21世纪高等院校美术专业新大纲教材

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页数:106
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出版时间:2007-11
价格:35.00元
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isbn号码:9787539817798
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  • 美术教材
  • 高等教育
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具体描述

《21世纪高等院校美术专业新大纲教材•平面构成》是《21世纪高等院校美术专业教材》之一,本系列教材蕴含着新时代的气息,凝聚着各地高等院校美术教育和艺术设计专业的诸多专家,学者和骨干教师的心血,代表着现代艺术教育领域优秀的教研成果,如今,本套教材在各方面与安徽美术出版社的共同努力下,终于面世了。它不仅填补了当今高等院校美术专业教材的空白。而且将对促进现代高等院校艺术素质教育有着深远的意义。

全套教材根据教育部新近颁布的高等院校艺术教育专业教材的要求。针对当今教学工作的实际需要,本着三个基本原则编写:

一、强调基础教育,造型艺术的丰富性和复杂性,决定了它对基础知识和技能的要求十分严格,它需要科学而系统的学习与训练,学生不仅掌握造型艺术的基本方法与技巧。而且更重要的是掌握必要的视觉形式规律。

二、注重美术素养,无论美术教育还是艺术设计专业,我们培养出的学生不仅要有较好的基础知识,而且要有良好的美术素养、敏锐的视觉意识和高品位的审美情趣。

三、引导开拓创新。为促使学生的思维从低级迈向高级,由必然王国进入自由王国的境界。本套教材不仅注重了专业基础知识的教育,而且注重了现代教学理念的融会,尤其注重“视觉思维方式”的引导。它将使学生更加积极地面对今后的探索,对于启发创新具有十分重要的意义。

承传与创新是艺术探索和教育的永恒课题,从这种意义上说,本套教材需要不断吸收最新科研和,教学成果,以求更加完善,我们相信,在教育行政管理部门的大力支持下,在高等院校的专家、学者和骨干教师的共同努力下,《21世纪高等院校美术专业教材》当会与时俱进,更加成熟。

艺术的变革与重塑:当代全球视野下的视觉文化探索 一部洞察新世纪以来艺术教育与创作前沿的深度论述 本书并非专注于某一特定院校或教材体系的内部审视,而是将目光投向一个更为宏大且流动的领域:21世纪以来,全球化、数字化浪潮如何深刻地重塑了“美术”的定义、教学范式以及艺术实践的边界。 本书旨在为对当代艺术生态抱有浓厚兴趣的学者、教育工作者、职业艺术家及资深爱好者提供一个广阔的、非学院路径依赖的分析框架。 第一部分:范式转移——从传统技艺到跨媒介叙事 本书的开篇,首先对20世纪末期以来西方美学思潮,特别是后结构主义、现象学以及新唯物主义思潮在艺术领域的渗透进行了细致梳理。我们不再将焦点集中于传统“素描”、“色彩”、“雕塑”等基础课程的结构性调整,而是探讨“基础”概念本身的解构与重建。 1. 视觉文化研究的崛起与挑战: 本书深入分析了视觉文化研究(Visual Culture Studies)如何挑战了以欧洲经典艺术史为核心的艺术史叙事。我们探讨了诸如约翰·伯格、薇薇安·格林等思想家对“观看”(the act of seeing)的社会政治属性的批判性解读。这部分内容将重点剖析: 图像的权力结构: 图像在媒体、商业广告、政治宣传中扮演的角色,及其如何构建和固化社会身份认同。 去中心化的艺术史: 如何将非西方艺术传统、民间艺术、工艺美术、以及日常物质文化纳入严肃的艺术史研究范畴,并讨论这种纳入所带来的理论困境与机遇。 2. 新媒介环境下的创作本体论: 数字技术不再是辅助工具,而是创作场域本身。本书详细考察了以下几个关键领域的理论进展: 算法美学与生成艺术: 探讨艺术家如何与人工智能、机器学习模型进行合作,以及“作者身份”(authorship)在算法驱动的创作过程中如何被稀释或重新定义。我们分析了诸如“数据即颜料”、“代码即画笔”的实践背后所蕴含的哲学思考。 沉浸式体验与空间叙事: 重点研究虚拟现实(VR)、增强现实(AR)以及混合现实(MR)技术如何改变了观众与艺术作品之间的交互模式。这不仅仅是技术层面的探讨,更是关于“在场性”(presence)和“空间感知”在数字环境中如何被重新协商的哲学讨论。 生物艺术与生命伦理: 探讨艺术家利用生物技术(如组织培养、基因编辑)进行创作时所引发的伦理边界、生命定义以及人类中心主义的反思。 第二部分:全球视野下的地域性与跨文化对话 本书的第二部分着重于全球化语境下,艺术实践如何在全球资本、文化交流与身份政治的复杂网络中定位自身。我们摒弃了将非西方艺术简单地视为“异域风情”的落后模式,转而关注全球南方(Global South)艺术生态的蓬勃发展及其对西方艺术中心的反思性批判。 1. 艺术博览会的权力机制与“全球当代艺术”的建构: 深入剖析威尼斯双年展、卡塞尔文献展等全球性艺术事件背后的策展逻辑、资金流向以及话语权分配。本书质疑了“全球当代艺术”标签下对地域差异的简化处理,强调理解不同文化背景下的审美标准和政治诉求的必要性。 2. 后殖民语境下的身体与纪念碑性: 探讨在去殖民化进程中,艺术家如何运用装置、行为艺术以及档案重构(Archival Poetics)来挑战和改写公共空间中的历史叙事与纪念碑文化。这部分内容侧重于身体政治、性别认同以及少数族裔身份表达在当代艺术中的张力。 3. 跨学科的融合与艺术的社会介入: 本书认为,21世纪的艺术实践越来越倾向于解决现实世界的复杂问题,而非仅仅停留在纯粹的审美愉悦上。因此,我们详细考察了艺术与以下领域的深度融合: 艺术与社会学/人类学: 讨论“参与式艺术”(Participatory Art)和“社会实践艺术”(Socially Engaged Art)的理论根基,关注艺术家如何与社区、非政府组织合作,以艺术项目作为催化社会变革的工具。 艺术与生态危机: 分析“生态批评艺术”(Eco-critical Art)如何利用艺术媒介来揭示环境破坏的内在机制,以及探索可持续材料与“慢艺术”的可能性。 第三部分:教育理念的未来展望(非课程设计) 本书的最后部分并非提供一个具体的教学大纲,而是探讨在上述变革背景下,艺术教育工作者需要具备的批判性思维工具箱和哲学准备。 1. 对“技艺娴熟”的再定义: 本书认为,在AI可以高效生成图像的时代,对“手工技能的绝对掌握”的重要性正在下降。我们探讨的重点是:艺术教育应如何培养学生识别图像背后的意图、理解媒介的局限性,以及最重要的是,提出“正确的问题”的能力。 2. 开放式研究与批判性实践: 倡导一种基于研究(Research-Based Studio Practice)的教学模式,鼓励学生将艺术创作视为一种严肃的、跨学科的研究活动。这要求教育者不再仅仅是技能的传授者,而应是批判性对话的引导者,帮助学生在高度信息化的世界中,建立起清晰的个人美学立场与伦理责任感。 结论: 本书是一份对21世纪艺术思潮的宏观扫描,它拒绝被固定的学科框架所束缚,致力于梳理那些正在塑造未来视觉世界的理论脉络、技术革新与社会张力。它为那些渴望超越既有体系,探索艺术在复杂现代性中独特价值的读者,提供了深刻的参照与启发。

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