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出版者:

作者:李智勇

出品人:

页数:283

译者:

出版时间:2008-4

价格:55.00元

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isbn号码:9787535628268

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珍品鉴赏与收藏指南：陶瓷篇 本书旨在为广大陶瓷爱好者、收藏家以及行业从业者提供一本全面、深入且实用的陶瓷艺术鉴赏与收藏指南。不同于侧重于某一特定类别的专著，本书力求构建一个广阔的视野，系统梳理中国陶瓷自新石器时代至近现代的发展脉络、关键特征、断代标准及市场动态。 第一部分：中国陶瓷艺术的源流与演变 本章将从陶瓷艺术的起源讲起，追溯陶器如何一步步演变为瓷器，并在不同历史时期展现出独特的地域性与时代性风貌。 1.1 史前陶器：文明的序章 仰韶文化与马家窑文化： 重点解析彩陶的纹饰特征，如人面鱼纹、漩涡纹、几何图案的象征意义及其绘制技法。讨论陶器在早期社会生活中的功能定位。 龙山文化与黑陶的极致： 深入探讨蛋壳黑陶的烧制工艺——“秘密制黑法”的原理和难度，分析其薄如纸、黑如漆的艺术成就。 1.2 汉代至南北朝：青瓷的勃兴与过渡 原始瓷器的曙光： 考察从陶到瓷的质变过程，明确汉代青瓷的胎土、釉色特征，以及刻划纹、印花纹的应用。 越窑与邢窑的萌芽： 详细比较南北方瓷器的差异。南方越窑青瓷釉色温润，追求“千峰翠色”；北方邢窑白瓷则以胎质细腻、釉面洁白著称，为后世的“南青北白”奠定了基础。 魏晋南北朝的佛教造像： 专门辟出一节分析这一时期青瓷和白瓷塑像的艺术风格，探讨佛教题材对陶瓷造型和装饰的影响。 1.3 隋唐五代：盛世气象与技术飞跃 唐三彩的绚烂： 细致剖析唐三彩的低温铅釉特性、色彩组合（黄、绿、白为主）以及典型的题材，如骆驼、胡人、侍女等，揭示唐代开放的文化背景。 长沙窑与对外传播： 重点介绍长沙窑的创新——釉下彩技术（铜红釉的应用），以及其产品大量外销（“海上丝绸之路”）的史实证据。 成熟的青瓷体系： 描绘越窑、婺州窑等主流青瓷窑口的成熟技术，包括对铁元素控制的精确掌握，使釉色达到纯净的翠绿色。 第二部分：宋元明清——制瓷工艺的巅峰与转型 宋代被誉为中国陶瓷艺术的“黄金时代”，其审美趋向内敛、含蓄。明清两代则在技术上登峰造极，并在彩绘装饰上达到了极度的繁复与精美。 2.1 宋代五大名窑的审美高度 本书将以近乎专论的篇幅，逐一解析宋代最具代表性的五大名窑，分析其独特的“窑变”美学： 汝窑（官窑）： 聚焦其“天青色”的烧成奥秘，探讨开片（冰裂纹、蟹爪纹）的审美价值，以及其短命却影响深远的地位。 官窑与哥窑： 比较两者在釉色、开片、紫口铁足等方面的异同，深入解析“金丝铁线”的形成机理。 定窑： 强调其覆烧法对器物口沿的影响，以及其“泪痕”和精细的刻花、划花技艺。 钧窑： 讲解铜元素在还原气氛下产生的“入窑一色，出窑万彩”的神奇效果，分析其乳光釉的独特质感。 2.2 元代：青花革命与外来影响 枢府釉的出现： 介绍元代景德镇创烧的卵白釉（枢府釉）及其在官府控制下的生产体系。 青花的成熟与巅峰： 详细论述元青花兴起的原因（苏麻离青料的引人注目），分析其雄浑、饱满的纹饰风格，并辅以图例辨析真伪。 2.3 明代：官窑体系的规范化与彩绘的飞跃 永乐、宣德时期的技术革新： 考察进口苏麻离青向国产平等青（含铁量更低）的过渡，分析永乐甜白釉的温润感。 斗彩的诞生与发展： 深度解析斗彩（釉下青花勾线，釉上低温彩色填色）的复杂工艺，以成化斗彩鸡缸杯为例，探讨其精细之处。 五彩的成熟与青花的定型： 区分五彩（通常指万历时期）与斗彩的区别。着重分析明代中晚期青花“苏麻离青”向“平等青”的过渡，以及不同时期花卉、龙凤纹饰的程式化特征。 嘉靖、万历时期的民间窑口： 介绍德化窑白瓷（“中国白”）的精湛塑像艺术。 2.4 清代：康乾盛世的集大成与晚清的衰落 康熙朝的复苏与创新： 详述康熙时期青花的“五彩缤纷”：乌金釉、洒蓝、以及著名的“康熙克拉克瓷”风格。 雍正时期的精细化与仿古： 探讨官窑在继承中追求的极致的“文人化”审美，对前朝名窑的精准仿制（如仿汝、仿官），以及粉彩的成功应用。 乾隆朝的集大成与繁缛： 分析乾隆时期珐琅彩（原称“洋彩”）的工艺特点，色彩堆垛的立体感，以及纹饰追求的“十美俱备”。 道光、咸丰、光绪的衰退与仿品： 讨论晚清民窑因战乱导致的技术下滑、釉色不正、以及民间大量仿制前朝官窑的现象，为收藏者提供辨识依据。 第三部分：陶瓷鉴赏与收藏实务 本章从实操层面出发，帮助读者建立科学的鉴赏体系和风险规避意识。 3.1 基础要素的考察标准 胎、釉、彩的“三位一体”： 如何通过手感、听音、目测来判断胎土的淘洗程度、釉层的附着力与光泽度。 款识的辨伪： 系统梳理历代官窑、民窑的年款书写格式、字体结构、落款位置，特别提示清代仿款的常见破绽。 器型与时代风格的对应： 结合不同时期的社会审美，分析特定器型（如梅瓶、洗、碗的口沿变化）的时代特征。 3.2 现代收藏的挑战与机遇 市场热点分析： 梳理当代拍卖市场中，宋代极简主义和明清彩瓷的投资趋势。 科学检测的应用： 简要介绍X射线荧光光谱分析（XRF）等辅助手段在矿物成分分析中的应用，帮助爱好者提高鉴定的客观性。 重要藏品对比案例： 通过大量高清细节图，对比真品与高仿品的关键差异点，例如：釉面橘皮纹的自然程度、青花料的凝聚与晕散、以及彩绘的笔触力度。 本书内容结构严谨，图文并茂，旨在成为陶瓷艺术爱好者案头必备的“活字典”和“参谋”。

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这本《古董速查手册》简直是为我这种半吊子爱好者量身定做的宝典！我以前逛古玩市场，看着那些琳琅满目的漆器、瓷器和各种金属工艺品，心里就犯怵。总觉得要鉴别真伪、了解年代，得是科班出身才行。结果入手了这本，才发现它完全不是那种故纸堆里爬出来的晦涩教材。首先，它的版式设计就让人耳目一新，插图清晰，配色沉稳又不失活力。拿在手里翻看，那种触感和重量感就透着一股专业劲儿。我尤其喜欢它在细节处理上的用心，比如介绍清代螺钿漆器的纹饰布局，文字描述往往只是一笔带过，但配图上会用箭头清晰标出关键特征点，对于初学者来说，比死记硬背知识点有效一百倍。我上次在潘家园看到一个据说是康熙的描金戗金屏风，心里打鼓，回家立刻对照书里的“光泽与包浆”一章，发现那件屏风的描金层浮躁得像新补上去的一样，对照书里的老物件图片，那种经过岁月沉淀的温润感是模仿不出来的。这本书没有过度强调估价或投资回报，而是沉下心来教你如何“看”一件器物，如何从制作工艺和材料的细微差异中，触摸到历史的脉络。它更像一位经验丰富的老匠人，耐心地在你耳边低语，告诉你哪些是“门道”，哪些是“陷阱”。对于那些想提升自己“眼力”的普通玩家来说，这书的价值，远超它的定价。

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坦白讲，我最初对这种“速查”类型的书籍是抱有怀疑态度的，总觉得它们为了追求“快”和“全”，必然会在深度上有所牺牲。但这本书对“料器”部分的梳理，彻底颠覆了我的看法。它不是简单地罗列了历代料器的形制，而是深入剖析了不同时期制作工艺对成品视觉效果的影响。比如关于明代仿古玉料器，书里花了专门的篇幅讲解了不同配方下的“酥松感”和“蜡状光泽”的细微区别。这对我来说太重要了，因为料器本身的特性就决定了它容易被高仿，材料的质地往往是鉴别的关键。我记得有一次在一个小拍卖会上，看到一件所谓的“乾隆御用”料器山子，晶莹剔透得有些过分，拿起手电筒看，内部气泡处理得过于均匀和规整，完全没有老物件那种随性而生的随机性。翻开这本书，对照着“气泡与内部结构”的图示，立刻明白了，那件东西的“完美”本身就是最大的破绽。这种由表及里，从材质本身挖掘工艺逻辑的叙事方式，让我感觉自己不再是肤浅地欣赏一件工艺品，而是真正参与到了它被创造和流传的历史过程中。它教会我的不是“是什么”，而是“为什么会变成这样”。

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从一个纯粹的审美角度来说，这本书对“器物之美”的解读，也远超一般工具书的范畴。它不满足于告诉你一个器物是好是坏，而是深入探讨了不同材料在特定历史时期所承载的文化语境。以“珐琅器”为例，它没有把重点放在景泰蓝的蓝釉配方上，而是着墨于清代“铜胎画珐琅”在宫廷与民间的传播路径及其背后的权力象征意义。书中有一段关于乾隆时期西洋传教士带来的“受体影响”，如何改变了传统珐琅的色彩饱和度和线条处理，描述得极为生动。我记得我曾经为了一件色彩略显“西化”的掐丝珐琅小瓶犯愁，总觉得它不像传统作品那样“正宗”。读了这段，我才明白，那种略带异域风情的色彩变化，恰恰是那个时代东西方文化交融的真实物证。这本书教会我欣赏“时代感”，而不是只盯着“标准答案”。它鼓励读者去理解工艺的演变是文化碰撞的结果，让手中的古董不再只是冰冷的物件，而是一部立体的历史文献。这种深层次的解读，让翻阅过程变成了一种享受式的历史沉思。

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这本书的实操性体现在对“损毁与修复”部分的详尽阐述上，这一点恰恰是许多速查手册经常忽略的“硬核”内容。我曾经买过一件民国时期的剔红小件，回家后才发现侧面有一处明显的磕碰和后续的修补痕迹，当时我非常沮丧，觉得这件东西的价值大打折扣。翻阅这本手册的“受损特征与修复手法”章节后，我才恍然大悟。它详细对比了老式“生漆填补”与现代“环氧树脂填充”在光泽度、硬度和边缘过渡上的区别，并且配有显微放大图。我对照着书上的图例，仔细检查了那件小件的磕碰处，发现它的填补材料明显是年代较早的生漆，虽然颜色略深，但其质感与周围的剔红层保持了高度的一致性，这说明修复是在其“历史价值”未被完全固化之前进行的，反而证明了其流传的真实性。这本书没有把修补视为“污点”，而是将其视为器物生命史的一部分，并提供了科学的鉴别方法。这极大地提升了我对“带伤的真品”的正确认识，让我在面对有瑕疵的老物件时，能更冷静、更专业地进行价值判断。

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这本手册的编排逻辑简直是鬼斧神工，它将“漆器”这个庞杂的体系，划分得井井有条，完全没有陷入传统学术著作那种按朝代线性铺陈的枯燥。我特别欣赏它采用的“技法交叉索引”的结构。比如，当你查阅“描金”技法时，它不仅仅告诉你漆器的描金特点，还会立即链接到“珐琅器中的描金工艺对比”以及“不同时期金粉颗粒的粒径分析”。这种跨门类的对比，极大地拓宽了我的认知边界。我过去总把漆器和珐琅器看作是两个完全独立的领域，但这本书巧妙地揭示了它们在审美取向和材料应用上的相互渗透和影响。举个例子，书里对比了清中期官窑珐琅彩器物上那种极其精细的“画工”，与同期的螺钿镶嵌漆器上追求的工整度，它们之间存在着一种隐秘的“官方审美”标准。这种打破学科壁垒的梳理方式，让学习过程充满了惊喜，每次查阅一个知识点，都能顺藤摸瓜地发现好几个相关的、此前未曾注意到的关联性。对于想建立宏观体系的收藏者来说，这种结构比单一的断代史要实战得多。

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