具体描述
Digital technology has made animation simpler, faster, and easier than ever before. New tools have broadened the palette available to both beginners and experienced animators. Basics Animation: Digital Animation looks at the history of the medium, charting its progress by looking at specific examples that document the growth and development of the form over the past fifty years. With contributions from pioneers of the medium as well as today’s leading animators in movies, games, and television, Digital Animation is an animated look at animation yesterday and today.
* Explores key principles and processes of animation
* Readable and informative
* Interviews and art from artists, animators, filmmakers, and more from around the world
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读后感
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用户评价
我一直对动画中“角色生命力”的塑造充满好奇，而《Digital Animation》这本书在这一点上的探讨，确实让我耳目一新。它不仅仅是教你如何去“动”，更重要的是教你如何赋予角色“灵魂”。书中在讲解动画原理时，我印象最深刻的是关于“情感表达”的章节。它并没有简单地说“愤怒时要皱眉”，而是深入分析了面部肌肉的微小运动如何组合起来，传达出复杂的情绪，以及身体姿态、眼神、甚至呼吸的频率如何协同工作，共同塑造一个有血有肉的角色。我从书中了解到，一个角色是否“活”起来，很大程度上取决于他对微小细节的捕捉和刻画。比如，在表现一个角色思考时，可能不仅仅是停顿，还会有细微的眼神游离，或者不自觉地触摸下巴。这些看似不经意的动作，在书中都被赋予了重要的意义，并被归结为对角色内心状态的深入理解。这本书还强调了“意图”的重要性，即每一个动作都应该有其内在的逻辑和原因。一个角色做出某个动作，是因为他想达到什么目的，而不是随机的。这让我意识到，作为动画师，不仅仅是机械地操纵模型，更需要成为一个“角色扮演者”，去理解角色的动机和情感。我甚至开始反思自己过去在制作一些简单动画时，为什么角色看起来总是那么“空洞”，可能正是因为我忽略了这些深层的情感和意图的传递。
评分《Digital Animation》这本书给我最大的启示，在于它打破了我对动画制作“一蹴而就”的误解。我一直以为，只要掌握了软件的操作技巧，就能做出炫酷的动画。但这本书让我明白，技术只是工具，而真正的艺术在于“思考”和“表达”。书中在讲解“视觉叙事”时，不仅仅是谈论镜头调度和蒙太奇，还深入探讨了色彩理论、构图原理以及光影的运用如何共同服务于故事的讲述。我从书中了解到，颜色不仅仅是画面的装饰，它可以传达情绪，引导观众的注意力，甚至暗示角色的性格。例如，书中通过分析不同电影的案例，展示了暖色调如何营造温馨、浪漫的氛围，而冷色调如何带来疏离、紧张的感觉。同样，构图也不仅仅是“摆放”元素，而是通过黄金分割、引导线等方式，来构建画面的平衡感、动感以及视觉焦点。我尤其喜欢书中关于“节奏感”的探讨，它不仅仅局限于剪辑的节奏，还延伸到了角色动作的节奏、镜头运动的节奏，甚至是画面切换的节奏。这些元素共同构成了动画作品的整体感受，而这本书则为我提供了一个系统性的框架来理解和掌控它们。它让我明白，制作一部优秀的动画，就像是在指挥一支庞大的交响乐团，需要对每一个细节都了然于心，并将其完美地融合在一起。
评分在我阅读《Digital Animation》的过程中，我发现这本书的作者非常善于将复杂的概念用直观的方式来呈现，尤其是在讲解“运动规律”时。它没有止步于那些经典的动画12原则，而是进一步探讨了如何将这些原则应用到更广泛的场景中，例如机械运动、粒子效果，甚至是抽象的几何动画。书中对于“动态平衡”和“惯性”的理解，让我对物理学在动画中的应用有了更深的认识。它会分析一个物体在受到外力作用后，如何根据其质量、速度以及摩擦力等因素，产生相应的运动轨迹和形变。我尤其欣赏书中关于“运动模糊”（Motion Blur）的讲解，它不仅仅是告诉你在渲染设置中打开一个选项，而是深入分析了运动模糊在视觉上是如何模拟真实世界中快速移动物体留下的轨迹，以及如何通过调整参数来达到最佳的视觉效果，从而增强画面的动感和流畅性。这本书让我意识到，动画的魅力，很大程度上在于它对运动的精确描绘和艺术化处理，而这些都离不开对物理规律的深刻理解。它也让我开始审视自己过去的动画作品，是否在运动的流畅性和真实感上还有很大的提升空间。
评分《Digital Animation》这本书在谈及“角色动画”时，不仅仅局限于技术操作，更让我深入思考了“如何让角色‘活’起来”这一核心问题。书中对于“赋予角色个性”的探讨，让我豁然开朗。它不仅仅是给角色一个背景故事，更重要的是如何在动画的每一个动作、每一个表情中， subtly 地体现出其独特的性格。我从书中了解到，很多时候，角色的个性是通过一些非常细微的动作来传达的，比如一个角色习惯性的耸肩，或者他说话时会不自觉地握紧拳头。这些细小的习惯性动作，虽然在整体的剧情中可能并不起眼，但却能极大地增强角色的真实感和辨识度。书中还强调了“观察力”的重要性，它鼓励读者去生活中观察人们的举止，去捕捉那些微小的、具有代表性的动作，并将它们融入到角色的动画设计中。我记得书中举了一个例子，关于一个内向的角色，他在人群中可能总是低着头，或者双手插在口袋里。而一个外向的角色，则可能更喜欢与人进行眼神交流，并且肢体语言更丰富。这本书让我意识到，动画师不仅仅是技术的操作者，更应该是一个敏锐的观察者和深刻的理解者，去洞察人性的复杂和多样。
评分在翻阅《Digital Animation》这本书的过程中，我逐渐意识到，仅仅掌握单个软件的功能是远远不够的，更重要的是理解整个“制作流程”的逻辑和协作。书中在讲解“工作流”时，并没有将每个环节孤立开来，而是强调了它们之间的相互关联和信息传递。例如，在讲解模型建模时，它会提醒你考虑后续的UV展开和贴图绘制的便利性；在讲解绑定时，它会强调骨骼的设置和权重分配对后续动画的影响。我从书中了解到，一个高效的工作流程，能够极大地提高制作效率，并且减少不必要的返工。书中还介绍了一些团队协作的模式，以及不同角色（如模型师、绑定师、动画师、灯光师等）之间的沟通和协作方式。这让我意识到，数字动画的制作，往往是一个团队合作的结晶，而理解不同角色的职责和工作内容，对于成为一名优秀的动画师至关重要。我尤其喜欢书中关于“版本控制”和“资产管理”的讨论，这些看似枯燥的技术细节，却在实际的项目制作中起着至关重要的作用，能够避免混乱和数据丢失。这本书让我对整个行业有了更宏观的认识，也更清晰地看到了自己在未来需要学习和提升的方向。
评分我之所以会被《Digital Animation》这本书吸引，很大程度上是因为它在“原理”和“实践”之间找到了一个绝佳的平衡点。不像有些技术手册那样，只堆砌枯燥的技术术语，也不像某些艺术类书籍那样，只谈概念而不接地气。这本书在介绍每一个动画制作环节时，都会先花大量的篇幅去讲解其背后的理论基础，例如在讲解摄像机运动时，它不仅会告诉你如何设置焦距和景深，还会深入探讨不同景别对观众情绪的影响，以及景别与镜头运动的结合如何构建叙事。这让我意识到，摄像机不仅仅是记录画面的工具，更是表达情感、引导观众视线的重要手段。我尤其喜欢书中关于“动画原理”的那一部分，虽然很多理论在经典动画教程中都有提及，但这本书的解读方式却更加有深度。它不仅仅是列举了“挤压与拉伸”、“预备动作”这些概念，而是将它们置于更广阔的艺术和物理学语境中进行分析。例如，在讲解“生命力”的体现时，它会从生物力学和心理学等多个角度去阐释，让你理解为什么一个简单的角色动作，需要如此细致的考量才能显得真实而富有表现力。它甚至会讨论到时间的感知，以及如何在动画中通过节奏的控制来影响观众对时间的体验。我发现，这本书的作者似乎非常善于将复杂的概念拆解成易于理解的部分，然后通过丰富的案例来加以说明，这些案例的选择也非常有代表性，涵盖了从早期二维动画到现代三维CG的各种风格和技术。
评分《Digital Animation》这本书让我对“场景设计”和“环境氛围”的营造有了全新的认知。它不仅仅是摆放几个模型，然后给它们套上纹理，而是强调了环境如何与角色和剧情互动，共同塑造整个故事的基调。书中在讲解“灯光”时，不仅仅是谈论三点照明或者四点照明，而是深入探讨了不同光源的特性，以及它们如何影响场景的 mood 和观众的情绪。例如，柔和的散射光可以营造出宁静、温馨的氛围，而硬朗的直射光则可能带来戏剧化的冲突和紧张感。我从书中了解到，灯光不仅仅是照亮物体，它更是塑造空间感、引导观众视线、以及烘托情感的重要手段。书中还花了很多篇幅介绍“色彩理论”在场景设计中的应用，比如如何运用对比色来突出重点，如何运用邻近色来营造和谐感，以及如何通过色彩来传递时间、地点和角色的状态。我印象最深刻的是关于“镜头景深”和“焦点”的运用，它如何将观众的注意力集中在画面中的关键元素上，而模糊掉不重要的背景，从而增强画面的层次感和故事的叙事性。这本书让我明白，一个精心设计的场景，就像一幅油画，每一个细节都经过了深思熟虑，共同服务于最终的表达。
评分这本书的名字叫《Digital Animation》，但如果你是那种期待打开一本魔法书，就能瞬间掌握所有动画制作秘诀的读者，那我得提前给你泼点冷水。这绝对不是一本“点石成金”的速成指南。相反，它更像是一场马拉松，需要你一步一个脚印地去探索和实践。我从书中了解到，数字动画的魅力远不止于华丽的视觉效果，更深层次的是它背后所蕴含的逻辑、科学以及对艺术的严谨追求。书中在介绍基础概念时，比如关键帧动画的原理，不是简单地告诉你“怎么做”，而是深入剖析了时间轴、插值曲线这些看似枯燥的技术名词是如何协同工作，最终赋予静态图像生命的。它就像在教你解剖，让你理解肌肉、骨骼如何运作，而不是只让你看到一个活动的生物。而且，它并没有回避那些最基础的、可能让新手感到头疼的步骤，比如模型创建的拓扑结构，或者UV展开的意义。我曾经以为建模就是“捏泥巴”，但这本书让我明白，一个好的模型，其背后的面数、布线走向，甚至每个顶点的精确位置，都直接影响到后续的绑定、动画和渲染。它鼓励你去思考，去理解“为什么”要这样做，而不是仅仅复制粘贴教程里的操作。甚至连最基础的软件界面布局，书中也给了我一些全新的视角，让我意识到看似随意的窗口排列背后，其实隐藏着工作流的优化逻辑。读这本书的过程，更像是在和一位经验丰富的动画师进行一场持续的对话，他不断抛出问题，引导你思考，然后分享他的解决方案和背后的考量。这让我感觉自己不仅仅是在学习一项技能，更是在学习一种思维方式，一种解决问题的态度。
评分一直以来，我都对CG动画中那些逼真的纹理和材质效果感到惊叹，但《Digital Animation》这本书让我有机会一窥其背后的“魔法”。它并没有简单地介绍贴图绘制的软件功能，而是深入讲解了材质的物理属性，以及如何通过PBR（Physically Based Rendering）等技术来模拟真实世界的材质表现。我从书中了解到，金属的反射、布料的褶皱、皮肤的质感，并非随意绘制，而是需要遵循一定的物理规律。比如，金属的反射是高度镜面化的，而粗糙的表面则会产生更模糊的反射。书中还详细介绍了各种贴图的类型，如漫反射贴图（Albedo）、法线贴图（Normal Map）、粗糙度贴图（Roughness Map）、金属度贴图（Metallic Map）等等，并解释了它们各自的作用以及如何协同工作，来模拟出逼真的材质效果。我印象最深刻的是关于“布线”和“UV展开”的章节，虽然听起来很技术化，但书中的讲解却非常生动。它将模型比喻成一个三维物体，而UV展开就是将这个三维物体“摊平”成一个二维平面，以便在上面绘制纹理。而模型的布线，则直接影响着UV展开的便利性和纹理的最终效果。这本书让我明白，一个好的材质效果，不仅需要精湛的绘制技巧，更需要对三维模型结构和渲染原理的深刻理解。
评分当我拿到《Digital Animation》这本书时，我并没有期待它能让我立刻成为一名动画大师，但我确实希望能从中获得一些关于数字动画“生态系统”的整体认识。而这本书，恰恰在这方面给了我很大的惊喜。它并没有将动画制作孤立地看待，而是将整个流程，从概念设计、故事板、建模、贴图、绑定、动画、灯光、渲染到后期合成，都串联了起来，并且详细阐述了它们之间的相互依赖关系。例如，在讲解模型细节时，它会提醒你考虑到之后贴图绘制的工作量，以及模型拓扑结构对绑定和变形的影响。这种“全局视角”让我明白，每一个环节的决策，都会像蝴蝶效应一样，影响到后续的工作。书中在介绍故事板和分镜设计时，也并非仅仅停留在“画得好看”的层面，而是强调了其在叙事、节奏和镜头语言传达方面的关键作用。我从中学习到，一个好的故事板，不仅要清晰地展示画面内容，还要预设镜头运动、摄像机角度以及重要的时间点，为后续的动画制作奠定坚实的基础。而且，这本书并没有回避一些相对“幕后”的环节，比如技术美术（Tech Art）在优化流程、解决技术难题中的作用，以及特效（VFX）和模拟（Simulation）是如何为动画增添动感和真实感的。这些内容让我意识到，数字动画的诞生，是一个涉及多种专业技能和协作的复杂过程，而这本书就像一位经验丰富的导游，带领我一一解锁这些未知领域。
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