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出版者:华中科技大

作者:万云青

出品人:

页数:94

译者:

出版时间:2008-2

价格:39.80元

装帧:

isbn号码:9787560943183

丛书系列:

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具体描述

《字体设计》主要内容：文字是人类历史的沉淀，是人类文明历程的再现，是人类思想火花的符号记载，是人类记录历史事件、权力变迁、文人思想变化的工具，也是现代人传播思想、表现意识、沟通心灵、交流文化的工具。

设计文字的字体，是一项极富有挑战性的工作，它既要继承传统文字的结字方式，又要融会时代特征；既要顾及文化差异，又要考虑统一视觉形式；既要考虑设计文字的视觉美感，又要兼顾文字的使用环境。

经过设计的文字字体被应用在社会生活的各个方面，特别是自从人类社会有了商业活动，文字变得既商业化又生活化。文字的字体为了适应社会生活发展的需要不断地发生着变化，以迎合视觉及生活美学的要求，其设计范畴日渐宽泛，多样化趋势也是毋庸置疑的。

字体设计的教学无疑需要根据时代的发展改革而不断变化。在早期的字体设计教学中，其课程结构为以相对标准的印刷体为教学主体内容、以文字的笔画及结构等的变化为教学辅助内容；而在现在的字体设计教学中，其课程结构及课时比例分配和课程内容及分布重点都发生了很大的变化。如今，在很多字体设计的课程安排上，黑体与宋体文字主要作为训练学生文字间架基础、文字结构规律以及培养文字设计感受的基础课程。借鉴与参考古今中外文化现象中的不同文字体式并加以设计改变，是设计教学中应该坚持的方向之一。本教材用相当大的篇幅分析了传统文字与现代设计的关系，目的在于引导学生重新审视传统文化，吸取传统文字的书写个性与结体规律，感受传统文字内在的质朴魅力。

艺术之境：光影与形式的交响图书名称：艺术之境：光影与形式的交响内容简介：本书并非一部探究具象符号构型原理的工具书，而是一场深入人类感知核心的哲学之旅。它关注的焦点，是如何透过纯粹的视觉语言——光线、色彩、材质与空间——来调动观者的情绪共鸣，并构建起超越文字的叙事体系。我们试图揭示，艺术的真正力量不在于其描绘了什么，而在于它如何操纵我们对“存在”本身的体验。第一部：光线的解构与重塑：视觉的本源在摄影术诞生之前，人类对光线的理解多停留在自然现象的层面。然而，从古代洞穴壁画中对火光的微弱捕捉，到文艺复兴时期卡拉瓦乔对“暗处”的戏剧性运用，光线始终是塑造现实感知的第一要素。本书的开篇部分，将艺术史的脉络简化为一幅关于光影运用的发展图谱。我们不再讨论具体的“打光技巧”，而是深入探究“光线的意图”。例如，伦勃朗肖像画中那种仿佛从内部爆发出来的、带有精神性重量的光芒，其目的并非为了清晰地展现五官，而是为了突显人物内心世界的挣扎与顿悟。这种“内在之光”与自然界中均匀、客观的光源形成了鲜明的对比。本部分细致分析了不同介质对光线的“折射”与“吸收”效果。在建筑设计中，玻璃幕墙如何将外部环境的瞬时变化捕捉并引入室内，使建筑成为一个“活的”感知容器；而在印象派的油画中，颜料颗粒如何细微地散射光线，从而在视觉上制造出空气的流动感与温度。我们讨论了色彩心理学中，不同波长的光线如何直接绕过理性分析，直接作用于原始的情感回路——例如，在极简主义装置艺术中，大面积的单色光照（如高饱和度的蓝或红）如何瞬间将空间转化为一种近似宗教体验的场域。核心在于，光影的运用是艺术家建立“时间感”的重要工具。快速、强烈的光影对比暗示着剧烈的瞬间，而柔和、弥散的光线则拉长了时间，使观者得以沉浸于永恒的沉思之中。第二部：形式的本体论：空间、质感与节奏 “形式”并非仅仅是物体的轮廓，而是物体与其所处空间的关系，以及其表面所承载的物质信息。本章将形式分析提升至本体论的层面。我们考察了“负空间”的权力。在东方传统艺术（如水墨画）中，大量的空白并非“没有内容”，而是被赋予了与实体物象同等重要的意义。这些空白是呼吸的空间，是想象力的孵化器，它强迫观者主动参与到作品的完成过程中。我们对比了这种“留白”哲学与西方立体主义对空间的切割与重构，指出两者在处理三维世界向二维平面转译时的根本差异——一个寻求未言明的和谐，另一个则致力于解构既有的视觉秩序。质感的探讨超越了材料本身的物理特性。一块粗糙的砂岩、一块光滑的抛光金属、一张细腻的手工纸，它们传递的信息是截然不同的。粗粝感往往关联着时间的磨损、原始的力量和不可抗拒的自然规律；而光滑表面则象征着人造的完美、秩序和某种程度上的疏离感。本书通过对雕塑史、装置艺术以及材质摄影的分析，阐释了艺术家如何通过对质感的精细控制，暗示作品的内在“生命力”或“惰性”。节奏感在视觉艺术中体现为元素的重复、间隔、对比和运动的暗示。从巴洛克建筑中层层叠叠的涡卷装饰，到二十世纪中叶抽象表现主义画布上飞溅的笔触轨迹，节奏是一种无声的音乐。我们研究了“视觉重量”的分配，分析了艺术家如何通过体量、密度和方向感来引导观者的目光，形成一种视觉上的循环或导向。第三部：意义的延展：从感感到叙事艺术的终极目标往往是唤起叙事或情感的涌动，但这种叙事并非线性的故事讲述。本书最后一部分探讨了如何通过纯粹的视觉元素，实现意义的“非线性投射”。我们将关注“隐喻”在无字作品中的构建。例如，一条倾斜的线条，它可能代表着失衡、进步、动荡或冲突；一个封闭的圆形，它可以是圆满的象征，也可以是受限的牢笼。这些多义性是艺术持久魅力的来源。我们深入探讨了极简主义艺术在消除所有传统叙事符号（如人物、场景、明确主题）后，是如何通过纯粹的排列组合来探讨人类存在的“状态”——孤独、秩序、重复的虚无感。这种艺术要求观者从“观看客体”转变为“体验主体”。最后，本书总结了光影与形式如何共同协作，创造出一种“超越语境”的美学体验。真正的艺术作品，其力量不在于其被理解的方式，而在于它在观者内心深处激发的、无法言说的、独特的感官震颤。这是一本旨在培养观者深入感知世界、欣赏视觉语言内在复杂性的读物，而非教授如何复制某种风格的指南。它鼓励读者关上书本，重新审视周遭由光、形、质构筑的真实世界。