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出版者:COPULA

作者:Cornelius Cardew

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2006-08

价格:GBP 22.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780952549222

丛书系列:

图书标签:

• 重要
• #4411.jazz
• #44.improvisation
• #42681.C.Cardew(1936-1981)
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《声波的织锦：二十世纪中叶前卫音乐的脉络与实验》 一部深入探寻二十世纪中叶欧洲实验音乐思潮、技术革新与哲学转向的深度著作。 本书旨在勾勒出在二战后，欧洲大陆和英国音乐界涌现出的一批革命性作曲家群体的精神图谱。我们聚焦于那些拒绝传统调性结构、积极探索声音本体、并将科技引入音乐创作视为必要途径的先驱们。 第一部分：废墟上的重建——战后音乐的形而上学困境 (1945-1955) 二战的结束不仅带来了政治和地理的重塑，更在文化领域引发了一场深刻的身份危机。古典音乐的传统——被一些人视为与旧日体制和审美偏见紧密相连——面临着被彻底颠覆的迫切需求。本部分详细考察了这一背景下，欧洲知识分子群体对“新开端”的渴望。 1. 序列主义的继承与激进化：达姆施塔特的精神核心 本书开篇详述了以达姆施塔特夏季课程为核心的音乐社群的形成。这不是一个地理上的聚集点，而是一个思想的熔炉。我们剖析了奥利弗·梅西安（Olivier Messiaen）对节奏和色彩的独特处理如何启发了年轻一代，以及阿尔诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）的十二音技法在经过安东·韦伯恩（Anton Webern）的严谨化后，如何被推向了“全面序列化”的极端。重点分析了卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）早期作品中对音高、时值、力度、音色等所有参数进行数学化控制的尝试，以及路易吉·诺诺（Luigi Nono）如何试图在严谨的结构中注入强烈的政治乌托邦色彩。 2. 电子音乐的诞生：从磁带的嗡鸣到电子发生器 在这一时期，音乐的物质基础发生了根本性变化。我们细致地记录了科隆西德广播电台（WDR）电子音乐工作室的创建及其对声音合成的决定性影响。重点探讨了电子音乐如何从早期的“电子音色拼贴”（Elektronische Musik）发展到使用振荡器和噪音发生器进行结构性构建。书中对比分析了巴黎的“具体音乐”（Musique Concrète），尤其是皮埃尔·舍费尔（Pierre Schaeffer）对录音和剪辑作为创作手段的哲学论证，及其与科隆学派纯粹电子合成方法的根本分野。我们探讨了技术本身如何成为作曲家重新定义“音乐”的工具。 第二部分：偶然性与演奏者的解放——开放性结构的探索 (1955-1965) 随着战后重建的深入，一些作曲家开始对前一阶段的极端控制模式产生质疑。他们认为，将所有元素预先固定在乐谱上，无异于制造了一种新的、同样僵化的“独裁统治”。这一章集中讨论了“不确定性”作为一种美学原则的兴起。 1. 约翰·凯奇的东渐与西方世界的震动 尽管凯奇（John Cage）主要在美国发展其理论，但他的思想通过出版物和少数访问，对欧洲实验音乐界产生了催化剂般的作用。我们详细分析了“机遇”和“意图的放弃”如何挑战了欧洲中心主义的作曲观念。重点解读了《4分33秒》如何从一个挑衅性的姿态，演变为对“环境声音”和“听觉场域”的深刻反思，以及这如何被欧洲的先锋派所吸收和转化。 2. 开放形式与游戏的结构：布赫斯泰德与即兴的制度化 本书深入考察了波兰学派（如扬·诺瓦克、克日什托夫·彭德雷茨基）早期对大规模音块（Mass Sound Blocks）的构建，这代表了一种对传统旋律和和声的集体性放弃。随后，我们转向探讨了对演奏过程本身的结构化。例如，对乐谱符号学的革新，如何通过指示性的符号（而非精确的音高和节奏）将选择权部分移交给演奏者。我们分析了这些“开放形式”作品如何迫使演奏者进入一种更加即兴和创造性的互动状态，从而使每一次演出都成为一个独特的、不可复制的事件。 第三部分：听觉经验的边界拓展——空间、身体与符号的瓦解 (1965-1975) 进入六十年代末，音乐的关注点从内部的结构性控制，转向了声音与外部世界的互动，以及音乐体验的身体性。 1. 空间音乐的声场构建 声音不再被视为单向的、来自舞台中心的事件，而是被重新组织在其所处的物理空间之中。本章对比分析了不同作曲家处理“空间化”的方法：通过多声道电子设备实现的精确声像移动，与通过对室内声学特性的利用来实现的、依赖听众位置的声场构建。我们探讨了音乐如何从“时间艺术”向“空间艺术”的倾斜，以及由此产生的对传统音乐厅设定的挑战。 2. 剧场化与符号的解构 在这一阶段，音乐作品的界限变得模糊，它开始吸纳戏剧、视觉艺术和日常行为的元素。作曲家们不再满足于制作“可听的”对象，而是创作出需要“观看”和“参与”的事件。我们审视了那些涉及身体动作、特定服装、非传统乐器（如日常物品）或明确的社会政治姿态的作品。这些作品的目的不再是创造一个纯粹的听觉审美对象，而是通过行动来揭示艺术与社会、权力结构之间的张力。 3. 符号与读谱的革命 最后，本部分讨论了乐谱作为一种“文本”所经历的危机。当传统记谱法无法承载偶然性、空间性或行为性的指令时，新的符号系统应运而生。从图形记谱法（Graphic Notation）到文字指示（Text Scores），我们研究了这些视觉化和概念化的记谱方式如何彻底改变了作曲家、演奏者和观众之间的传统契约，迫使听众不再仅仅是接受者，而是成为意义的共同构建者。 --- 本书通过细致的文献梳理、对历史语境的重建以及对关键作品的深度分析，试图为读者提供一个理解二十世纪中叶欧洲前卫音乐运动复杂性与持久影响的全面框架。它关注的是那些在声音的疆域上进行最大胆探索的思想家们，他们的工作至今仍在不断重塑我们对“什么是音乐”的理解。

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这本书的语言风格是如此的疏离而又精确，仿佛是从一份被高度加密的档案中截取出来的片段。它避免了一切煽情的词汇和主观的情感表达，使得阅读体验变得异常冷静，甚至有些冷峻。它更像是一套操作手册，但操作的对象不是机器，而是读者的意识本身。我注意到书中大量使用了列表、分类和流程图式的描述，尽管这些描述的对象往往是那些最难以被量化和定义的领域。例如，它会细致地分解一种“聆听的姿态”，将之拆解为身体的朝向、呼吸的频率，甚至眼睑的开合程度。这种极端的细致，反而营造出一种荒谬感，让你反思我们究竟在多大程度上“控制”了我们的体验。它绝对不是一本可以轻松消遣的书，更像是一套智力上的体操训练，要求读者的大脑在逻辑和感性之间不断地进行高强度的切换。它成功地将抽象的概念实体化，以至于读完后，我开始用一种更具结构性的眼光去观察我日常的互动，思考语言和符号是如何不自觉地构建起我们的现实框架。

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这部作品最让人印象深刻的，是它那种近乎原始的、对“时间性”的执着捕捉。它没有传统意义上的情节推进，与其说是在描述一种艺术形式，不如说是在记录一系列发生、消散、重组的“瞬间”。我感觉自己像是在一个巨大的、尚未命名的剧场里，看着光线和阴影如何以特定的韵律变化，而文字就是记录这些微妙变化的唯一介质。它探讨了意图（intention）在艺术创作中的权重，是自发性更胜一筹，还是周密策划的蓝图更为关键？这些思考不是通过直接论辩来实现的，而是通过一系列描述性的、近乎散文诗的段落自然浮现出来的。这种写法非常考验读者的耐心，因为它拒绝一切捷径。如果你期待的是快速获取某种知识体系，这本书会让你大失所望。但如果你愿意沉浸在那种持续的、未被定义的“状态”之中，你会发现其中蕴含着一种强大的、令人不安的美感，它让你重新审视我们习惯于用“开始”和“结束”来框定一切体验的局限性。这种对时间结构的非线性处理，是其最深刻的文学成就之一。

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这本书简直是音乐思想的迷宫，让人在阅读的过程中不断地自我审视和质疑。它不涉及任何具体的音乐家名字或者乐谱分析，反而是对“声音”本身，以及我们如何感知和理解“结构”的深刻探讨。作者似乎在挑战我们对于传统音乐理论的固有认知，用一种近乎哲学思辨的方式，去解构声音的本质。我尤其欣赏其中对“留白”的强调，那种处理寂静与噪音关系的方式，比任何复杂的和弦进行都更引人入胜。读完之后，我感觉自己对周围环境的声音——无论是交通的轰鸣，还是室内细微的电流声——都有了全新的、近乎虔诚的聆听角度。这本书的行文节奏非常独特，时而极其缓慢、细致入微，仿佛在用显微镜观察一个音符的诞生；时而又突然跳跃到宏大叙事，探讨集体聆听体验的社会学意义。它不提供答案，而是抛出无数个高质量的问题，迫使读者自己去构建属于自己的听觉框架。对于那些习惯了标准传记或技术手册的读者来说，这本“书”可能会带来巨大的阅读阻力，因为它要求的是一种完全的、近乎冥想式的投入，是对既有音乐经验的一次彻底清洗。

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这本书给我带来的感受，是一种强烈的“去语境化”体验。它几乎完全抽离了任何可以锚定其历史或文化背景的指征。你无法判断这些文字是写于上个世纪，还是刚刚完成的最新思考。它讨论的是关于感知、结构、以及人与媒介之间关系的永恒问题，却拒绝采用任何时代赋予它的标签。作者构建了一个极其干净、近乎无菌的理论空间，让读者可以在其中自由地进行思想实验，而不用担心被现实的复杂性所干扰。这种纯粹性是其最引人入胜之处，但也使其读起来倍感疏远。它像一面打磨到极致的镜子，你看到的不是作者本人，而是被无限放大和扭曲的你自己的思维模式。它不属于任何流派，也不试图定义任何流派，它只是存在于那里，作为一个挑战——挑战你是否愿意接受一种完全不被传统学术规范所约束的、极度个人化的认知架构。这是一种既令人疲惫又极度令人振奋的阅读旅程。

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说实话，这本书的阅读门槛高得惊人，它似乎是写给那些已经厌倦了所有既有表达方式的人看的。它对“重复”主题的探讨达到了令人发指的深度。不是那种简单的、循环往复的重复，而是对重复中必然发生的“偏移”和“衰变”的细致描摹。作者似乎坚信，真正的创造力并非诞生于全新的事物，而是隐藏在对既有元素的无限次、微小到几乎无法察觉的变异之中。书中很多段落读起来像是对某种单一概念的无休止的变奏，每次重复都会带来新的维度和新的理解层次，但这种理解总是稍纵即逝，你必须立刻抓住它，因为下一次重复又会将其推向另一个方向。它彻底颠覆了我对“进步”和“发展”这两个词的认知，暗示着在某些领域，真正的探索是向内而非向外。这本书需要被反复阅读，因为它的意义不是线性累积的，而更像是通过多次激发后，在脑海中形成的某种化学反应，每次接触都会稍微改变反应的速率和最终产物。

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