具体描述
《应用型本科规划教材·浙江省高等教育重点建设教材·数字电子技术》是浙江省高等教育重点建设教材，由来自于多所高校的多年从事数字电子技术教学和研究的教师合作完成。以“精心组织、保证基础、精选内容、面向应用”为编写原则，强调基础性、系统性和实用性。
全书共分九章，内容包括逻辑代数基础、门电路、组合逻辑电路、集成触发器、时序逻辑电路、可编程逻辑器件、Verilog HDL硬件描述语言、脉冲的产生和整形电路、数模(D/A)和模数(A/D)转换电路。每章均有小节和与内容相适应的习题。
深入解析现代音乐的结构与美学：一部兼具理论深度与实践指导的音乐学著作 书名：《声景构建：从和声语法到听觉心理的跨界探索》 作者：[此处留空，或使用笔名] --- 内容提要： 《声景构建：从和声语法到听觉心理的跨界探索》是一部旨在全面梳理和深入剖析西方音乐传统（特别是18世纪至21世纪）演变脉络的理论著作。本书突破了传统音乐理论教材的线性叙事模式，将结构分析、历史语境、美学哲学以及人脑对声音的认知机制熔铸一炉，为音乐研究者、作曲家、演奏家乃至高级爱好者提供了一个多维度的理论框架。 本书的焦点在于“声音如何被组织以产生意义”这一核心命题。我们拒绝将音乐视为孤立的音符序列，而是将其置于一个动态的“声景”之中，考察这些声景如何被听众的生理与文化背景所塑形和解读。全书分为四大核心板块，层层递进，构建起一个严谨而富有启发性的分析体系。 --- 第一部分：音高体系的语境化——超越调性的边界 本部分着重探讨西方音乐实践中音高组织系统的演变，但视角独特，不局限于传统的“功能和声学”。 第一章：古典调性的重估与解构。 我们首先回顾了巴洛克晚期至浪漫主义中期调性实践的黄金标准，但着重分析了其内在的张力与非均衡性——即调性是如何通过对“离调”的预期和解决来驱动时间感的。重点分析了李斯特、瓦格纳早期作品中，调性结构开始向更复杂的、模糊化的方向探索的机制，如增三和弦的滥用与色彩化处理。 第二章：半音化与非功能性色彩的兴起。 详细剖析了从后浪漫主义（如马勒、施特劳斯）到印象主义（德彪西、拉威尔）时期，和声如何从服务于调性中心转向服务于“色彩”本身。讨论了全音阶、五声音阶、以及中音七和弦在音乐语言中的语义变化。重点案例分析了德彪西《牧神午后前奏曲》中，和声不再作为进行工具，而是作为停驻的“氛围”的构建方式。 第三章：无调性与序列结构的逻辑。 深入研究了荀伯格的十二音体系的严格理性，并将其置于19世纪末“结构危机”的时代背景下。本书区分了“无中心”与“重组中心”两种无调性策略。同时，对战后序列主义（如布列兹、巴比特）的数学化尝试进行了批判性考察，探讨了其在实现形式控制与听觉可理解性之间的张力。 --- 第二部分：节奏与时间结构——动态的流动性分析 节奏研究不再停留在简单的拍号分析，而是转向对音乐时间感知的心理学基础。 第四章：律动的分层与对位。 探讨复节奏（Polyrhythm）和复拍子（Polymeter）在非洲音乐、早期爵士乐，以及20世纪现代音乐（如斯特拉文斯基的《春之祭》）中的应用。分析了不同时间层级的相互作用如何制造出“紧张-释放”或“停滞不前”的听觉效果。 第五章：节奏的“熵”与“秩序”。 引入信息论的概念来描述节奏的复杂性。高有序的节奏（如巴赫的严格对位）如何通过预测性建立稳定感；高熵的节奏（如自由即兴或某些极速金属乐）如何通过不可预测性产生刺激。探讨了节奏“松紧”感（Laxity vs. Rigidity）的量化可能性。 第六章：周期性与非周期性时间。 对比了传统周期性时间结构（如奏鸣曲式中的周期性主题再现）与非周期性、开放式时间结构（如环境音乐或极简主义音乐）的叙事功能。特别分析了莱希特·克拉姆（Ligeti György）微观复调中，时间感被无限拉伸和模糊化的技巧。 --- 第三部分：织体与空间形态——声音的立体描绘 本部分聚焦于横向（旋律）与纵向（和声）元素交织所形成的“织体”（Texture），以及这种织体如何在听觉空间中定位。 第七章：对位法的深度解析：从巴赫到肖斯塔科维奇。 系统梳理了赋格、卡农等古典对位技法，强调对位在逻辑构建上的作用。随后，探讨了现代对位（如多调对位、不协和音对位）如何服务于情感表达，而非仅仅是技术展示。 第八章：复调的密度与透明度。 分析了织体密度（Polyphonic Density）如何直接影响听众对声音“重量”的感知。对比了巴赫三声部创意曲的清晰透明度与瓦格纳歌剧高潮部分的音响饱和度，并探讨了这些差异背后的声学原理（如频率覆盖范围与泛音列的相互作用）。 第九章：空间化处理与声场构建。 超越简单的立体声定位，本章探讨了作曲家如何利用配器和混响来创造“虚拟空间”。讨论了室内乐中乐器间的物理距离感如何影响和声的感知，以及电子音乐中空间处理（Panning, Delay, Reverb）对音乐叙事的介入。 --- 第四部分：听觉心理学与美学后果——从大脑到剧场 理论分析的最终归宿是人类的接收端。本部分尝试连接客观结构与主观体验。 第十章：格式塔理论在音乐感知中的应用。 运用格式塔心理学原理（如接近性、相似性、连续性原则）来解释听众如何自动将碎片化的音乐信息组织成可理解的整体。探讨了“模式识别”在预测和弦进行和旋律走向中的作用，以及“模式破坏”如何产生审美上的惊讶。 第十一章：情绪的音乐表征：跨文化的视角。 探讨了“大调-快乐/小调-悲伤”等西方约定俗成的联系在神经科学层面的基础，并对比了非西方音乐体系（如印度拉格系统）中，特定的音阶和装饰音如何对应特定的情绪状态（Rasa）。 第十二章：音乐的阐释学与接受美学。 本书的总结性章节，讨论了音乐作品的“意义”是如何在作曲家意图、作品结构与听众历史经验之间动态协商的。考察了“不确定性”在后现代音乐中的美学价值，以及接受美学（如伽达默尔的视域融合）如何指导我们对经典作品的新鲜解读。 总结： 《声景构建》是一部面向未来音乐学的蓝图，它要求学习者不仅要理解“音符是什么”，更要理解“音符如何被感知，以及为何被感知”。本书通过严谨的结构分析和富有洞察力的心理学视角，为读者构建了一个理解和创造复杂音乐体验的强大工具箱。
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