GameGraphicsDesign ドット絵キャラの描き方 (単行本（ソフトカバー）) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:ソフトバンククリエイティブ

作者:瑞穂 わか (著),

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:(2008/2/29)

价格:3,129 （税込）

装帧:

isbn号码:9784797334074

丛书系列:

图书标签:

• ドット絵
• ゲームグラフィック
• キャラクターデザイン
• イラスト
• ゲーム制作
• 初心者向け
• デザイン
• マンガ
• 趣味
• 教本

像素艺术角色设计：从基础到精通的全面指南 本书将带你深入探索像素艺术（Pixel Art）的迷人世界，系统性地教授如何创作出充满魅力和表现力的点阵角色。无论你是初学者，还是希望提升现有技能的资深艺术家，这本书都将是你的得力助手。 第一章：像素艺术的基石——理解与准备 像素艺术，作为一种独特的数字绘画形式，其魅力源于对每一个像素的精确控制与精心布局。本章首先会为你打下坚实的基础。 1.1 像素艺术的历史与现代地位 我们将回顾像素艺术的黄金时代，探究它如何在现代游戏开发、独立动画以及数字收藏品领域中焕发新生。理解其历史背景，能帮助我们更好地把握其设计精髓。 1.2 基础工具与软件选择 选择合适的工具至关重要。本书将详细介绍并对比当前主流的像素艺术创作软件，从专业的Aseprite到Photoshop等通用工具的使用技巧。我们会重点讨论如何设置画布尺寸、选择合适的调色板（Palette）以及理解网格系统的作用。 1.3 像素的语言：分辨率与限制 像素艺术的精髓在于“限制之美”。我们将深入探讨不同分辨率（如16x16, 32x32, 64x64）对角色设计带来的具体影响。如何用最少的像素传达最大的信息量，是本章的核心议题。 1.4 基础几何学与形态构建 在开始绘制具体角色前，我们需要掌握像素层面的基础几何学。如何用方块构建出球体、立方体和圆柱体，以及如何处理边缘的锯齿（Jaggies）问题，确保形态的稳定性和可识别性。 第二章：角色设计的核心要素——比例、姿态与解剖学 一个成功的像素角色，必须拥有清晰的结构和令人信服的动态。本章侧重于角色“骨架”的搭建。 2.1 像素比例的艺术 我们将研究不同风格下的典型比例，例如Q版（Chibi）的夸张比例、写实风格的准确比例，以及JRPG风格的混合比例。掌握如何通过调整头部与身体的比例来赋予角色鲜明的个性。 2.2 人体结构在像素环境中的简化 像素艺术要求对人体解剖进行高度的提炼。本章将指导你如何简化关节、肌肉群和骨骼结构，使其在低分辨率下依然保持逻辑性和可读性。我们会提供多个低分辨率（如8像素高）的人体基础线稿作为参考。 2.3 动态与姿态的捕捉 姿态是角色表达情感和行动的关键。我们将学习如何利用“动作线”（Line of Action）来设计富有张力的静态和动态姿势。重点讲解关键帧（Key Frames）的绘制技巧，以及如何在相邻帧之间自然过渡，避免画面僵硬。 2.4 面部表情的像素化处理 眼睛、嘴巴和眉毛是传达情绪的窗口。如何用极少的像素块来定义这些复杂的情感，例如“惊讶”、“愤怒”或“狡黠”。我们会提供一套标准化的表情符号库供读者参考和演练。 第三章：色彩的魔力——光影、材质与调色板管理 色彩是赋予像素角色生命力的关键元素。本章专注于如何有效地运用色彩理论来增强角色的立体感和氛围感。 3.1 调色板的构建与限制 学习如何从零开始构建一个统一且富有感染力的调色板。我们将探讨不同色相（Hue）、明度（Value）和饱和度（Saturation）的组合对角色风格的影响，并介绍如何有效管理有限的色板数量。 3.2 光照基础与阴影的绘制 本节将深入讲解光照对像素艺术的重要性。我们探讨主光源、环境光和反射光。重点在于如何利用“洋葱皮”（Onion Skinning）技术，精确地放置高光（Highlights）和阴影（Shadows），以塑造体积感。 3.3 材质的表现：从金属到布料 如何让你的像素角色看起来像是穿着皮革、金属盔甲，或是柔软的毛皮？我们将分解不同材质的视觉特征，并展示如何在像素级别上模拟纹理和反光效果。 3.4 阴影投射与环境融合 角色不能脱离环境而存在。学习如何根据场景光源，绘制出准确的自身阴影和投射阴影，使角色完美地融入其所处的背景之中。 第四章：细节的打磨与风格化进阶 当基础结构和色彩都确定后，我们需要专注于那些让角色脱颖而出的微小细节。 4.1 描边（Outlines）的运用与取舍 描边的粗细、颜色选择以及有无描边，极大地影响了角色的视觉风格。本章分析何时使用深色描边、何时使用颜色对比法（Color Dithering）代替传统描边，以实现更柔和或更硬朗的边缘效果。 4.2 抖动（Dithering）技术的深度应用 抖动是像素艺术的标志性技术之一。我们将分类讲解棋盘式、条纹式等多种抖动图案，并指导读者如何利用抖动来平滑颜色渐变，模拟复杂的纹理，以及创造独特的光效。 4.3 配饰与服装的像素化设计 帽子、武器、披风等配饰是角色个性的延伸。如何用像素有效地表现头发的飘逸感、盔甲的厚重感，以及布料的褶皱。本节提供大量服装元素的模块化设计思路。 4.4 动画的初步概念：角色“活”起来 虽然本书主要聚焦于静态设计，但设计时必须预留动画的可能性。我们将介绍角色在待机（Idle）、行走（Walk Cycle）和攻击（Attack）动画中最需要注意的帧数和过渡点，确保设计具有动画适应性。 第五章：项目实战与风格探索 通过实战项目，巩固前述所有知识点，并鼓励读者探索属于自己的视觉语言。 5.1 完整角色设计流程演示 从概念草图到最终定稿，本书将完整演示一个中等分辨率（如32x32）奇幻角色的设计过程。每一步骤都会配有详细的文字说明和时间轴参考。 5.2 跨平台风格模仿与再创造 分析经典游戏作品中的像素风格（如早期洛克人、最终幻想VI、当代独立游戏），并指导读者如何拆解其风格元素，并将其应用到自己的原创角色上。 5.3 角色与世界观的统一性 一个好的角色设计必须服务于其所在的世界观。我们将探讨如何根据科幻、中世纪、赛博朋克等不同主题，调整角色的色彩倾向、材质选择和整体比例，确保视觉上的高度一致性。 5.4 进阶挑战与未来方向 本书最后将提出一系列进阶练习，例如绘制多角度视图、设计角色变体，以及探索更高分辨率下的像素表现力，引导读者持续精进技艺。

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这本书的插图范例和视觉辅助材料的丰富程度，简直超出了我的预期，它真正做到了“百闻不如一见”。不同于那些只有简单线条图的教程，这里的每一步骤都配有详尽的对比图和局部放大图，颜色之间的微妙变化，以及像素点是如何影响整体形态的细微差别，都被捕捉得一清二楚。更棒的是，它似乎没有局限于某一种特定的像素风格，而是横跨了多种主流美学方向，从清新的日式 RPG 角色到硬核的横版动作游戏剪影，都有所涵盖。这不仅是提供了“如何做”的答案，更是提供了“可以怎么做”的无限可能性的启发。这些视觉上的盛宴，不仅是学习的材料，更成为了我电脑桌面上时常更换的灵感壁纸，不断地在潜移默化中激发我的创作欲望。

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这本书的语言风格是其最令人印象深刻的特点之一，它成功地在“严谨性”与“亲和力”之间找到了一个完美的平衡点。作者的文字表达清晰、精确，用词专业到位，确保了技术指导的准确无误。然而，它却奇妙地避开了学术论文般的冷漠感，反而充满了创作者特有的热情和幽默感。阅读过程中，我时常会感受到一股鼓励人心的力量，仿佛作者就在身边，用他自己的经验告诉你：“是的，这很难，但你绝对可以做到！” 这种亦师亦友的语调，极大地降低了学习的心理门槛。它不像某些教程那样高高在上，而是真正地蹲下来，与读者进行平等的交流。这种温度感的文字，使得那些原本可能令人望而生畏的技术细节，也变得平易近人和充满探索的乐趣。

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这本书的整体装帧和印刷质量简直是业界典范，这一点对于需要反复查阅和实践的工具书来说至关重要。内页纸张的选择非常考究，它既能很好地承载丰富的色彩表现力，又不会因为反复翻动而迅速磨损。我尤其欣赏它的开本设计，拿在手里既有分量感，又方便在绘图桌前摊开阅读，不会因为书本过大而占据过多空间，也不会因为过小而显得局促。装订工艺也十分牢固，即便我经常将它夹在其他参考资料中间，或者带着它去咖啡馆进行“移动学习”，它依然保持着完美的状态，书脊没有出现任何松动的迹象。这种对细节的执着，体现了出版方对创作者群体的尊重。毕竟，工具书是伴随我们成长的伙伴，它们的耐用性和易用性直接影响到学习的效率。这本书在物理层面上所展现出的专业性，无疑让它在众多同类书籍中脱颖而出，成为我书架上最值得信赖的伙伴之一。

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这本书的封面设计着实吸引眼球，那种怀旧又充满活力的像素艺术风格，一下子就把我的思绪拉回到了那些熬夜对着屏幕，小心翼翼地调整每一个像素点的时代。初拿到手的时候，那种纸张的触感和油墨的清香，都让我对即将展开的探索充满了期待。我记得当时在书店里无意间翻开它，光是那些精美的插图和清晰的排版就让人爱不释手。它不仅仅是一本关于技术指南的书，更像是一本充满激情的创作宣言，告诉我如何用最少的元素，去构建出最富感染力的角色形象。封面的色彩搭配和布局处理得非常到位，既有现代设计的简洁感，又完美地复刻了经典街机游戏的魅力。光是研究封面的构成，我就已经学到了不少关于视觉平衡和色彩心理学的知识。对于那些对复古像素美学有执着追求的人来说，光是这本书的“脸面”就足以让人心动不已，迫不及待地想要深入了解其内涵。这种高水准的包装，无疑为后续内容的阅读体验打下了坚实的基础，让人相信作者在内容上一定同样倾注了匠心。

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从目录结构来看，这本书的编排逻辑简直是教科书级别的流畅和递进。它没有上来就堆砌晦涩难懂的专业术语，而是采取了一种极其友好的“渐进式教学法”。首先引导读者建立对像素艺术基本原理的宏观认知，然后逐步深入到色彩理论、动态捕捉、乃至高级的光影处理技巧。这种安排使得即便是完全没有接触过相关领域的初学者，也能清晰地跟上节奏，不会感到信息过载或迷失方向。每一章之间的过渡都处理得非常自然，就像一个经验丰富的大师在耳边耐心讲解，总能在关键节点为你设置好下一步的思考框架。我发现自己并非是被动地吸收知识，而是在跟随作者的引导，主动地进行思考和实验。这种结构设计，极大地提高了学习的连贯性和趣味性，让人心甘情愿地将一整个下午投入其中，丝毫感觉不到枯燥。

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