卢禺光山水画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:广东：新世纪出版社

作者:卢延光（绘）

出品人:

页数:44 页

译者:

出版时间:2000

价格:15.00

装帧:

isbn号码:9787540520953

丛书系列:

图书标签:

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苍茫远黛：宋代山水画的意境与技法探微 作者： 王景行 出版社： 翰墨轩 页数： 488页 定价： 188.00元 --- 内容简介： 《苍茫远黛：宋代山水画的意境与技法探微》并非聚焦于某一位特定画家的作品集，而是深入剖析了中国艺术史上一个高峰——宋代山水画的整体风貌、哲学基础、技法演变及其深远影响。本书旨在提供一个全面而系统的研究视角，将宋代山水画置于其历史、文化与思想的宏大背景中进行审视。 本书共分为六个主要部分，层层递进，力求展现宋代山水画由北宋的雄浑磅礴到南宋的清雅内敛的完整发展脉络。 第一部分：肇始与基石——宋代山水画的文化土壤 本部分追溯了宋代山水画的兴起，探讨了宋代理学（程朱理学）对山水画“格物致知”精神的影响。我们考察了“可游、可居、可观、可赏”的审美理想如何取代唐代“可行、可望”的实用性描述。重点分析了宋代士大夫阶层对山水画从单纯的装饰品到寄托情怀、参悟哲理的媒介的身份转变。 特别着重讨论了院体画与文人画初期的分野与交融。北宋初期的李成、范宽等人的作品，如何以其“纪念碑式”的结构确立了山水画的独立地位，奠定了后世“平远、高远、深远”三远法的理论基础。对董源、巨然等开创的江南“水墨渲淡”技法的源流进行了梳理，强调了其对南宋院体的孕育作用。 第二部分：北宋的恢弘叙事——“巨碑式”山水的巅峰 此部分集中探讨了北宋中后期，以范宽、郭熙为代表的宏大叙事风格。 范宽的“近接万物，远取诸心”： 详细分析了范宽如何运用其标志性的“雨点皴”或“芝麻皴”，塑造出北方山脉的雄强与厚重。通过对《溪山行旅图》等经典作品的微观解构，阐释了其构图中对“主峰”的突出以及对山体细节的极致刻画，如何体现了人与自然之间敬畏与和谐的关系。 郭熙的“可行就里，可望就外”： 重点剖析了郭熙在理论建树上的贡献，特别是其在《林衡山水诀》中提出的关于“三远”理论的精妙论述。通过对比其“早春图”与“秋山行旅图”，展示了郭熙如何通过对光线、云雾和季节变化的精准捕捉，表达出山水瞬间的生命力与动态美。本章也讨论了李唐、刘 আখ্যা等人对北宋盛期山水画的承接与过渡作用。 第三部分：南渡的转折——院体画的精微与院外画的勃发 靖康之变是宋代山水画史的巨大分水岭。本书深入探讨了南渡后，艺术中心转移至临安所带来的风格变化。 南宋院体的“格物写生”： 分析了李唐、刘松年、马远、夏圭四大家在南宋画院中的主导地位。这一时期的作品，主题从北宋的“江山全景”转变为更具文人审美品味的“局部特写”。重点研究了马远“一角两角”的布局技巧，如何通过大面积的“留白”（虚化处理）来营造出空寂、深远、耐人寻味的意境。夏圭的“刮铁皴”和对水墨酣畅淋漓的运用，则揭示了南宋画家如何在有限的空间内表达无限的哲思。 文人画的独立与自觉： 与院体画的精细写实相对，本书阐述了以苏轼、米芾为代表的“尚意”一派如何将个人情感与笔墨技法结合。米芾“刷书刷画”的独特笔墨语言，以及他对手卷形式的偏爱，如何体现了文人“不求形似，但求神似”的艺术主张。这为元代文人画的全面兴盛埋下了伏笔。 第四部分：笔墨的语言——皴法、点苔与渲染的系统梳理 本章是技法层面的深度分析，如同为读者提供一本“宋画技法手册”的理论框架。本书详细辨析了宋代主要的皴法及其应用场景：如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、雨点皴等，并追溯了它们在不同地域、不同风格画家手中的演变轨迹。 水墨的运用与层次： 探讨了自董源以来，水墨在宋代山水画中从晕染辅助地位上升为独立表现手法的过程。特别关注了“墨分五色”的理论如何在院体画中被细致实践，以及南宋画家如何利用浓淡干湿的对比来塑造空间的层次感和光影效果。 点景的寓意： 分析了人物、树石、房屋等点景元素在宋画中的功能，它们不仅仅是尺寸的参照，更是情感和哲理的载体。如对“寒林”、“野渡”的描绘，如何暗含了对乱世的隐忧或对隐逸生活的向往。 第五部分：山水画中的空间哲学与时间观念 此部分跳出单纯的技法讨论，深入到宋代山水画的形而上学层面。 “虚实相生”的辩证法： 论述了宋代山水画中“留白”不仅仅是构图需要，更是受到了道家“有无相生”思想的影响。通过分析马远的“空濛”处理，展示了画家如何引导观者进入一种“在场又缺席”的冥想状态。 “不动之动”的时间观： 探讨了宋画如何通过静止的画面来暗示时间的流动。无论是云雾的飘忽，还是水流的无声，都体现了宋人对永恒与瞬间的捕捉。这种对“时间凝固”的追求，是宋代哲学思辨在视觉艺术上的投射。 第六部分：遗韵流芳——宋画对后世的影响 本书结尾部分总结了宋代山水画在近千年的中国艺术史中所占据的无可替代的地位。详细考察了元四家（黄公望、倪瓒等）如何从宋人，特别是南宋院体和米家父子的笔墨中汲取营养，实现文人画的彻底转型。同时，也简要勾勒了明清时期（如董其昌、石涛）对宋代“正统”的继承与反叛，证明宋代确立的理论框架与审美标准，成为了后世画家绕不开的圭臬。 总结： 《苍茫远黛》以严谨的学术态度和优美的文字，构建了一部理解宋代山水画的综合性指南。它不仅是艺术史研究者的重要参考，也是所有喜爱中国传统美学，渴望领略“大山大水，尽在笔端”的观者，进入宋人精神世界的最佳桥梁。通过细致入微的图例分析和广博的文化背景梳理，读者将能深刻理解宋代山水画何以成为中国古典艺术的永恒丰碑。

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这部画册的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从外壳的材质触感到内页纸张的细腻纹理，无不透露出一种匠心独运的考究。特别是封面那种微微泛着古朴光泽的纸张，每一次触摸都仿佛能感受到岁月沉淀下来的温润，让人忍不住想要立刻翻开一探究竟。内页的印刷色彩处理得极为精准，那种墨分五色的层次感，在光线下呈现出微妙的变化，即便是最浅淡的淡墨晕染，也显得灵动而富有生命力。我特别欣赏排版上留白的艺术处理，那些恰到好处的空白，不仅没有让画面显得单调，反而像呼吸的空间一样，让每一幅作品都能独立呼吸，散发出它们独特的气韵。书本的装订也非常结实，即便是经常翻阅，也不担心会有松散的迹象。从物理层面上讲，这本画册已经超越了一般的艺术书籍范畴，更像是一件值得珍藏的工艺品。翻阅时，那种油然而生的敬意，让我更加期待内容本身能带来怎样的震撼。它给人的第一印象，是沉稳、大气，透露着对艺术的最高尊重。

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如果说构图是骨架，那么用色的考量便是这部作品的灵魂所在。这部画册中，即便是依赖水墨为主的作品，其“色”的层次感也极其丰富。它没有太多炫目的石青石绿，但画家对于“赭石”和“藤黄”的运用，简直是神来之笔。在某些展现秋日山景或夕照余晖的画作中，那一点点恰到好处的暖色调，如同画龙点睛，瞬间激活了整幅画的生命力。这些色彩的渗入，不是为了描摹现实的色彩，而是为了强化情感的温度。我特别留意到他对“苔点”的处理，那几笔看似随意点上的翠绿或微黄，不仅为沉稳的墨色增添了生机，也精准地交代了环境的湿度和季节的更迭。这说明画家对自然光影和色彩心理学的理解达到了很高的层次，使得画面在写实的基础上，更进一步上升到了抒情的高度，让人感到温暖而亲切。

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这本画集所呈现出的意境，有一种独特的“空灵感”，这是我以往接触的很多山水画作品中比较少见的特质。它不是那种烟雾缭绕、让人看不清方向的迷蒙，而是在大开大合的构图中，巧妙地引入了“虚”的概念。画面中常有大面积留白，这些留白绝非空洞的背景，而是被赋予了流动的时间和空气。你仿佛能透过那片虚空，感受到远山的呼吸，听到近水的潺潺。这种处理手法，使得作品在气势磅礴的同时，又具备了一种内在的宁静和哲思。观摩这些作品，我感觉自己仿佛站在一个极高的山巅之上，俯瞰着尘世的喧嚣，心境也随之被洗涤。这种审美体验是极其高级的，它不直接给你答案，而是引导观者进入一个冥想的状态，去体会“此处无声胜有声”的意境。整体氛围是超然物外的，让人感受到一种东方哲学中“天人合一”的终极追求。

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整部画集带给我的最大冲击，是画家在不同题材和尺幅间游刃有余的转换能力。你可以在一幅宏大的全景图中，看到他如何驾驭复杂的空间层次，使远景的虚远和近景的实体感完美共存，其布局之严谨，堪比建筑设计。紧接着下一页，可能就是一幅极其精巧的小品，只用寥寥数笔，勾勒出一株松枝或一块奇石的精气神。这种从小到大的跨度，没有丝毫的生涩感，反而展现出一种极强的自信和收放自如的功力。小品中的笔墨更加内敛和凝练，每一个点、每一根线都承载着巨大的信息量，毫不拖泥带水。这种“大处着眼，小处着手”的创作态度，体现了画家对艺术语言的精炼和高度概括的能力。这本画册因此不仅仅是作品的集合，更像是一场关于水墨语言的“修行展示”，激励着每一个学习和热爱传统艺术的人去探索自己笔墨的深度与广度。

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初翻阅这本画集时，我立刻被其中对山石皴法的多样性所吸引，这简直是一本关于“如何表现石头精神”的教科书级别的示范集。画家的笔触时而如斧劈般刚劲有力，瞬间就能勾勒出崚岏绝壁的雄奇；时而又变得如蚕食般细腻入微，将风化侵蚀的痕迹描绘得淋漓尽致，仿佛能听到石头在时间长河中无声的诉说。尤其是一些长卷中的局部特写，那些密集的笔触交织出的肌理感，简直让人叹为观止。我甚至尝试用放大镜去观察那些飞白和焦墨的运用，发现画家对于墨色的控制已经达到了化境——浓到化不开的漆黑与淡到近乎透明的清水墨，在他手中可以完美地融合在一个画面里，互不干扰却又相互成就。这种对基础功的极致锤炼，绝非一朝一夕之功，它背后蕴含的是对自然万物的深刻体察与长年累月的笔墨磨砺。每一次驻足观看，都会发现新的细节，新的奥秘，这远比那些仅仅追求“形似”的作品要高明得多，它捕捉到了山的“魂”。

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