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出版者:Kendor Music

作者:Gordon Delamont

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1990-06

价格:USD 38.00

装帧:Paperback

isbn号码:9789990597394

丛书系列:

图书标签:

• #411.harmony
• #4.music
• 和声
• 现代和声
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• 爵士和声
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• 音乐

《和声的深度探索：超越传统框架的实践指南》 导言：构建一个崭新的听觉景观 本书旨在为那些渴望超越传统和声框架、深入探索当代音乐语言的作曲家、编曲家和音乐理论研究者提供一套系统而前沿的实践工具。我们生活在一个音乐风格日益融合、技术飞速发展的时代，旧有的和声法则已不足以完全解释和指导我们当前的创作实践。本书的焦点不在于对巴赫或申克理论的重复梳理，而是将目光投向二十世纪中叶至今，音乐家们如何解构、重塑并最终创造出具有独特听觉特征的色彩与结构。 我们假定读者已对传统大小调功能和声有扎实的了解，本书将直接切入更复杂、更具拓展性的和声领域，引导您在声音的海洋中精准地锚定目标，并绘制出通往未知声响的航线图。 --- 第一部分：二十世纪和声的遗产与挑战 本部分将回顾并重新审视那些对现代和声产生决定性影响的关键思潮和技术，它们为我们当前的探索奠定了基础。 第一章：调性的解构与重建 我们将深入探讨从德彪西的印象主义到斯特拉文斯基的新古典主义时期，调性是如何被逐步“稀释”和“重构”的。重点分析以下几种关键技术： 1. 全音阶、五度圈与八度音程的并置： 探究作曲家如何利用这些音阶来模糊调性中心，并创造出一种漂浮、非定向的听感。我们将通过具体的乐例，解析如何将全音阶和弦（例如，由三个或四个全音音程构成的和弦）融入到更宏大的织体中，而不使其听起来过于突兀或随机。 2. 模态和声的回归与异化： 区别于中世纪调式，现代模态和声常常与复杂的三度堆叠结合使用。本章详细分析了多利安调式、弗里吉亚调式等在爵士乐和电影配乐中如何被“充电”，使其具有比传统大调更丰富的色彩和紧张感。我们将研究如何系统地构建包含调式音级（如低音区的升四度或降二度）的七和弦或九和弦。 3. 多功能和弦（Polytonality）的结构性应用： 探讨如何实现两个或更多调性中心的有效并置，而非仅仅是随机的交替。重点在于建立清晰的听觉层次，例如，一个稳定的低音持续音（Pedal Point）支撑着上方一个高度不协和的对位结构。 第二章：十二音体系的实践应用与突破 十二音技术并非仅仅是“避免重复”，它是一种组织声音的严密逻辑。本章将超越序列主义的机械操作，关注其在不同音乐语境中的情感表达潜力。 1. 非传统排列与音组的创建： 探讨如何构建具有内在结构倾向的音列（例如，包含特定五度或三度关系的音列），以及如何使用非标准转换（如反转、倒影的组合）来生成丰富多变的和声背景。 2. 序列和声的色彩化： 分析如何通过对音列的不同“切片”来生成和弦，并利用音域分配（Register Doubling）来赋予这些序列和弦特定的声部色彩，使其在听感上更接近于调性或模态和声，而非抽象的数学结构。 --- 第二部分：当代和声语言的构建模块 这一部分是本书的核心，聚焦于非三度构建的和声，以及如何将它们系统地整合到复杂的音乐叙事中。 第三章：四度音程的和声逻辑 四度堆叠的和声，源于对五度圈的逆向思考，构成了现代和声中极具辨识度的“厚重感”和“空间感”。 1. 正四度和弦（Quartal Harmony）的构建与解决： 详细解析如何从两个音开始，系统地向上或向下堆叠纯四度或增四度音程，形成三和弦、七和弦、九和弦乃至更复杂的结构。我们将研究其在特定调性背景下（如利底亚调式或混合调式）的稳定性和功能性。 2. 泛音列与四度关系的联系： 将四度体系与自然泛音列的低阶部分进行对比，论证其在听觉上为何能提供一种比三度堆叠更“开放”和“悬浮”的质感。 3. 反向四度和弦（Clusters）的细微区分： 区分由紧密排列的相邻音（如半音或全音）构成的集群音响（Cluster Chords）与由四度构建的宏大和弦之间的区别，并探讨两者在张力释放上的不同效果。 第四章：非音级导向的和声组织（Set Theory in Practice） 本章引入集合理论（Set Theory）的概念，将其转化为实际的作曲工具，用于描述和操作非传统音高集合。 1. 音高类（Pitch Class）与集合的识别： 解释如何使用最简形式（Normal Form）来识别和分类和弦，这有助于作曲家理解两个看似不同的和弦在结构上是否具有内在联系。 2. 等音高集合（Equivalence Classes）的生成： 重点在于“类集”的运用。我们将演示如何系统地生成具有相同音高集合但不同排列顺序的和弦，从而在保持结构一致性的同时，实现和声色彩的动态变化。例如，如何从一个特定的“类集”中提取出既可作为调性七和弦，又可作为无调性八度和弦的音高组合。 3. 集合的转换与连接： 探讨如何通过最小音高变动（例如，只移动一个音的半音）从一个集合平滑过渡到另一个功能相似或形成对比的集合，实现复杂的和声“迁移”。 --- 第三部分：和声在宏大结构中的整合与动态 和声不仅仅是单个和弦的选择，更是声音在时间维度上如何展开、对比和演变的问题。 第五章：和声的“密度”与“透明度”控制 本章关注的是对和声体验的感知层面，即如何通过声部配置和音区来塑造听者的心理感受。 1. 密度曲线的绘制： 讨论如何通过系统地增减音符数量、改变声部间的音程关系（例如，从紧密排列的三度扩展到稀疏的四度和五度），来控制音乐段落的能量和重量。 2. 音区移动与色彩转换： 深入分析高音区、中音区和低音区对和声感知的影响。例如，同样的三和弦，将其置于极高音区和极低音区，其“功能性”和“色彩倾向”会发生根本性的改变。我们将提供技术指导，用于设计精准的音区“跳跃”和“渐变”。 3. 噪音与非音高元素的整合： 探讨如何将打击乐器、刮奏、噪音效果等非传统元素融入到和声织体中，视其为具有特定音高集合特征的“宽音程集群”，从而拓宽和声的表现范围。 第六章：和声的“动机化”与“形式驱动” 成功的现代和声处理必须服务于整体的音乐形式和动机的发展。 1. 和声片段（Motive）的提炼： 如何从一个微小的音高集合（通常是三到四个音）开始，通过系统性的扩展、旋转和变形（如节奏化、变奏、高低音区置换），构建出一个贯穿全曲的和声“母题”。 2. 和声的“进程”而非“进行”： 区别于传统的功能进行，现代和声更依赖于“进程”——一种基于结构相似性或音高集合转换的逻辑流。我们将分析如何使用集合理论中的转换规则（如Transposition, Invariance）来组织一个长段落的和声序列，确保其听觉上的连贯性和发展性。 3. 张力的“累积”与“爆发”的结构设计： 运用不同和声体系（如从模态到集合到集群）的交替，设计音乐的张力曲线。重点是如何在结构的高潮点，引入一种听觉上完全“陌生”的和声语言（如极度密集的集群），并设计其回归到相对稳定（但依然现代）和声状态的路径。 结语：通往个人风格的桥梁 本书提供的是一套结构化的思维框架和一套强大的工具箱。真正的创新来自于对这些技术的深刻理解后，如何以独特的视角将其融入您的个人声音叙事中。和声的未来，在于您对这些抽象原则的具身体验和创造性运用。愿这些理论能激发您构建出前所未闻的音乐世界。

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这本书的封面设计简洁却富有冲击力，那种深邃的靛蓝色背景配上银灰色的字体，立刻就给人一种专业而又不失现代感的印象。我是在网上看到推荐，说它在和声学领域有独到见解，抱着试试看的心态买的。拿到手沉甸甸的，纸张的质感也相当不错，装帧很考究，显然是为严肃的学习者准备的。翻开目录，我首先被其宏大的结构所吸引，它似乎不仅仅停留在传统的和声分析层面，更着眼于如何在当代音乐语境下重塑和声语言。我尤其期待其中关于“非传统调性”和“色彩和声”的那几个章节，因为我最近在尝试一些爵士和电影配乐风格的创作，感觉现有的教材对于那些微妙的色彩变化描述得不够深入。书中的图表和示例似乎也经过精心挑选，没有那种陈旧的、只适用于十九世纪浪漫主义作品的刻板例子，这一点让我非常满意。阅读初期的感受是，作者的思路非常清晰，虽然主题是高深的理论，但行文逻辑严密，没有让人感到晦涩难懂的“黑话”，更多的是引导性的思考。这本书无疑为我的音乐理论学习提供了一个全新的维度，它更像是一份探索现代音乐声音结构的路线图，而不是一本简单的参考手册。

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这本书的装帧设计其实是它最大的“伪装”。初见之下，它那近乎教科书式的、略显严肃的版式，可能会让人望而却步，误以为这是一本枯燥乏味的学术专著。然而，一旦深入阅读，我才发现其核心内容充满了对音乐声音的狂野想象力和对传统束缚的大胆突破。我特别喜欢它对于“空间和声”概念的引入，这部分内容似乎在暗示，和声的维度早已超越了左右声部的线性流动，而进入到三维乃至多维的声场构建之中。作者似乎并不满足于解释“为什么A和弦后接B和弦听起来不错”，他更进一步探讨了“在什么样的声场环境中，这个和声的特定色彩才能被最大化地激发出来”。这种对听觉环境和物理声学的关注，使得整本书的理论体系更加完整和富有生命力。对于那些厌倦了重复嚼舌根的传统和声理论，渴望在声音探索的边缘地带找到立足点的音乐人来说，这本书无疑是一次激动人心的冒险邀请。

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说实话，这本书的阅读体验是一种“慢热”的过程。它绝不是那种可以让你在通勤路上快速浏览一遍的书籍，更像是一部需要被反复咀嚼和消化的哲学论著。我发现自己经常需要停下来，不是因为我没听懂作者在说什么，而是因为作者提出的观点过于精辟，让我不得不停下来反思自己过去几十年建立起来的音乐认知框架。比如，书中对“半音阶外进行”的解析，摒弃了传统的转调思维，转而从音高校的几何分布来解释其听感效果，这种全新的视角让我醍醐灌顶。我在尝试用这些新的和声逻辑来分析一些我一直觉得“难以捉摸”的现代室内乐作品时，突然间豁然开朗，那些原本杂乱无章的音响簇，此刻都有了清晰的内在逻辑。这本书的语言风格带着一种老派学者的严谨，但又时常闪烁着对音乐无限热爱的光芒，读起来既有挑战性，又充满了发现的乐趣，绝非一般的工具书可以比拟。

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我花了整整一个周末的时间，沉浸在这本乐理巨著的海洋中，感觉自己的听觉系统仿佛被重新校准了一遍。这本书最让我震撼的地方，在于它对“功能性”的重新定义。传统的和声学总是在强调主、属、下属的严格关系，但这本书似乎在说：“规则是用来打破的，前提是你得先彻底理解它们是如何运作的。”我尤其欣赏作者在探讨密集和弦结构时所采用的类比手法，他将复杂的音响堆叠比作建筑学的结构力学，这种跨学科的视角极大地帮助我把握了声音的“张力”与“释放”。阅读到关于“模态调性和声”的部分时，我甚至不得不暂停下来，拿出钢琴反复试验那些书中提出的特定音程组合，那种前所未有的听觉体验，几乎让我对许多我过去认为理所当然的“优美”和声产生了质疑。这本书的排版也十分人性化，关键术语都有加粗或斜体突出，并且在页边留出了足够的空白区域供读者手写笔记和演算，这对于深入研究者来说是极其重要的细节，体现了出版方对学术严谨性的尊重。

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坦白说，我最初是被这本书在学术圈内极高的评价所吸引的。作为一名在音乐学院工作了多年的教师，我深知市面上很多“新和声”书籍往往是挂羊头卖狗肉，空有新潮的口号，内容却空洞无物。然而，这本书完全颠覆了我的固有印象。它没有回避复杂的数学模型和声学原理，而是将其融入到对听觉心理的分析中，使得冰冷的技术拥有了艺术的温度。我非常欣赏作者在论述“不协和音的接受度”时，引用了大量的二十世纪中叶以来的具体作品案例，这些案例的选择非常具有代表性，涵盖了从序列主义到极简主义的多个流派，这保证了理论的适用性和前瞻性。更值得称赞的是，书中对于如何将这些高深理论转化为实际的作曲技巧，提供了详尽的步骤和练习，这些练习的难度设置循序渐进，但绝不流于肤浅，每一项都要求学习者付出真正的思考和努力。对于想要突破自己创作瓶颈的专业人士而言，这本书绝对是不可多得的“内功心法”。

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