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出版者:Distributed Art Pub Inc (Dap)

作者:Pierre Soulages

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1994-02

价格:USD 60.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9783893221288

丛书系列:

图书标签:

• 抽象艺术
• 现代艺术
• 法国艺术
• 油画
• 黑色
• 材质
• 纹理
• Pierre Soulages
• 20世纪艺术
• 艺术史

《Soulages》一书，并非一部探讨具体人物生平或事件的传记，而是一次对“灵魂”这一概念本身进行深度挖掘和多维度审视的艺术探索。它邀请读者踏上一段跨越哲学、心理学、文化及历史维度的旅程，试图厘清“灵魂”在我们生命中的位置，理解其复杂性，并反思它如何塑造我们的存在。 本书并非提供一套僵化的定义，而是通过一系列精心编织的论述和引人入胜的案例，展现“灵魂”的多重面貌。作者并未将灵魂视为一个独立的、抽象的实体，而是将其置于人类经验的中心，探讨它如何与我们的情感、思想、意识、记忆、欲望乃至身体相互作用。它关注的是灵魂在个体生命中的涌动，是那些难以言喻的内心体验，是构成我们独特性和深层意义的无形力量。 从哲学角度，《Soulages》深入探究了古往今来哲学家们关于灵魂的思考。它回溯了柏拉图的理念论，亚里士多德的生命力概念，以及笛卡尔的身心二元论，并进而审视了存在主义对个体自由选择和生命意义的强调，以及现象学对意识和主观经验的精妙分析。本书并非照搬教条，而是通过对话式的笔触，呈现这些思想如何影响我们对自我和世界的理解，以及它们在当代语境下依然具有的生命力。它促使读者反思：我们所谓的“自我”，究竟由何构成？是肉体的集合，还是超越物质的存在？ 在心理学的视野下，本书探讨了灵魂与意识、潜意识、情感和创伤的关联。它审视了弗洛伊德的精神分析理论，荣格的集体无意识和原型概念，以及人本主义心理学对自我实现和个人成长的关注。通过对这些理论的解读，本书描绘了一个更丰富、更具层次的内心世界，揭示了隐藏在行为和思想之下的深刻动力。它暗示，灵魂的健康与否，往往与我们如何处理内心的冲突、整合创伤、以及实现内在的和谐息息相关。 文化维度是《Soulages》不可或缺的一部分。本书考察了不同文化中关于灵魂的信仰和表达方式，从古埃及的来世观念，到印度教的轮回转世，再到各种宗教和神话传说中对灵魂不朽的描绘。它着重分析了艺术、文学、音乐和仪式如何成为人类表达和沟通灵魂体验的重要载体。通过对这些文化现象的剖析，本书展现了“灵魂”的普遍性需求，以及人类在不同文明中对超越性的永恒追求。它提醒我们，对灵魂的思考并非现代的产物，而是根植于人类文明的深层土壤。 历史的维度则为理解灵魂的演变提供了背景。本书审视了科学革命对宗教和形而上学思想的挑战，以及现代社会对个体主义和物质主义的推崇，这些如何改变了人们对灵魂的看法。它探讨了在科技飞速发展的今天，我们是否正在失去与内心深处的连接，以及如何在这种环境下重新发现和滋养我们的灵魂。 《Soulages》并非一本提供简单答案的教科书，而更像是一场邀请性质的对话。它鼓励读者积极参与，通过自我反思、冥想、艺术创作、与他人深度交流等方式，去探索属于自己的“灵魂”空间。它强调，对灵魂的理解是一个持续的、动态的过程，没有终点，只有不断的发现和成长。 这本书的语言风格旨在既有学术的严谨，又不失文学的感染力。作者巧妙地运用譬喻、隐喻和富有洞察力的观察，将抽象的概念转化为可感知的体验。它避免了冷冰冰的理论堆砌，而是用一种充满智慧和关怀的语调，引导读者进行深刻的自我审视。 总而言之，《Soulages》是一次对人类存在本质的深刻追问，一次对内在世界的诗意描摹。它不是关于一个具体“Soulages”的故事，而是关于每一个“Soulages”——每一个拥有独特灵魂的个体——的普遍探索。它是一面镜子，映照出我们内心的光谱；它是一盏灯，照亮我们通往更深层自我和更丰富生命的道路。这本书，将邀请你踏上一段属于你自己的，独一无二的灵魂之旅。

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我是一个对艺术史脉络比较敏感的读者，而这本画册在梳理苏拉日与战后欧洲抽象表现主义，特别是美国行动绘画（Action Painting）之间的微妙张力时，做得尤为出色。它没有将苏拉日简单地归类，而是通过一系列对比性的插图和专家评论，清晰地展示了他如何在继承了某种动态创作理念的同时，彻底转向了对“光影”和“时间性”的纯粹哲学探讨。书中有一组对比图，将他早期的、带有明显笔触的作品与他巅峰时期的“刮痕”（Outrenoir）系列放在一起，这种并置的冲击力是巨大的。它揭示了一种艺术上的“减法革命”：是如何通过不断剥离可见的色彩，来揭示隐藏在最深层结构的真实可见性。这本书的编辑似乎非常明白，对于苏拉日这种级别的艺术家，关键不在于他“画了什么”，而在于他“如何让事物显现”或“如何让它们消隐”。书中对于他工作室日常光线变化的记录，也侧面烘托了这种对环境敏感度的极致追求，让人读起来总有一种身临其境、甚至有点肃穆的感觉。

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读完这本关于苏拉日的画册，我的第一感受是，它提供了一个绝佳的、非线性的艺术对话入口。它没有采取那种教科书式的、平铺直叙的传记叙事结构，反而更像是一本精心策划的“意象集锦”。书中收录的那些关于他在不同时期所使用的工具——从他自制的刮刀到那些用来制造特定纹理的奇特装置——的特写照片，比任何文字描述都来得有力。这些物件本身就带有强烈的仪式感，它们是通往他那“黑暗维度”的钥匙。特别让我印象深刻的是那些不同尺寸作品的并置展示，同样的“黑色”，在面对画布的几何边界时，所产生的心理效应是截然不同的。小幅作品像是一个私密的窗洞，邀请你窥探；而那些占据了两整页的巨作，则像是宇宙的黑洞，具有无可抗拒的引力。这本书的文字部分，虽然不多，但其选择的引用和评论都极具洞察力，它们像是漂浮在黑色海洋上的微弱灯塔，为你指出理解方向，但绝不替你做出最终判断。它尊重读者的主动性，鼓励你在面对这些作品时，建立起一种完全属于自己的、感官上的共鸣，而不是被动接受既定的“苏拉日哲学”。

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这本关于皮埃尔·苏拉日的画册，简直就是一本视觉的盛宴，光是翻阅它，就仿佛置身于他那片深邃、几乎要吞噬一切的“黑色宇宙”之中。我必须承认，起初我对那种近乎单色的表达方式是持保留态度的，毕竟在这个充斥着斑斓色彩的时代，沉浸在这样一种近乎冥想的、只有光与影、以及那无数层叠的材料质感构成的世界里，需要一种特定的心境。然而，这本书的排版和印刷质量达到了一个令人惊叹的高度。每一幅作品的细节，那些颜料被刮擦、堆叠、又被抹去留下的痕迹，都以一种近乎三维的方式呈现出来。你几乎能感受到画刀划过画布时那种粗砺的摩擦感，以及那些光线是如何挣扎着，从深黑的“不在场”中艰难地探出头来。它不仅仅是记录了苏拉日的创作历程，更像是一份关于“物质性”与“非物质性”之间辩证关系的深度解读。读着附带的那些关于他在罗德兹和巴黎的工作室环境的描述，我开始理解那种对“无色”的执着，那不是缺乏色彩，而是色彩被浓缩到了极致，变成了一种比任何亮色都更具穿透力的存在。这本书的编辑显然深谙如何引导读者进入这种深层体验，从早期的炭笔练习到后期的巨幅油画，时间的推移带来的质感变化被处理得极为微妙，让人不得不停下来，让眼睛在那些黑色的漩涡中迷失片刻。

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老实说，这本书的价值远超一本普通的艺术家作品集。它更像是一份深入到艺术家内心世界的“地图集”，只不过地图上的所有标记都是由黑色构成的。我特别欣赏书中对于苏拉日“Outrenoir”（超越黑色）概念的细致梳理，它不仅仅是色彩理论上的讨论，更渗透着一种对存在主义哲学和现象学思考的深刻融入。书中引用的那些访谈片段，常常是他对“观看行为”本身的审视，他似乎在问：我们真的在看吗？我们眼睛里捕捉到的，究竟是光本身，还是光在黑暗中留下的记忆？这本书的摄影师功不可没，他们对光线的捕捉达到了近乎科学测量的精确度，使得那些在展厅里可能因角度不同而略显模糊的层次感，在这本书的铜版纸上得到了完美的“定格”。每一次翻阅，我都会注意到一些前次忽略的细节，也许是一条细如发丝的刮痕，也许是颜料堆积处反射出的微弱的蓝光。这使得这本书成为一个活的阅读对象，它需要你投入时间，用你自己的光线去激活它所承载的视觉信息。

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这本书的装帧设计本身就是一件艺术品，它巧妙地呼应了苏拉日对物质性的强调。我注意到封面材质的选择，有一种微妙的、几乎无法捕捉的粗粝感，这让人在触摸书本时，就已经开始预热对画作中那些厚重肌理的期待。在内容组织上，它采取了一种非线性的、近乎诗歌的节奏感。章节的划分并非严格按照年代，而是围绕几个核心主题展开，比如“时间的痕迹”、“光线的捕获”以及“材料的沉默”。这种结构安排，使得读者在翻阅过程中，体验到一种不断循环和回溯的审美过程，这与苏拉日艺术中那种永恒的、循环往复的视觉体验是高度契合的。书中收录的一些评论，不再是传统的艺术批评腔调，而是更像是文学散文，细腻地描述了面对苏拉日作品时，情绪是如何被拉伸、扭曲，最终归于一种近乎“观看的寂静”。对于初次接触苏拉日的读者来说，这本书可能略显“深奥”，因为它不提供简单的答案，但对于那些寻求深层审美体验的人来说，它提供了一个极具挑战性但也无比丰饶的文本空间。

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