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出版者:江西美术出版社

作者:樊波

出品人:

页数:800

译者:

出版时间:2018-4

价格:278.00

装帧:平装

isbn号码:9787548050926

丛书系列:

图书标签:

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画山水，写人生：中国山水画发展历程与精神解读 中国山水画，作为中华文明中一颗璀璨的明珠，其发展历程悠久而绵长，内涵丰富且博大精深。它并非仅仅是对自然景物的描摹，更是艺术家心灵的寄托，是对人生哲理的体悟，是民族精神的写照。本书将带领读者穿越千年的时光，深入探寻中国山水画的演进轨迹，解析其背后蕴含的东方美学思想与人文精神。 一、源起与萌芽：从文字的隐喻到独立的艺术形式 山水画的种子，或许可以追溯到先秦时期文字的隐喻之中。古人通过“山”、“水”二字，既指代具体的自然景象，也承载着超越物质层面的象征意义。“山”常与“稳固”、“高远”、“德行”等品格相关联，“水”则象征着“流动”、“变化”、“生命力”的无尽。这些早期朴素的观念，为后来的山水画审美奠定了基础。 真正意义上的山水画，其独立艺术形式的出现，经历了漫长的孕育期。在魏晋南北朝时期，随着佛教的传入和玄学的兴盛，士人阶层开始追求精神上的自由与超脱，他们的目光逐渐从尘世的喧嚣转向了自然。虽然此时的山水画尚未完全独立，多作为人物画的背景出现，但已显现出其独特的表现力。顾恺之的《洛神赋图》虽然以人物为主，但背景中的山峦、流水已开始营造出一种飘渺空灵的意境，其“以形写神”的理念，也为山水画的“传神”奠定了理论基础。宗炳作为一位著名的山水画家兼理论家，提出了“山水之趣，在于形似之外，更得其神解”的观点，并强调“载神”。他认为，艺术家应当在观照山水时，将自身的情感与精神融入其中，方能画出真正有生命力的山水。 二、奠基与繁荣：唐宋时期山水画的黄金时代 唐代是中国山水画发展的重要转折点。随着社会经济的繁荣和文化的开放，山水画逐渐摆脱了人物画的附属地位，成为一种独立的画科。 李思训与李昭道父子（金碧山水）： 李思训及其子李昭道，以其雄浑壮丽、色彩绚丽的金碧山水画风格，开创了山水画的宏伟气象。他们的作品，如李思训的《江帆楼阁图》和李昭道的《春山行旅图》，以精工细致的笔法，描绘出层峦叠嶂、飞泉瀑布的壮丽景观。色彩的运用大胆而浓烈，金、碧等矿物质颜料的使用，赋予画面一种辉煌灿烂的视觉效果。这种风格虽然强调“形似”，但其对自然景观的宏大表现，已然体现出对天地造化之力的崇敬。 王维（水墨山水）与山水画的诗化： 与李思训的金碧山水风格形成鲜明对比，王维则以其诗意的、水墨写意的山水画，为山水画注入了文人情怀。他不仅是一位杰出的诗人，也是一位富有创造性的画家。王维的山水画，注重笔墨的韵味和意境的营造，追求“诗中有画，画中有诗”的境界。他善于运用墨色的浓淡干湿变化，勾勒出云烟变幻、山色空蒙的景致，如《山居秋暝图》（传）所展现的那样，一幅幅宁静、淡雅的山水画卷，蕴含着对隐逸生活和自然哲学的深刻感悟。王维的出现，标志着山水画开始与文人画紧密结合，为后世文人画的发展奠定了重要基础。 荆浩与关仝（北方山水）的雄浑壮丽： 五代时期，北方山水画的代表人物荆浩和关仝，进一步发展了山水画的笔墨技法。荆浩的《匡庐图》（传）展现了其“笔法精绝，画山水，骨体遒劲，兼有李思训、王维之长”的特点。他强调“笔法”在山水画中的重要性，注重勾勒山石的结构与体积感。关仝则以其“师范诸家，独步一世”的雄浑山水而闻名，其作品风格粗犷、浑厚，将山水的壮丽之美表现得淋漓尽致。 董源与巨然（江南山水）的温润秀美： 与北方山水画的雄浑相对，南唐时期董源和巨然则开创了温润秀美的江南山水画风格。董源的《潇湘图》（传）和巨然的《层岩叠壑图》（传）等作品，以其“用笔圆润，墨色清淡，山势平缓，林木郁郁”的特点，描绘出江南水乡特有的柔美和烟雨朦胧的意境。他们善于运用“披麻皴”等技法，表现出岩石的湿润和山体的柔和。这种风格，更加贴近文人的审美情趣，将山水画的意境表现提升到了一个新的高度。 宋代是中国山水画的集大成时期，理论与实践都达到了前所未有的高度。 范宽（山水巨擘）： 范宽是宋代山水画的巨匠，其代表作《溪山行旅图》以其雄伟壮阔、气势磅礴的风格，成为中国山水画史上的不朽之作。他善于运用“雨点皴”，表现山石的坚硬与块垒感，将北方的巍峨山峦表现得淋漓尽致。其作品中的人与自然的关系，也体现出一种“天人合一”的思想，人在宏大的山水中显得渺小，但又不失其生存的力量。 郭熙（山水理论家与画家）： 郭熙是宋代山水画的重要理论家，其《林泉高致》一书，系统地阐述了山水画的创作理论与审美原则。他提出的“山水有可行、可望、可游、可居”的四远说，以及对“意境”的强调，对后世山水画产生了深远影响。在绘画实践上，郭熙的山水画也同样出色，其作品如《早春图》，以其细腻的笔触和清雅的色彩，展现了初春时节山林的生机与活力。 米芾、米友仁父子（米点山水）： 米芾及其子米友仁创造了独特的“米点”山水画法。他们不拘泥于写实，以水墨的点染，表现山川的云雾迷蒙、气象万千。这种画法更加强调主观感受和意境的表达，体现了宋代文人对自然“神韵”的追求。 三、意境的拓展与风格的分化：元明清时期山水画的演变 元代，山水画的文人化倾向更加明显，更加强调抒发个人情感和个性表达。 赵孟頫（复古与创新）： 赵孟頫是元代书画大家，他提倡“复古”，主张师法古人，但又在继承中有所创新。他的山水画，笔墨秀润，意境高远，将文人的雅致情趣融入其中。他尤其擅长描绘水墨山水，将书法的用笔融入绘画，使山水画更具线条美和韵律感。 黄公望、王蒙、吴镇、倪瓒（元四家）： 元四家是元代山水画的代表人物，他们的风格各具特色，共同推动了文人山水画的发展。黄公望的《富春山居图》以其流畅的笔墨和开阔的意境，成为山水画的典范。王蒙的山水画则以其密集的笔法和深远的构图著称。吴镇的山水画气势雄浑，笔力苍劲。倪瓒的山水画则清逸疏朗，充满了文人的孤高清冷之气。他们的作品，都深刻体现了当时文人阶层对精神自由和个性解放的追求。 明代，山水画在继承元代文人山水画的基础上，又出现了新的发展。 戴进（浙派）： 戴进是明代浙派的代表人物，其山水画风格粗犷豪放，笔力雄健，带有强烈的装饰性。他擅长描绘宏大的山水景象，其作品具有很强的视觉冲击力。 沈周、文徵明（吴门画派）： 沈周和文徵明是明代吴门画派的领军人物，他们继承了元四家的笔墨传统，并将山水画推向了新的高峰。沈周的山水画浑厚朴实，意境深远。文徵明则以其精谨的笔法和清秀的色彩，创造出温雅秀美的山水画风。他们的作品，更加注重诗书画的结合，体现出浓厚的文人气息。 董其昌（“南北宗”论与“墨戏”）： 董其昌是明代后期最重要的画论家和画家，他提出的“南北宗”论，对后世山水画的评价体系产生了巨大影响。他认为，南北山水画各具特色，北方画派注重骨法，南方画派注重墨法。他提倡“以书入画”，强调笔墨的趣味和意境的表达，并将山水画视为一种“墨戏”，强调创作过程的自由与抒情。 清代，山水画在继承传统的基础上，出现了更为广泛的风格探索。 “四王”（正宗）： 王时敏、王鉴、王翚、王原祁，被誉为清代的“四王”，他们继承了董其昌的衣钵，主张“临仿古人”，以摹古为主要创作方式。他们的山水画风格程式化，笔墨精到，构图严谨，代表了当时宫廷画院和官方推崇的山水画风格。 八大山人、石涛（遗民画派与个性解放）： 与“四王”的程式化风格相对，八大山人、石涛等遗民画家，则以其强烈的个性化风格，在山水画领域独树一帜。八大山人以其扭曲变形的山水，和象征性的笔墨，表达了其对时局的愤懑和内心的孤寂。石涛则以其“笔墨雄奇，变化多端”的风格，打破了传统的束缚，大胆创新，将山水画的意境表达推向了新的境界。他们的作品，充满了对生命和自然的深刻思考，也展现了艺术家在逆境中坚守艺术理想的顽强生命力。 四、山水画的精神内涵：道、禅、文人的情怀 中国山水画的魅力，不仅在于其精湛的笔墨技巧和壮丽的视觉呈现，更在于其深厚的精神内涵。 “天人合一”的哲学思想： 山水画中，人与自然的和谐共处，以及人对自然的崇敬，体现了中国传统哲学中“天人合一”的思想。艺术家通过描绘山川的壮丽，表达对宇宙洪荒的敬畏，以及个体在宏大自然面前的渺小与渺小中的力量。 儒家“德”的象征： 山水的“稳固”、“高远”、“挺拔”，常被用来象征君子的品德，如“山之德，其义可知也”。山水画也成为士人寄托高洁情操、抒发人生抱负的载体。 道家“自然”的追求： 山水画对自然的描绘，也体现了道家“道法自然”的哲学理念。艺术家追求的是自然的本真状态，是超脱尘俗的宁静与和谐，在山水之间寻求心灵的解脱与精神的回归。 禅宗“空灵”的意境： 佛教禅宗的空灵、寂静之美，也深刻影响了山水画的意境营造。画面中留白的运用，云雾的描绘，都旨在营造一种虚无缥缈、引人遐思的氛围，引导观者进入一种冥想的状态。 文人的情怀与抱负： 山水画更是文人情感的寄托。它既是艺术家表达对自然的热爱、对隐逸生活的向往，也是他们抒发人生抱负、寄托政治失意或人生感慨的平台。山水画中，每一块石头，每一棵树，都可能承载着画家的心事与情感。 五、总结与展望：山水画的永恒魅力 从先秦的隐喻到唐宋的繁荣，从元明的意境拓展到清代的风格分化，中国山水画在漫长的历史长河中，不断演变、丰富，最终形成了一套独特而完整的艺术体系。它不仅是中华民族审美情趣的集中体现，更是东方哲学思想、文化精神的生动载体。 在当代，中国山水画依然展现出强大的生命力。无数艺术家在继承传统、借鉴西方的基础上，不断探索新的表现形式和艺术语言，力求在新的时代语境下，赋予山水画新的生命与活力。本书的梳理与解读，旨在帮助读者更好地理解中国山水画的历史脉络、艺术特色及其深厚的文化底蕴，从而更加深入地体味这门古老艺术的永恒魅力。

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这本书的叙事节奏把握得极好，它没有采取那种干巴巴的年代罗列式写法，而是巧妙地将艺术风格的演变与当时的社会文化背景紧密结合起来。读起来完全没有枯燥感，更像是在听一位博学的长者娓娓道来中国千年艺术史上的风云变幻。作者对每个重要时期代表画家的生平事迹和创作心路历程的描摹，生动得仿佛就在眼前，让人能真切感受到艺术家的挣扎、突破与辉煌。特别是对某些争议性画派的分析，观点独到且论据扎实，引人深思，完全颠覆了我过去的一些片面认知。这种将历史脉络、人物命运和艺术风格融为一体的叙述方式，使得阅读体验非常流畅且富有启发性，让人在了解“是什么”的同时，更能理解“为什么会这样”。

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我尤其欣赏这本书在理论深度上的建树。它对于中国人物画核心美学理念的阐释，简直是教科书级别的精准和深刻。书中对于“气韵生动”、“骨法用笔”、“传神写照”这些抽象概念的界定和举例说明，清晰明了，不再是晦涩难懂的术语堆砌。作者似乎非常擅长将复杂的哲学思想转化为可感知的艺术语言，使得即便是初涉中国画领域的读者，也能迅速抓住其精髓。每当提到某个关键性的技法变革，作者总能追溯到其思想根源，这种由表及里、由技入道的论述结构，极大地拓宽了我对中国艺术精神的理解维度。读完相关章节，我感觉自己对原作的鉴赏能力都有了一个质的飞跃。

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这本书的装帧设计非常考究，厚重的纸张和典雅的封面设计，让人一上手就有种捧读珍宝的感觉。内页的印刷质量更是无可挑剔，无论是黑白线条的细腻程度，还是彩色画作的色彩还原，都达到了极高的水准。尤其是那些古代名家的作品高清图版，简直是艺术爱好者们的福音，那些笔触的轻微起伏、墨色的浓淡变化，都仿佛能透过纸面传达出来。我在阅读时，常常会忍不住停下来，仔细端详那些细节，那种近乎于触摸的质感，极大地提升了阅读的沉浸感。装帧上的用心，体现了出版方对中国传统艺术的尊重，也让这本书不仅仅是一本学术著作，更像是一件值得收藏的艺术品。即便是作为陈列品放在书架上，也足以彰显主人的品味与对艺术的钟爱。

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坦率地说，这本书的学术严谨性令人肃然起敬，它更像是一部扎根于一手资料和多年研究的学术专著，而非泛泛而谈的普及读物。作者在行文中引用了大量古代文献的记载和不同学者的观点进行交叉比对，展现了一种令人信服的批判性思维。即便面对一些流传已久但缺乏实证的说法，作者也持审慎态度，不会轻易下定论，而是引导读者去思考其中的可能性与局限性。这种严谨的态度，让这本书的权威性不言而喻。它提供的不仅仅是知识，更是一种严谨的治学方法论，对于任何想要深入研究中国艺术史的人来说，它都是一本必不可少的、值得反复参阅的案头工具书。

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这本书的配图质量和选择眼光，绝对是行业内的标杆。海量的配图不仅数量庞大，更重要的是，其选择的精妙性令人称奇。很多我以前只在小型展览图录上见过的珍贵画作，居然都能在这里找到高清、清晰的呈现。更难能可贵的是，图文的对应关系处理得非常到位，作者在文字中提及的某个笔法细节，图上往往会用特写或者箭头清晰地标示出来，这对于自学和研究来说，提供了无与伦比的便利。这绝不是简单地把图片堆砌起来，而是将图版视为论证的核心证据，真正做到了图文互证，让理论和实例之间架起了一座坚实的桥梁。

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全面。兼及石刻、壁画、版画。

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