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出版者:中国青年出版社

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页数:640

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出版时间:1986-12

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《华夏诗章：从山海经到唐诗宋词的流光》 这是一部关于中国古代文学璀璨明珠——诗歌的溯源与演进的著作。它并非一本枯燥的学术考证，而是一次穿越时空的文学之旅，旨在展现中华民族数千年间，情感的激荡、思想的飞跃以及审美情趣的流变，如何在诗歌这一最凝练、最动人的艺术形式中得到淋漓尽致的体现。 本书以一种宏大的视角，从远古的神话传说开始，追溯诗歌最初的萌芽。在《山海经》那充满瑰丽想象与朴素歌谣的字里行间，我们能窥见先民们对自然的敬畏、对生命的渴望，以及那些尚未被理性束缚的原始情感。随后，我们将目光投向《诗经》，这部中国最早的诗歌总集，它以其现实主义的笔触，描绘了周代社会生活的多彩画卷，从农事劳作的辛勤，到男女爱恋的羞涩，再到征夫远戍的悲凉，无不饱含深情，成为后世文学取之不尽的源泉。 接着，我们将进入一个充满忧患与反思的时代——楚辞。屈原这位伟大的爱国诗人，以其浪漫主义的激昂与深沉的忧愤，开创了中国诗歌的另一高峰。《离骚》、《九歌》等篇章，以瑰丽的想象、华美的辞藻，抒发了诗人对理想的执着追求，对现实的无奈控诉，其“香草美人”的象征手法，为后来的文人提供了无穷的想象空间。 汉代，乐府诗的兴盛标志着诗歌的通俗化与世俗化。那些来自街头巷尾、反映民生疾苦的歌谣，如《陌上桑》、《孔雀东南飞》，以其质朴的语言和生动的情节，展现了人民的喜怒哀乐，具有强大的生命力。同时，文人五言诗也在这一时期逐渐成熟，奠定了中国古典诗歌的基本形制。 魏晋南北朝，这是一个社会动荡、思想解放的时代。文坛上群星璀璨，曹操、曹植父子以其豪迈悲壮的诗风，开启了建安文学的先河；“三曹”之后，阮籍、嵇康等“竹林七贤”的玄言诗，则寄托了他们在乱世中的愤世嫉俗与超脱之情。而陶渊明，这位“采菊东篱下，悠然见南山”的隐逸诗圣，以其田园诗的清淡、质朴，勾勒出一幅幅宁静致远的画卷，成为后世无数文人心中的理想归宿。 本书的重点篇章将聚焦于中国诗歌史上最为辉煌的两座高峰：唐诗与宋词。 唐诗，如同璀璨的星河，囊括了无数闪耀的名字和不朽的篇章。我们将深入探讨李白的浪漫飘逸，他“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”的想象，他“人生得意须尽欢，莫使金樽空对月”的豪情；我们将品味杜甫的沉郁顿挫，他“朱门酒肉臭，路有冻死骨”的悲悯，他“国破山河在，城春草木深”的忧愤，被誉为“诗史”；我们还将领略王维的诗画结合，将禅意融入山水；孟浩然的淡泊宁静；高适、岑参的边塞雄浑；白居易的通俗易懂、讽喻现实。从初唐的宫廷气息，到盛唐的雍容华贵，再到中晚唐的沉思与变异，唐诗的多样性与深刻性，使其成为中华文明最宝贵的遗产之一。 紧随其后，宋词以其婉约与豪放的独特魅力，展现了与唐诗不同的时代风貌。《花间集》开启了词的滥觞，柳永的慢词深入描绘市井生活与儿女情长；晏殊、欧阳修以其雅致的文风，抒发士大夫的闲情逸致。而宋词的双峰，苏轼与李清照，则将词的意境推向了极致。苏轼以其豁达的人生观，写下“大江东去，浪淘尽，千古风流人物”的豪迈，又以其对自然的细致观察，描绘“明月几时有？把酒问青天。”的哲思；李清照则以其细腻的笔触，捕捉女性独有的情感体验，写下“寻寻觅觅，冷冷清清，凄凄惨惨戚戚”的愁绪，又在国破家亡之际，发出“至今思项羽，不肯过江东。”的慨叹。范成大、陆游等人的爱国词，更是在家国情怀中注入了深沉的笔力。 本书并非仅仅罗列诗人的名字和作品，而是着力于梳理诗歌在不同历史时期的社会背景、文化思潮、审美趣味及其相互影响。它将引导读者去理解，为何在那个时代，人们会发出这样的诗句；为何某种风格的诗歌会应运而生；诗歌又是如何承载着时代的精神，又反过来影响着人们的思想与情感。 通过对这些经典诗篇的解读与赏析，本书希望能唤醒读者内心深处的共鸣，让那些流传千古的诗句，再次焕发光彩，成为连接古今、沟通心灵的桥梁。它是一次对中华民族集体记忆的重温，一次对民族精神根源的探寻，一次对汉语魅力的深度体验。翻开此书，就如同推开一扇门，步入一个由文字构建的、充满无限美学可能性的浩瀚世界。

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我一直以为，要真正读懂诗歌，非得背诵无数的注解和典故不可，否则就是浮光掠影。这本书彻底颠覆了我的认知。它最让我称道的一点是，它处理“细节”的方式非常精妙。它不会像传统教材那样，为了解释一个典故而强行中断叙事。相反，作者擅长在流畅的行文过程中，自然而然地植入必要的文化背景知识。比如在谈到陶渊明的田园诗时，作者没有长篇大论地去考证“五斗米”的真实价值，而是巧妙地将这种“不为五斗米折腰”的精神，与魏晋时期士大夫阶层对功名的复杂心态联系起来，一下子就抓住了陶诗那种淡泊背后的深刻挣扎。更别提书中对格律和声韵的解释，简直是化繁为简的大师手笔。以往那些关于平仄、对仗的讨论，总是让我头昏脑胀，但在这里，我竟然能对“为什么某些句子读起来就是朗朗上口”有了直观的理解，仿佛有人用现代的声学原理为我重构了古代诗歌的声音美感。这种将理论融入审美体验的叙事手法，让阅读过程充满了惊喜，让人忍不住一口气读完，生怕错过下一个“原来如此”的瞬间。

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这本书的排版和装帧，也极大地提升了阅读的愉悦感。这或许是细节，但在我看来，却是阅读体验的基石。它选用了一种偏暖色调的纸张，在光线下阅读时，眼睛非常舒适，这对于一本需要沉下心来细品的书来说至关重要。更重要的是，书中引用的诗歌文本的呈现方式非常讲究。它不是那种密密麻麻、一行接一行的排版，而是根据诗歌的体式和意境，给予文本足够的“呼吸空间”。有些篇幅短小的五绝，会居中或靠右排列，视觉上就形成了一种错落的美感，配合作者的点评，仿佛那几句诗就悬停在纸面上，自有其韵味。这种对视觉美学的重视，潜移默化地增强了读者对诗歌形式美的感知力。我甚至会时不时地停下来，对着某段引文的发型凝视良久，感受那种文字布局本身带来的韵律感。这绝对不是那种冷冰冰的学术专著，它更像是一本精心制作的“阅读装置”，引导你用更优雅的方式去接触古老的文字。

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最让我感到惊喜的是，作者在收尾部分对近现代诗歌的梳理和展望，处理得极其得体和富有洞察力。很多此类“简史”类书籍，往往在谈到白话文运动后，就草草收场，或者陷入对新诗的盲目推崇或过度贬低。但这本书的作者展现了惊人的平衡感。他清晰地勾勒出新文化运动如何彻底“打碎”了旧的诗歌范式，以及在“拿来主义”的冲击下，中国诗歌在继承与革新之间的艰难博弈。他对早期白话诗的实验性、朦胧诗的内敛以及当代诗歌的多元化趋势，都进行了精准的定位和评述。最触动我的是，作者似乎在用一种邀请的口吻告诉读者：诗歌的生命力在于其变异性，我们不必执着于“是不是还像唐诗宋词”，而应该关注它是否仍在真诚地回应我们所处的这个时代。这种对未来的开放态度，让整部作品的价值不再仅仅停留在回顾历史，而是成为了一种激活当代审美的催化剂，让我读完后，反而更想去重新翻阅那些我原本以为已经“过时”的新诗作品。

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说实话，市面上关于“诗歌史”的书籍汗牛充栋，大多流于泛泛而谈，或者钻进某个朝代的细节里出不来，缺乏一种贯穿始终的哲学思考。而这本《中国诗歌简史》的独特之处，在于它始终保持着一种批判性的审视视角，而不是简单的罗列和赞颂。它敢于直面诗歌发展中的“断裂”和“低谷”。例如，在描述宋代诗坛面对词的强势崛起时，作者并没有回避宋诗在某种程度上的“失语”与挣扎，而是深入分析了这种文体间的张力是如何塑造了后世的文学格局。这种不回避复杂性、不把历史写成一条直线向前推进的做法，让我感到非常信服。它不像是在写一部“英雄史观”的教科书，更像是在描绘一幅动态的、充满矛盾与张力的历史画卷。读罢，我不仅知道了谁写了什么，更重要的是理解了在特定历史时刻，文学面对权力、面对审美变迁时，所做出的艰难选择和最终的艺术妥协或突破，这为我的思考提供了更深邃的维度。

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这本《中国诗歌简史》简直是为我这种半路出家、对中国古典文学只停留在“床前明月光”层面的爱好者量身定做的。我一直觉得诗歌这东西，太高深莫测了，像是被笼罩在一层薄雾里的古老宫殿，只能远远地瞻仰，却很难真正走进去感受它的呼吸和脉搏。然而，这本书的叙述方式出乎意料的平易近人。它没有堆砌晦涩难懂的学术术语，而是像一位耐心十足的导游，牵着我的手，从《诗经》那充满泥土芬芳的远古田野开始，一步步走过汉魏风骨的苍凉，唐诗的万丈光芒，宋词的婉约清丽，直到明清的变奏。我尤其欣赏作者对于时代背景与诗歌风格之间相互渗透的阐释。比如，读到初唐的宫廷诗与边塞诗的对比时，我才明白，那些看似孤立的篇章，实则是特定历史情绪的凝结。作者没有孤立地评价李白或杜甫的“伟大”，而是将他们置于当时的社会结构中进行剖析，这让他们的诗句不再是僵硬的文本，而是带着温度和血肉的时代回响。这种宏观的梳理，极大地满足了我对“脉络”的渴望，让我第一次对中国诗歌发展的时间轴有了清晰的感知，避免了以往那种“只知其一，不知其所以然”的尴尬。

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