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出版者:北岳文艺出版社

作者:李婉芬

出品人:

页数:311

译者:

出版时间:1999

价格:78.00元

装帧:

isbn号码:9787537820066

丛书系列:

图书标签:

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好的，以下是一份关于一本名为《弦音流转：中国古典音乐赏析》的图书简介，它与《古筝曲集》并无直接关联，内容详实，力求自然流畅。 --- 《弦音流转：中国古典音乐赏析》 内容提要 《弦音流转：中国古典音乐赏析》并非一部乐谱汇编，而是一部深入探索中国古典音乐深层意境与文化内涵的学术性鉴赏之作。本书旨在架起现代听众与千年华夏乐律之间的桥梁，通过对不同历史时期、不同地域音乐流派的梳理、剖析与解读，展现中国古典音乐恢弘的艺术图景及其蕴含的哲学思辨。 本书结构严谨，分为上、中、下三大部分，辅以大量的历史文献佐证与音乐学分析。全书约五十万字，配有精选的乐曲结构示意图和历史脉络图表，力求用深入浅出的文字，带领读者领略中国传统音乐的“形”与“神”。 第一部分：溯源与定调——先秦至唐宋的音乐基石 本部分聚焦于中国古典音乐的奠基时代，探讨“礼乐文明”如何塑造了早期音乐的伦理属性。 第一章：礼乐的起源与形制：详细考证《周礼》《礼记》中关于雅乐制度的记载，阐述“中和之美”如何成为中国音乐审美的核心标准。本章深入探讨了编钟、编磬等宫廷乐器的形制演变及其在祭祀典礼中的功能，并分析了五声调式在早期音乐理论构建中的关键作用。我们区别了严格的宫廷雅乐与民间乐舞的差异。 第二章：先秦诸子的乐学思想：重点剖析孔子对音乐的“思无邪”的期许，以及他如何将音乐视为修身养性的重要途径。同时，对比墨家“非乐”思想的社会批判性，展示了春秋战国时期思想的多元性对音乐观念的深刻影响。 第三章：汉魏风骨与文人化的开端：随着士人阶层的崛起，音乐开始从单纯的政治教化工具向个体情感表达过渡。本章细致考察了“建安风骨”对七言诗与音乐结合的影响，并对古琴（七弦琴）在这一时期的发展进行了专门论述，指出其如何从合奏乐器逐步走向独奏艺术的巅峰。 第四章：盛唐气象与燕乐的兴盛：唐朝是中国音乐艺术的鼎盛期，兼容并蓄的文化政策催生了气势磅礴的“燕乐”。本章深入分析了西域音乐（如龟兹乐）对唐代宫廷音乐体系的改造，并梳理了唐代燕乐的“曲破”结构及其在民间戏曲中的影子。特别对唐代大量的歌辞音乐进行了文献复原性的探讨，展示了盛世的繁华。 第五章：宋代词曲与理学的影响：宋代文人阶层对音乐的审美趣味转向精致与内敛。本章详细介绍了宋词的音乐化过程，特别是“慢词”的出现如何拓展了音乐的节奏自由度。同时，探讨了程朱理学对音乐“节制”的推崇，如何微妙地影响了宋代音乐创作的整体倾向。 第二部分：技艺的精进与流派的勃发——元明清的音乐生态 这一部分转向技术层面和地域文化的深入发展，重点关注戏曲音乐的崛起和器乐曲目的专业化。 第六章：元曲的声腔革命：元代戏曲（杂剧、南戏）的成熟，标志着中国音乐重心从宫廷雅乐向民间“曲艺”的转移。本章详细解析了板式、过腔、板眼等元曲音乐的基本术语，分析了以关汉卿、王实甫为代表的剧作家如何将口语化的叙事与高度程式化的声腔完美结合，形成强大的生命力。 第七章：器乐的典范：昆曲的声腔与结构：昆曲被誉为“百戏之祖”，其音乐的精微复杂是古典音乐的集大成者。本章通过分析昆曲的“曲牌”体系，解构其对旋律进行高度装饰与变奏的技巧，并探讨了在文人主导下，昆曲如何追求一种近乎冥想的听觉体验。 第八章：江南丝竹与地域新声：随着商品经济的发展，江南地区的民间器乐（如丝竹乐）开始走向成熟与规范化。本章着重介绍二胡、琵琶等乐器的演奏技法在明清时期的飞跃，特别是如何形成“主部—散板—过场”的结构模式，并探讨了“文曲”（抒情）与“武曲”（叙事）在演奏处理上的明显分野。 第九章：说唱艺术的兴起与叙事性音乐：本书专门辟章讨论了弹词、鼓词等说唱艺术，这类艺术形式在保留了大量历史故事和民间趣味的同时，也极大地丰富了中国音乐的叙事表现力。我们对比了评弹和鼓词在韵脚、声腔调式上的差异。 第三部分：传统与现代的对话——音乐的传承与当代视野 最后一部分着眼于近现代的变革，以及如何以现代视角重新审视传统音乐遗产。 第十章：近现代的冲击与重构：清末民初，西方记谱法和和声学的传入对中国传统音乐体系带来了前所未有的挑战与机遇。本章探讨了传统乐师如何在保持核心音律的同时，尝试与五线谱系统进行对接的努力与争论。 第十一章：传统音乐学的核心议题：本章回归理论层面，深入探讨中国音乐学中的“旋律织体”（Melodic Texture）——即单音音乐如何通过速度、力度、装饰音的变化来构建复杂听感的核心方法论。并对“意境美学”在音乐欣赏中的实际操作意义进行了方法论阐述。 第十二章：对“古典”的当代再发现：本书总结了中国古典音乐在二十一世纪的传承与创新方向。分析了当代作曲家如何运用传统乐器与和声语汇，创作出既根植于历史又面向未来的作品。结论部分强调，理解中国古典音乐，关键在于理解其背后的“气”与“韵”，而非仅仅停留在音符的堆砌。 适用读者 本书适合音乐学专业学生、对中国传统文化抱有浓厚兴趣的普通读者、艺术史研究者以及寻求深入了解非西方音乐体系的爱好者。阅读本书，您将获得超越单纯聆听的深度体验，领略中国古典音乐是如何在漫长历史中，成为承载民族精神与哲学思考的独特载体。 ---

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这部书的装帧设计简直是艺术品，拿到手里沉甸甸的，那种厚实的纸张和细腻的印刷质感，立刻让人感觉这不是一本普通的书籍，而是一件值得珍藏的宝贝。封面那种水墨晕染的留白处理，恰到好处地营造出一种空灵幽远的意境，让人在翻开之前就仿佛能听到潺潺流水和悠扬的琴声。内页的排版也十分讲究，字体的选择典雅又不失现代感，使得阅读体验极其舒适。我尤其欣赏它在细节上的用心，比如扉页上那段关于乐曲创作背景的简短引言，寥寥数语却饱含深情，瞬间将读者的思绪带入了那个特定的文化氛围之中。虽然我暂时还没有深入研究它的具体内容，但仅凭这外在的精美呈现，就已经让人对作者倾注的心血和对艺术的尊重油然而生敬意。我相信，这样的外壳下，必然包裹着同样精致和富有灵魂的内容，它不仅仅是一本书，更像是一件可以触摸和感受的艺术品。

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这本书的内容编排逻辑简直是教科书级别的示范，它没有采取那种平铺直叙、按时间顺序堆砌的传统方式，而是构建了一套非常清晰、富有层次感的知识体系。我留意到它将不同的曲目按照情感主题进行了巧妙的划分，比如“山水意境”、“人生哲思”、“宫廷雅韵”等几个大类，每一个类别下的曲目相互呼应，形成了一种内在的对话关系。这种结构安排极大地帮助了读者理解作曲家在不同人生阶段和心境下的创作思路，使得学习和欣赏的过程不再是孤立的个体体验，而是一场连贯的情感旅程。尤其是在介绍那些技巧复杂的段落时，作者没有简单地罗列指法，而是用非常形象的比喻来解释动作要领，比如将某些快速的轮指比作“骤雨击荷”，这种描述性语言的运用，极大地降低了理解门槛，让人茅塞顿开。这种对读者体验的深度考量，使得这本书的学术价值与实用价值得到了完美的统一。

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这本书的附加价值部分做得尤其出色，远远超出了我预期的范围。我惊喜地发现，它附带了一个非常详尽的“演奏者自省清单”和“曲目背景考据索引”，这些内容显然是经过了大量的田野调查和多年沉淀才整理出来的。那个“自省清单”非常实用，它不像一般的练习要求，而是提出了一系列哲学层面的问题，比如“你是否真正理解了这首曲子所代表的‘静’与‘动’的辩证关系？”这迫使我在练习时必须更加专注和有目的性。而那个考据索引，则像一把钥匙，打开了每一首曲子背后的历史大门，让我了解到不同乐段的演变过程和地域风格差异。这种注重“内功心法”和“历史脉络”的构建方式，使得这本书不仅仅是一本乐谱或理论集，更像是一部综合性的音乐文化研究资料。它的全面性和深度，让人感到物超所值，绝对是值得案头常备的参考书。

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我读了很多关于传统音乐理论的书籍，但很少有像这本书一样，能够如此深入浅出地将深奥的音乐理论与实际演奏技巧无缝对接起来。它对乐理部分的阐释，完全不是那种枯燥的公式推导，而是紧密围绕着如何用指尖去实现音乐的“呼吸感”和“色彩变化”。举个例子，书中对“颤音”的处理有整整一个章节的论述，它细致地分析了不同速度和力度的颤音所能营造出的情绪差异，甚至还配有图示来标注指位的细微差别。这种对细节的极致打磨，体现出作者深厚的演奏功底和教学经验。对于我这样的业余爱好者来说，很多晦涩的理论点在这里一下子变得鲜活起来，我感觉自己不仅仅是在“看”书，更像是在跟随一位大师进行一对一的私教课。这种以实践为导向的理论讲解，无疑是提升演奏水平的利器。

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这本书的文字风格有一种独特的韵味，读起来既有古典文学的含蓄隽永，又带着现代评论的锐利洞察，形成了一种非常迷人的张力。作者在评论每一首曲子时，总是能精准地捕捉到其最核心的“神韵”，那种描绘仿佛带着香气和温度。比如，对某一首描绘月夜的乐曲的赏析，作者没有落入俗套地描述月光的清冷，而是着墨于“月影穿竹，声声错落间，藏着故人未尽的叹息”。这种诗意的表达，让原本就优美的乐曲更添了一层丰富的解读空间。它引导着读者去思考音乐背后的文化语境和社会情感，使得欣赏音乐不再是简单的听觉享受，而上升到了一种精神层面的交流。对于那些希望深入理解中国古典音乐精神内核的人来说，这本书提供了绝佳的视角和深刻的见解。

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只能说这套书字太小了，一开始就练就了我这个700度眼神的人不看谱弹曲子的能力

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怎么会有这本书= =！！

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只能说这套书字太小了，一开始就练就了我这个700度眼神的人不看谱弹曲子的能力

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不知道买的是不是盗版。。。感觉印刷不好...曲谱经常需要改。。