Mei Lanfang yi shu lun ping (Xi ju cong shu) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Qian hua chu ban gong si

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1991

价格:0

装帧:Unknown Binding

isbn号码:9789576241536

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• 梅兰芳
• 京剧
• 戏曲
• 艺术
• 论评
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• 戏曲理论

梨园瑰宝的艺术群像：《梅兰芳艺术论评（戏曲丛书）》以外的京剧史与艺术探索 导言：京剧的时代脉络与艺术传承 京剧，作为中国戏曲的集大成者，其发展历程是一部波澜壮阔的艺术史诗。它不仅仅是一种舞台表演形式，更是中华民族审美情趣、哲学思想和历史记忆的载体。当我们探讨京剧艺术时，必然要触及诸多里程碑式的人物、流派纷呈的艺术风格以及伴随社会变迁而产生的深刻变革。 虽然《梅兰芳艺术论评（戏曲丛书）》聚焦于一代宗师梅兰芳的艺术成就及其在特定历史时期的影响，但京剧的宏大叙事远不止于此。本书旨在提供一个更广阔的视角，审视京剧艺术在梅先生光芒之外，那些同样璀璨夺目的艺术探索、流派纷争的脉络，以及支撑其体系化发展的理论基础和舞台实践。我们将把目光投向京剧的“前梅时代”、“后梅时代”，乃至当下的创新实践，勾勒出一部丰满而立体的京剧艺术图景。 第一部：徽班进京与京剧的“前世今生”——从皮黄到京腔的奠基 京剧的诞生，是多种地方戏曲艺术相互融合、最终定型的结果。在梅兰芳登台亮相之前，京剧艺术的“胚胎期”经历了漫长而关键的演化。 一、声腔的熔铸：花部乱弹与徽汉合流 京剧的雏形，离不开乾隆年间“四大徽班进京”的历史事件。徽班以其高亢激昂、贴近民间审美的“徽调”为基础，与当时在北京已具影响力的汉调相互激荡、学习与融合。这一时期，京剧的骨架——皮黄腔（西皮、二黄）开始形成。本书将深入分析皮黄腔的结构特点，探讨它如何吸收了昆曲的婉约细腻、弋阳腔的粗犷有力，最终在北京的土壤上生根发芽。 重点研究对象包括早期著名艺人如程长庚、老猴王杨月のかもし（未形成今日所理解的“猴戏”体系，但已有雏形），他们如何将不同的声腔元素进行“化合反应”，构建出京剧最初的程式化表演框架。这不仅是音乐的结合，更是审美趣味的重塑。 二、文武场的“集成”与舞台技术的萌芽 京剧的艺术魅力，一半在于唱念做打，一半在于文武场的烘托。在梅兰芳时代，京剧的乐队配置已趋于成熟，但在早期，乐队编制经历了从简到繁、从地方到规范化的过程。 本书将详细梳理京剧伴奏中主要乐器（京胡、月琴、三弦、铙钹、大锣等）的引入时间、作用演变及其在不同腔调中的运用差异。同时，早期的武戏和“武生”行的发展，对舞台上翻打技巧的规范化提出了更高要求，形成了一套早期的“武功规范”，为后来的武生泰斗奠定了基础。 第二部：群星闪耀——流派艺术的多元构建与竞争 京剧艺术的繁荣，在于其高度个性化的“流派”体系。梅兰芳的“梅派”固然光耀千古，但京剧的生命力更在于与其他几大主要流派的相互映照、彼此促进。 一、谭派与马派：旦角艺术的另一种可能 在旦角领域，除了梅派的“雍容华贵、气韵生动”，谭鑫培之徒谭富英所代表的“谭派”以其醇厚、质朴、注重“韵”而非纯粹的“美”的风格，形成了鲜明的对比。本书将剖析谭派在老生和青衣中的表现手法，尤其是在诠释传统剧目时所体现出的对老派遗风的继承与发展。 同时，马连良所创立的“马派”以其“文武兼备、腔圆腔扁、讲究气口”的特点，在艺术上开创了对西皮二黄腔体结构进行精细化处理的新路子。马派对旋律和板式的处理，为后来的京剧伴奏和演员的咬字吐音提供了新的范本。 二、老生三巨头的艺术分野：余、杨、周的并峙 京剧的“骨干”在于老生行当。余叔岩、杨小楼和周信芳（虽然周的艺术更偏向“麒派”，但其与京剧的渊源深厚）代表了不同方向的极致探索。 余叔岩的“余派”以其对老生唱腔的典雅化、规范化和“气口收放自如”的精微控制著称，是“规范之美”的典范。杨小楼的“杨派”则更多地体现在武生行当，他将武戏的程式化推向了巅峰，其对戏曲美学的“形”的贡献无可替代。 三、武戏的革新与武生艺术的独立：盖叫天与“非凡功力” 京剧武戏的独立发展，是衡量一出戏艺术水准的重要标尺。盖叫天（和后来的周信芳）的艺术实践证明，武戏不仅仅是翻跟斗，而是将武功、戏曲表演和人物情感融为一体的“武戏文唱”。本书将侧重分析盖派艺术如何将南派武功的刚猛与北派的矫健相结合，以一种极具张力的舞台呈现，为京剧的艺术谱系增添了刚劲的一笔。 第三部：从传统到现代——京剧体制的变革与现代视野 梅兰芳的艺术生涯与新文化运动的浪潮紧密相连，但京剧的现代化探索从未止步。 一、戏曲改良运动的遗产 在梅兰芳登台之前，王钟声、任天池等人已经开始了对旧戏的改革尝试。京剧的现代化转型并非孤立事件，而是受到话剧、西方戏剧理论的启发。我们将探讨改良运动中对剧目结构、舞台调度、服装造型等方面进行的实验性探索，以及这些探索如何被成熟的艺术流派所吸收和消化，最终避免了“西化”的陷阱，保持了民族艺术的内核。 二、新编历史剧与现实题材的开拓 京剧要保持生命力，就必须反映时代精神。20世纪中叶以后，京剧开始大量改编历史剧目，并介入现实题材的创作。这些新剧目，如一些关于近代历史或农民起义的题材，对传统京剧的板式、唱腔、角色设计提出了新的挑战。例如，如何让老生唱腔去表现一个革命者的激昂情感，如何处理传统程式化与写实主义之间的张力，这些都是重要的理论和实践课题。 结语：流派之外的永恒张力 京剧的艺术成就，是无数艺人穷尽一生心血，在“唱、念、做、打”四功中不断磨砺、在程式化与个性化之间寻求平衡的结果。梅兰芳的艺术是高峰，但京剧的艺术群像，是由所有敢于创新、坚守传统的艺术家共同塑造的。本书所探讨的，正是这些散落在历史长河中的光点，它们共同构筑了京剧艺术这座宏伟的殿堂，其艺术的张力与魅力，远超单一的个案研究所能涵盖的范畴。对这些艺术家的探索和研究，是理解京剧整体艺术面貌不可或缺的一环。

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从内容结构上看，这本书的章节编排很有匠心，并非简单的按剧目时间顺序排列。它似乎是按照梅派艺术的不同“维度”来进行拆解和分析的，比如“形体美学”“声腔特色”“服饰意蕴”等，这种分类处理，让读者可以根据自己的兴趣点进行针对性阅读，同时也便于对梅派艺术进行系统性的知识构建。对我这个时间不那么充裕的读者来说，这种结构非常友好。我特别喜欢其中关于“梅派服饰”的探讨，很多评论都忽略了舞台服装的象征意义，但这本书却深入挖掘了梅先生如何通过色彩、刺绣乃至衣料的垂坠感来服务于角色的心理状态。例如，某套特定戏服在不同灯光下的视觉变化，如何巧妙地暗示了人物命运的转折点，这些细节的捕捉，体现了作者极高的观察敏锐度。总而言之，这本书提供了一个多层次、多维度的观察视角，它既满足了我们对梅兰芳这位艺术巨匠的崇敬之情，又以严谨的学术态度和生动的叙述方式，引领我们走进中国戏曲艺术的深层结构，是一部值得反复品读的佳作。

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这部戏曲评论集读下来，真是让人对梅兰芳先生的艺术造诣有了全新的认识。我本来以为这只是部传统的艺术鉴赏书籍，没想到作者的笔触如此细腻而又富有洞察力。书中对于梅派艺术的“神韵”探讨，绝非泛泛而谈，而是紧紧抓住那些最微妙的舞台瞬间进行深入剖析。比如，对某出经典剧目中一个眼神、一个水袖的处理，作者都能描绘得如同亲临现场，让人仿佛能感受到舞台上的那股电流。特别是对梅先生在不同历史时期对同一角色的诠释演变，那种与时俱进的艺术探索精神，令人肃然起敬。这本书的厉害之处在于，它没有沉溺于对梅先生生平的罗列，而是真正将笔墨聚焦于“艺术”二字，解构了那些看似天成、实则经过无数次锤炼的表演技巧。读完后，再去听梅派录音或看老影像资料，感觉完全不一样了，仿佛有了一把通往艺术内核的钥匙。对于初涉京剧或对梅派艺术有兴趣的人来说，这本书绝对是一份极佳的入门指南，它用一种既专业又充满热情的语言，搭建起了一座通往大师殿堂的桥梁，让我对中国传统美学的理解又加深了一层。这本书的装帧设计也很有品味，纸张的触感和排版都很考究，阅读体验极佳。

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我通常不太喜欢看太学术化的评论，总觉得枯燥乏味，但这本书的叙事节奏把握得非常好。它像是一部精心编排的戏曲段子，张弛有度，高潮迭起。最让我惊喜的是作者对“情感表达”这一抽象概念的具象化描述。京剧表演中的“情”是最难言传的，很多评论家只能用“绝妙”“传神”这类词汇一笔带过。然而，这本书里对梅先生如何通过“手眼身法步”来层层递进地释放角色的内心矛盾，描述得极为细致入微，让人仿佛能听到角色内心的独白。譬如对《霸王别姬》中虞姬“舞剑”一幕的分析，作者没有过多渲染悲剧气氛，而是聚焦于那几秒钟的“犹豫”与“决绝”之间的挣扎，通过对身段的解析，将那种深沉的、压抑的爱与痛展现得淋漓尽致。这种将“无形”化为“有形”的功力，不得不让人叹服。阅读过程中，我的脑海中不断浮现出梅先生的经典剧照，但这一次，我看到的不再是静止的画面，而是蕴含着巨大能量的动态瞬间，这本书成功地激活了我的想象力和共情力。

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这本书的论述方式，简直就是一场精彩绝伦的辩论，它没有试图把梅兰芳塑造成一个不食人间烟火的“神像”，反而充满了对艺术创作过程的“人间化”解读。作者似乎花了大量时间去研究梅先生的排练笔记和早期访谈记录，将那些被光环掩盖的幕后艰辛和抉择清晰地呈现了出来。我尤其欣赏其中对于“中西合璧”这一议题的探讨。许多评论往往停留在“梅先生吸收了西方美学”的表面，但这本书却深入剖析了这种吸收是如何服务于中国戏曲本体的，比如在舞台调度和灯光运用上，那种恰到好处的融合，既保留了戏曲的写意，又增强了现代观众的代入感。读到这部分时，我常常停下来思考，艺术的创新果真需要这种勇气和精准的拿捏。书中的某些论点甚至有些“颠覆性”，挑战了一些传统保守的观点，但都提供了扎实的文本支撑和舞台实例来佐证，使得整个阅读过程充满了智力上的交锋和愉悦。这不仅仅是一部评论，更像是一部微型的艺术史，用梅兰芳这一个点，辐射出了整个二十世纪上半叶中国舞台艺术发展的脉络。对于研究戏剧史和美学理论的人来说，绝对是不可多得的参考资料。

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这本书的文字风格非常典雅，带着一种老派文人的韵味，但又丝毫没有故作高深之感，读起来非常流畅。它更像是一位资深戏迷，带着多年沉淀下来的理解，与我们进行一场推心置腹的交流。其中穿插了一些关于梅兰芳先生与同时代其他艺术大家交往的片段，这些侧面描写，为我们构建了一个更立体的艺术生态环境。了解艺术家的成长，不仅要看他自身如何努力，还要看他如何与他所处的时代、他接触的同行进行互动和碰撞。书中对梅先生如何对待他的“对手戏”演员的描述，尤其让我动容。强调了戏曲艺术并非一人之表演，而是整体氛围的营造，这种对合作精神的尊重和强调，在当代艺术圈中显得尤为珍贵。这使得整本书的格局一下子打开了，不再局限于个人艺术的赞颂，而是上升到了对中国传统舞台集体创作精神的弘扬。读完之后，我对京剧的理解不再仅仅停留在“唱念做打”的四大基本功上，更体会到了它背后蕴含的文化责任感和群体美学。

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