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出版者:上海音乐

作者:(美)南希·巴屈斯|译者

出品人:

页数:128

译者:张漪

出版时间:2008-5

价格:45.00元

装帧:

isbn号码:9787807512554

丛书系列:钢琴名作演奏指导

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好的，以下是关于一本假设图书的详细简介，该书名为《爵士乐的和声与即兴：从基础到前沿实践》。 --- 爵士乐的和声与即兴：从基础到前沿实践 作者： [此处可填写一位虚构的资深爵士乐教育家或演奏家姓名] 出版社： [此处可填写一家虚构的专业音乐出版社名称] 定价： [此处可填写一个合理的定价] 内容概要 《爵士乐的和声与即兴：从基础到前沿实践》是一部系统、深入且面向所有热爱爵士乐、渴望提升即兴演奏技巧和和声理解能力的音乐人所撰写的权威指南。本书旨在架起理论知识与舞台实践之间的桥梁，带领读者循序渐进地掌握二十世纪以来爵士乐演变的核心和声语言和即兴思维模式。全书共分为五大部分，近四十个章节，内容覆盖了从最基础的爵士和弦构成到复杂的前沿作曲与即兴策略。 本书的撰写风格注重实用性与深度兼顾，避免了过于晦涩的学术术语堆砌，而是通过大量的乐例、录音参考以及具体的练习方法，确保读者能够将所学知识迅速内化并应用于自身的演奏之中。无论您是古典音乐背景希望拓展视野的钢琴家、萨克斯风手，还是致力于成为专业爵士乐手的学生，本书都将是您案头不可或缺的工具书。 第一部分：爵士和声的基石——从布鲁斯到摇摆乐（Swing） 本部分聚焦于爵士乐的根源和核心语法。我们首先回顾了布鲁斯（Blues）在爵士乐中的不可替代性，详细解析了十二小节布鲁斯的和声变化、变体（如布鲁斯音阶、五声音阶在即兴中的应用），并引入了爵士乐特有的节奏处理——摇摆律动（Swing Feel）的细微差别。 重点内容包括： 七和弦的构建与功能：大七、小七、属七、属七减五、属七加九等核心和弦的精确指法和在标准曲（Standards）中的功能性分析。 和弦内音与外音：如何在旋律线上有效利用和弦的根音、三音、五音、七音，以及如何巧妙地引入经过音、装饰音和悬挂音（Sus Chords）。 替代和弦的初探：介绍属七和弦的二级替代（Tritone Substitution）概念，为后续更复杂的和声替换打下基础。 节奏与乐句的结合：如何将所学的和声知识转化为具有律动感的乐句，强调“少即是多”的原则。 第二部分：中期的变革——比波普（Bebop）的和声复杂化 进入二十世纪四十年代，比波普的出现彻底改变了爵士乐的结构。这一部分将深入剖析比波普时期和声的密度和速度，这是现代爵士乐即兴技巧的真正起点。 和弦扩展音（Upper Extensions）的运用：详细解释九音、十一音、十三音，特别是11和b13在不同功能和弦上的具体作用与听感。 经过和弦与导音和弦：系统学习如何使用二级-五级（ii-V-I）进行连接，包括其延伸链条（如ii-V-ii-V）的构建。 和弦内音与音阶的对应：针对每一种七和弦，列出适用的音阶（如混合利迪亚、调式降七音音阶等），并提供清晰的指板图示。 目标音策略（Targeting Notes）：不再仅仅是顺着音阶流动，而是学习如何预判和强调特定小节中最具色彩的音符，这是提升比波普即兴清晰度的关键。 第三部分：色彩与空间——调式爵士乐的兴起与实践 从迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的《Kind of Blue》开始，爵士乐进入了调式（Modal）阶段，强调横向的音阶探索而非纵向的和声运动。本部分是本书最具创新性的实践指导之一。 调式和声的深度解析：详细介绍七大调式（如多利亚、弗里吉亚、利迪亚等）的性格、音高构成及听感，并辅以相应的和弦进行范例。 “静态和声”下的即兴：如何在一个和弦（如D Dorian）上维持数个小节的张力，通过节奏变化、动机发展和音色控制来驱动音乐的进行。 音阶的垂直与水平运用：探讨在调式背景下，如何运用横向的音阶琶音技巧来创造流畅的旋律线，并使用和弦内音群来增加色彩对比。 和弦色彩的细微调整：介绍如何通过微小的变化（如将maj7改为maj9，或在Dmin7上加入11）来为单调的调式和声增添微妙的层次感。 第四部分：后比波普时代的和声探索与替代技巧 本部分带领读者进入更具实验性和技术挑战性的领域，涉及从硬波普到现代爵士的演变。 复杂的和弦替代：深入钻研三全音替代（Tritone Substitution）的原理、实际应用及如何使用它来创造更强烈的解决感。学习如何使用减七和弦（Diminished Chords）进行和声连接。 和弦内音色彩的重新分配：探讨如何通过强调和弦中的不稳定音（如b9, 9, b5）来制造“紧张——释放”的循环，这是当代爵士钢琴大师们的常用手法。 旋律重构与节奏位移：介绍如何将既有的旋律（Head）进行节奏上的切分、拉伸或压缩，以适应新的和声背景，是提升乐句独创性的重要手段。 基于节奏组（Rhythm Section）的互动：强调在即兴时如何倾听贝斯手和鼓手的暗示，并即时调整和声色彩和节奏切入点。 第五部分：即兴思维的构建与专业实践 最后一部分将理论知识整合为一套可操作的演奏和学习系统，关注演奏者的整体音乐性。 动机发展（Motivic Development）：强调即兴并非随机音符的堆砌，而是围绕一至两个核心音乐动机进行发展、变形和递归的过程。提供了详细的“模版”练习。 曲目学习的系统方法：提供一套标准的学习流程，包括听辨、扒带（Transcribing）、和声分析、旋律即兴练习、以及在不同速度和调性下进行演奏的训练计划。 演奏中的声音与音色：讨论了乐器选择、触键力度（Articulation）、乐句的“呼吸”控制（Phrasing）在爵士乐中的决定性作用。 录音棚与舞台的准备：提供关于如何进行有效的乐队排练、如何理解和演奏“Chart”（简化谱面）以及在现场演出中保持专注力的实用建议。 本书特色 1. 理论与实践的无缝衔接：所有复杂理论点均配有至少两个清晰的、可立即演奏的实际乐例。 2. 跨乐器适用性：和声分析基于钢琴键盘布局，但即兴技巧（如音阶跑动和琶音）对所有旋律乐器演奏者均适用。 3. 详尽的推荐曲目清单：附带超过百首经典曲目的和声分析标签，引导读者进行有针对性的听力训练。 4. 配套在线资源：购书者可访问专属网站获取所有乐例的音频伴奏文件（包括慢速、中速和常速版本），以及部分关键段落的作者亲自示范音频。 《爵士乐的和声与即兴：从基础到前沿实践》不仅是一本教科书，更是一位经验丰富的导师，它将陪伴您穿越爵士乐的黄金时代，直至当代最新的声音实验，助您真正掌握这门复杂而迷人的艺术形式。

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我是一位对钢琴演奏史颇有研究的业余爱好者，通常我更倾向于阅读学术性的研究专著，但这次的阅读体验非常不同。这本书的最大特点在于它非常“实用主义”，它不沉溺于对理论的过度阐述，而是始终将焦点锁定在“如何让演奏更好听、更符合时代精神”这一核心目标上。我特别留意了其中关于和声进行在钢琴演奏中的“听觉处理”部分。例如，在处理终止式前的和弦进行时，它详细解释了如何通过轻微的延迟或重音的巧妙分配，来增强解决时的满足感，这远比教科书上简单标注的“强拍重音”要复杂而微妙得多。它似乎有一种魔力，能将那些抽象的音乐理论知识，直接转化为手指可以执行的具体动作和听觉上的预期效果。这本书不愧为名作演奏的指南，它成功地架起了历史的桥梁，让千年以来的音乐智慧，通过现代的钢琴键盘，得到了最清晰、最有力的再现。对我而言，这不仅仅是一本练习辅助工具，更是一部精美的、可供反复研读的演奏圣经。

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这部乐谱集简直是音乐学习者的福音，尤其对于那些对巴洛克和古典时期的键盘音乐怀有深厚感情的人来说，它无疑是案头的必备良典。我记得我初次翻开这本书时，就被那种严谨而又充满人文关怀的编排深深吸引了。它不仅仅是简单地将乐谱堆砌在一起，而是像一位经验丰富的导师，耐心地为你拆解那些看似高不可攀的演奏难点。书中对于指法安排的考量，可以说是极其细致入微，很多我过去因为不熟悉当时键盘特性而感到困惑的地方，在这里都能找到清晰的解答。比如在处理莫扎特奏鸣曲中的某些快速音群时，作者提供的几种替代性指法，极大地拓宽了我的演奏思路，让我不再拘泥于单一的思维定势。更让我欣赏的是，它对踏板使用建议的谨慎态度，这种克制感正是古典时期音乐精神的体现，它提醒演奏者，音乐的美感往往蕴含在音色的干净与清晰之中，而非一味地追求浑厚或模糊的音响效果。阅读这些导读文字，仿佛能感受到作曲家身处的时代背景，历史的厚重感与音乐的灵动性在此刻完美交融，让人对作品的理解上升到了一个新的维度。

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这本书的排版和印刷质量也值得称赞，纸张的质感很好，在长时间的阅读和翻阅中，眼睛不会感到疲劳。但真正让我爱不释手的是它在处理“情感表达”与“历史还原”之间的平衡艺术。古典时期的音乐，其情感表达是含蓄而克制的，与浪漫主义后期的奔放截然不同。作者在指导如何表现某个乐章的“悲伤”或“喜悦”时，总是会回到当时的社会文化背景，提醒我们，那个时代的“悲伤”可能只是一声轻微的叹息，而不是如歌剧般的大开大合。这种基于时代语境的演奏指导，避免了现代人将过多个人情绪投射到古典作品中的倾向。我尝试用书中建议的“内敛式力度”去处理几段慢板，效果惊人——音乐变得更加精致、更加富有贵族式的优雅，每一个音符都像是经过精心打磨的宝石，闪耀着低调而持久的光芒。这本书，与其说是一本技术手册，不如说是一份深入古典音乐灵魂的“文化导览”。

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说实话，我一直对那种故作高深的音乐分析理论感到畏惧，但这本书的文字风格却出乎意料的平易近人。它成功地将深奥的音乐学知识，转化成了钢琴学习者可以立刻在键盘上实践的技巧。尤其让我眼前一亮的是它对速度（Tempo）与韵律（Rhythm）之间辩证关系的论述。在巴赫的作品中，我们常被要求保持一种恒定的驱动力，但到了古典时期，尤其是遇到那些带有即兴色彩的小快板时，如何进行微妙的速度微调而不破坏整体的结构美，一直是困扰我的难题。这本书提供了一套系统的、可操作的“微调指南”，它强调了节奏的精确性是自由发挥的基础，而不是相互矛盾的对立面。这种强调内在逻辑的讲解方式，让我对古典音乐的严谨性有了更深层次的敬畏。每次合上书本，都感觉自己的“耳朵”被重新校准了一遍，对音准和节奏的敏感度都有了显著提高，这对于任何级别的钢琴学习者来说，都是无价的财富。

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我最近在练习海顿的一些小品时，常常感到力不从心，尤其是在保持乐句的连贯性和呼吸感方面遇到了瓶颈。朋友向我推荐了这本探讨古典时期钢琴作品的演奏指南，我抱着试试看的心态入手了。这本书给我的最大惊喜在于它对“触键”的哲学性探讨。它没有给出标准答案，而是引导你去思考不同力度下琴弦被击打的物理过程，以及这种物理变化如何转化为听觉上的情感表达。我特别喜欢其中关于力度变化（dinamica）处理的章节，它用非常形象的比喻，将音量的渐强和渐弱描述成情绪的起伏，而不是冰冷的记号指示。这种描述方式非常贴近音乐家的直觉感受。此外，书中对织体层次的分析也极具洞察力，如何在保持低音声部稳定性的同时，让旋律声部如歌唱般突出，这在许多看似简单的练习曲中都得到了深刻的阐释。读完相关章节后，我再去弹奏那些作品，感觉手指下的声音仿佛有了生命，不再是机械的重复，而是真正意义上的“对话”。

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very beautiful

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