、《茶花女》（La Traviata）和《阿依达》（Aida），以其强烈的戏剧冲突、动人心魄的旋律和对意大利民族精神的深刻表达，赢得了全世界的喜爱。您将了解威尔第如何在音乐中刻画人物复杂的情感，如何通过宏大的合唱场面营造出震撼人心的力量。 与此同时，德国浪漫主义歌剧的巨擘理查德·瓦格纳（Richard Wagner）也将占据重要的篇幅。瓦格纳以其“乐剧”（Musikdrama）的理念，试图打破传统歌剧的界限，将音乐、诗歌、戏剧、绘画甚至哲学融为一体。他的宏大叙事、创新的和声语言以及对“总体艺术”（Gesamtkunstwerk）的追求，对后世歌剧的发展产生了不可估量的影响。本书将详细解析瓦格纳的代表作，如《尼伯龙根的指环》（Der Ring des Nibelungen）系列、《特里斯坦与伊索尔德》（Tristan und Isolde）等，揭示其音乐语言的革命性意义。 第三乐章：20世纪的创新与多元——从德彪西到当代歌剧 进入20世纪，歌剧艺术在继承传统的同时，也面临着前所未有的挑战与革新。印象派的色彩大师克劳德·德彪西（Claude Debussy）的《佩利亚斯与梅丽桑德》（Pelléas et Mélisande）标志着一种全新的歌剧美学的诞生，它以其模糊的旋律、朦胧的色彩和对心理描写的侧重，开启了对传统歌剧音乐语言的深刻反思。 本书将深入探讨20世纪歌剧发展的多元化趋势。您将了解到，在这个世纪，歌剧的题材、音乐风格和表现手法都发生了翻天覆地的变化。斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的《俄狄浦斯王》（Oedipus Rex）和《浪荡子的历程》（The Rake's Progress）展现了他对不同音乐风格的驾驭能力，以及他对戏剧性的独特理解。而普契尼（Giacomo Puccini）则以其浓郁的东方情调和极具感染力的旋律，创作了《蝴蝶夫人》（Madama Butterfly）和《图兰朵》（Turandot）等经典作品，它们至今仍是世界各地歌剧院的常演剧目。 除了欧洲的歌剧发展，本书也将触及20世纪非西方文化背景下歌剧的兴起与演变。您将看到，歌剧艺术逐渐走向全球化，不同文化背景下的作曲家们，如中国的郭文景、谭盾等，也在用自己的语言和视角，创作出具有时代精神的歌剧作品。 最后，本书将展望当代歌剧的最新发展趋势。我们将探讨当代歌剧在题材选择上的拓展，例如关注社会现实、科技发展、性别议题等，以及音乐语言的更多元化和实验性。从电子音乐在歌剧中的运用，到多媒体技术的融入，当代歌剧正以其不断创新的姿态，吸引着新一代的观众。 这部著作旨在为读者提供一个全面、深入且引人入胜的歌剧艺术史画卷。它不仅仅是对历史事件和作品的简单罗列，更是对歌剧艺术如何随时代变迁而发展，如何承载人类情感与思想，如何在不同文化背景下绽放独特魅力的深刻探索。希望通过本书的阅读，您能更深刻地理解歌剧作为一种综合艺术形式的魅力，并从中获得美的享受与思想的启迪。

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这部鸿篇巨制，简直就是一场穿越时空的音乐盛宴，作者的笔触细腻而富有洞察力，将歌剧从其巴洛克时代的朦胧起源，一步步勾勒到浪漫主义的波澜壮阔，再到二十世纪的先锋探索。我尤其欣赏作者对不同时期歌剧院社会背景的深入剖析，他不仅仅是在罗列作品和作曲家，更是在讲述歌剧如何作为时代精神的镜子，映照出社会阶层的变迁、政治的暗流涌动以及美学思潮的剧烈碰撞。比如，书中对于十八世纪那不勒斯歌剧“正歌剧”的结构化和程式化如何引发了对“改革歌剧”的呼唤，那一段的论述，简直是教科书级别的精彩。作者没有回避那些复杂的音乐学术语，而是用一种近乎诗意的语言将其解释清楚，让即便是初涉歌剧领域的读者也能窥见其中精妙的建筑美感。读完后，我发现自己对莫扎特或威尔第的许多作品有了全新的理解，不再仅仅停留在旋律的悦耳，而是能听到背后那股推动历史前行的强大文化力量。这种将艺术史与社会史紧密编织的叙事方式，使得整本书读起来毫无枯燥之感，每一次翻页都像是揭开一个关于人类情感表达的全新谜团。

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这本书的语言风格，仿佛是一位经验丰富的剧院老行家，带着一种沉淀后的、洞悉一切的睿智与坦诚，与读者进行深度对话。他并没有对那些被神化的作曲家进行无休止的歌颂，而是敢于直面艺术史中那些不那么光彩的面向——比如早期歌剧对情节的粗暴简化、或者某些被后世推崇的唱段实际上是迎合当时贵族审美的“媚俗之作”。这种批判性的审视，使得全书的论述显得格外坚实可信，充满了历史的厚重感。我特别喜欢书中对十九世纪“贝尔坎托”风格的精妙总结，作者将其描述为一种“对人类声带潜能的极致几何学探索”，这种极富画面感的比喻，让我对多尼采蒂和贝利尼的艺术目标有了醍醐灌顶般的理解。总而言之，这本书不是让你听得更清楚，而是让你看得更明白，它将歌剧从一个纯粹的听觉艺术，升华为一个涵盖了哲学、社会学、美学和历史学的复杂文本。

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我必须承认，在阅读过程中，我不得不时常停下来，去查阅那些不熟悉的早先歌剧的名字和历史背景，但这恰恰是这本书的价值所在——它为你打开了一扇通往完整历史图景的大门。作者的学术积累毋庸置疑，但更难能可贵的是，他懂得如何用一种引人入胜的散文笔调来呈现这些复杂的信息。例如，关于早期罗马歌剧院的赞助体系和教皇制度的微妙关系，作者寥寥数语便勾勒出了权力和艺术之间那种错综复杂、相互依存的“共生关系”。这本书的结构处理得非常高明，它不是简单的时间轴推进，而是围绕着几个核心的“戏剧性冲突点”展开论述，比如“咏叹调与宣叙调的争论”、“德语歌剧的民族主义诉求”等。这种主题式的章节划分，使得即便是跨越百年的对比也显得逻辑清晰、水到渠成。对于希望深入了解歌剧历史脉络的严肃爱好者而言，这本书简直是不可替代的基石。

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说实话，我原本以为这会是一本堆砌了大量专业术语和枯燥年代信息的工具书，但事实证明，我的担忧完全是多余的。这本书的叙事节奏掌控得极佳，它有着小说般的张力，尤其是在描绘那些富有传奇色彩的歌剧人物——那些天赋异禀却又命运多舛的作曲家、那些以生命为代价去演绎角色的歌唱家们——作者的笔锋充满了人性的温度。我仿佛能闻到十九世纪米兰斯卡拉歌剧院后台的汗水和香水味，感受到瓦格纳在拜罗伊特节日剧院理想主义火焰中的挣扎。书中对于“次文本”（subtext）的挖掘令人称奇，例如，它探讨了歌剧中的“英雄式死亡”如何迎合了特定历史时期对崇高牺牲的集体渴望。作者的语言风格带着一种成熟的、略显疏离的学术幽默感，让你在感到被知识充盈的同时，又不会被过度严肃的学术腔调压垮。全书的论证结构如同精密的乐章布局，层次分明，逻辑严密，每一次观点的跳转都伴随着恰到好处的案例佐证，让人信服力十足。

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这本书最让我震撼的地方，在于它对“声音”和“视觉”之间永恒张力的探讨。作者没有陷入传统歌剧评论中那种单纯对唱段好坏的评判，而是将歌剧视为一种跨媒介艺术形式的先驱。他详尽地分析了舞台布景、服装设计是如何与声乐技巧和角色心理状态相互作用、互相定义的。书中对十八世纪对“戏剧情境的真实性”的追求，如何从狄德罗的哲学影响中汲取营养，并最终如何塑造了威尔第后期作品中那种近乎电影化的镜头感，这段分析简直是洞见。我感觉作者的视野极其开阔，他能够轻松地在意大利美声传统与德奥“整体艺术作品”的理念之间进行穿梭对比，而不会让读者迷失方向。这种多维度的解析方法，极大地提升了我对歌剧艺术价值的认识——它不只是声乐的展示，更是人类集体想象力的剧场。读完这一部分，我立刻去重温了以前看过的几部歌剧录像，发现以往忽略了太多舞台上的细微暗示。

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