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出版者:Faber & Faber

作者:edited by Chris Rodley

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:1997-2-6

价格:USD 15.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780571191376

丛书系列:

图书标签:

• 电影
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《光影迷踪：电影艺术的非线性叙事与视觉探索》 内容提要： 本书深入剖析了当代电影创作中，叙事结构与视觉语言如何相互渗透，共同构建出超越传统线性叙事的复杂体验。我们聚焦于那些勇于挑战既定范式，将非线性叙事、碎片化信息处理以及高度风格化的视觉元素融入核心创作的电影人。全书分为三个主要部分：“时间的折叠与重构”、“感官的失真与重塑”，以及“意识流的结构分析”。通过对一系列跨越不同地域和流派的经典与当代作品的细致解读，本书旨在揭示电影如何通过形式上的大胆实验，触及人类记忆、认知与潜意识的深层结构。 --- 第一部分：时间的折叠与重构 电影叙事的核心张力往往来源于时间感知的处理。《光影迷踪》首先着眼于那些精妙地操纵银幕上时间流逝的导演们。我们不讨论固定的历史进程或清晰的因果链条，而是深入探讨“时间折叠”的艺术。 1. 碎片化记忆与拼图式叙事： 本章考察了影片如何通过非连续性的剪辑，模拟人类记忆的随机性和主观性。记忆并非按时间顺序排列，而是由情感触发的片段组成。我们将分析那些通过闪回、闪前和同一场景在不同时间点的交叉剪辑来构建意义的电影。重点分析了这种叙事策略如何迫使观众主动参与到意义的建构过程中，而非被动接受既定情节。例如，探讨某些作品中，一个简单的物体或一句对话如何成为通往过去或未来的关键节点，从而打破了传统三幕剧的结构制约。我们关注的不是“发生了什么”，而是“记忆如何组织了发生过的事情”。 2. 循环结构与停滞的时间： 一些电影艺术家拒绝使用进步的时间线，转而采用循环或不断重复的结构。这种设计不仅仅是情节上的重复，更是对存在主义困境的视觉呈现。通过对这些“时间陷阱”的分析，我们探究了导演如何利用场景、对话乃至运镜的精确重复，来表达宿命感、心理上的停滞不前，或是对某一关键时刻的执着。书中详细对比了基于哲学概念的循环叙事（如对时间悖论的探讨）和基于心理状态的循环叙事（如梦境或偏执状态的体现）。 3. 主观时间与认知负荷： 本部分还将分析电影如何通过技术手段（如慢动作、快进、或特定频率的蒙太奇）来扭曲观众对“标准时间”的感知。当角色处于极度紧张或狂喜状态时，其内在时间感会膨胀或压缩。本书将这些技术性处理置于更宏大的认知框架下讨论：导演如何引导观众体验角色的主观时间流速，以此作为推动情感共鸣的有力工具，而非仅仅是视觉奇观。 --- 第二部分：感官的失真与重塑 电影的本质是视觉与听觉的艺术。本书的第二部分将焦点从叙事转向电影语言本身，探讨导演如何通过对光线、色彩、空间和声音的极端处理，来重塑观众的感官体验，使其服务于非传统的叙事意图。 1. 极简主义的影像密度： 我们考察了一批钟爱使用极简主义视觉语言的创作者。在他们的作品中，画面的每一个元素都承担着巨大的信息负载。这并非指简单的构图，而是关于“留白”的哲学——画面中刻意移除的元素与被保留的元素同样重要。我们将分析长镜头如何与极简布景结合，迫使观众的注意力聚焦于微小的动作和潜台词，从而在视觉的“贫乏”中挖掘出心理的“丰富”。这种处理方式直接挑战了当代电影中常见的、信息过载的视觉轰炸模式。 2. 色彩的心理图谱学： 色彩在传统电影中多用于烘托气氛，但在本书关注的语境中，色彩本身成为叙事的主体。我们研究了那些构建了高度程式化调色板的电影。这些色彩系统往往与角色的心理状态、特定社会阶层的压抑感，或一个超验世界的规则直接挂钩。例如，某种特定饱和度的蓝或绿如何被反复使用，形成一种视觉上的“签名”或“暗示”，并在叙事中引发观众的条件反射。这是一种超越符号学的、更接近于纯粹感官刺激的色彩运用。 3. 空间与异化： 对建筑和场景设计的处理，是构建非常规氛围的关键。《光影迷踪》分析了电影中如何利用不合理的空间比例、重复的走廊、或封闭的景观来营造疏离感和心理上的幽闭恐惧。这些空间往往是功能性被剥夺的、符号化的容器，它们不服务于情节的推进，而是在场本身就构成了一种压迫性的叙事力量。我们将探讨这种对传统场面调度的颠覆，如何将环境从背景提升为角色冲突的对立面。 --- 第三部分：意识流的结构分析 最后一部分将前两部分的内容进行整合，聚焦于电影如何尝试直接描摹人类复杂的意识活动和潜意识的涌现。 1. 潜意识的具象化： 本章探讨了电影中那些介于现实、梦境与幻觉之间的领域。我们不将这些场景简单归类为“梦境序列”，而是将其视为导演对潜意识逻辑的结构性模仿。分析的重点在于，导演如何通过不合逻辑的蒙太奇、突兀的转场和身体经验的扭曲（如变形的肢体、失控的动作），来模拟潜意识的运作方式——即非理性的联想和原始冲动的显现。 2. 叙事视角的消解： 传统的电影通常依赖一个或多个清晰的叙事者。《光影迷踪》考察了那些故意模糊或消解叙事者视角的影片。当观众无法确定他们所见证的事件是客观事实、主观臆想还是纯粹的虚构时，电影的意义便进入了动态的不确定性。我们将分析这种“不可靠的视点”如何服务于对现代社会中信息茧房、身份危机以及后真相时代的深刻反思。 3. 声音景观与内在独白： 在传统配乐之外，声音设计如何在意识流电影中扮演角色？本章分析了环境噪音、失真的对话和非音乐性的音效如何取代传统的情感引导，直接构建角色的内在世界。例如，通过对耳鸣、心跳或遥远回音的放大处理，声音不再是背景，而是观众直接侵入角色头脑的通道。这种声音景观的设计，是实现对复杂内心世界最直接、最无中介的表达方式。 --- 总结： 《光影迷踪：电影艺术的非线性叙事与视觉探索》是一部献给电影形式主义和认知美学的深度研究。它回避对情节的简单复述，转而致力于解构那些将电影媒介推向感知极限的结构与技巧。全书的论点建立在对电影作为一种独特的、能够重构经验的媒介的深刻信念之上，旨在为读者提供一套分析和欣赏那些复杂、挑战性叙事作品的理论工具。

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说实话，我本来对这种“大师访谈录”式的书籍抱持着一丝怀疑，总觉得它们要么过于肤浅地堆砌轶事，要么就是矫揉造作地模仿艺术腔调。然而，这本书彻底颠覆了我的预期。它捕捉到了一种非常难得的、近乎私密的对话氛围，但又始终保持着高度的专业性和学术严谨性。作者的提问角度极其刁钻且精准，总能触及那些其他访谈中被回避的核心议题，比如他对“身体”这个概念在不同文化背景下的演变，以及他如何看待商业电影的约束与自由。我特别欣赏其中关于早期作品拍摄条件的描述，那些近乎于地下电影制作的艰辛和创造力，让人不禁对那个时代的独立制片精神肃然起敬。文字的流动性极佳，读起来非常顺畅，仿佛能听到导演本人那特有的、略带疏离感的语调在耳边回响。对于非专业影迷来说，这本书的门槛可能稍高，但对于任何渴望理解“电影语言如何被用来探讨存在的本质”的人来说，这无疑是一次精神上的洗礼，它让你开始以一种全新的、更具批判性的眼光去审视屏幕上的一切。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版都透着一股精致的、低调的奢华感，这与书中的主题——那些关于肉体腐败与重生的激烈探讨——形成了强烈的反差，这种张力本身就很有意思。我尤其喜欢其中对几部特定电影的深入章节，它们不仅仅是剧情回顾，而是细致入微地剖析了拍摄过程中遭遇的技术难题，以及导演如何“就地取材”将预算限制转化为独特的艺术风格。比如，关于如何处理那些复杂的特效化妆，书中揭示的那些“土法炼钢”的智慧，简直让人叹为观止。这本作品的叙事节奏拿捏得非常到位，时而沉重得令人窒息，时而又因为某个机智的评论而让人会心一笑。它成功地平衡了对艺术家的崇拜和对其作品的冷静分析，避免了陷入盲目追捧的泥潭。对于那些在电影制作的各个环节工作的人来说，这本书提供的案例研究价值是无法估量的，它展示了如何在压力之下保持创造力的纯粹性。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是影迷的圣经，尤其对于那些痴迷于大卫·柯南伯格电影的观众来说，它提供了一个无可替代的视角。我花了整整一个周末沉浸其中，那种感觉就像是突然获得了进入大师内心世界的钥匙。作者的叙述方式充满了洞察力，将柯南伯格的创作历程梳理得井井有条，从早期的那些充满病态美学和身体恐怖的实验作品，到后来转向更宏大、更具哲学意味的题材，每一步的转变都分析得鞭辟入里。最让我感到震撼的是，书中对于光影的运用、镜头的选择，以及那些标志性的、令人不安的场景背后的心理动机的剖析。它不仅仅是在回顾作品，更像是在进行一场深层次的心理学和美学上的解剖。读完之后，我立刻想重温他所有的电影，因为现在我对那些血肉模糊、器官变异的画面有了更深层次的理解，不再仅仅停留在表面的惊悚，而是看到了其下隐藏的关于身份焦虑、科技异化和人类本能的深刻探讨。这本书成功地将冰冷的电影理论与饱满的艺术情感连接起来，让每一次翻页都充满了发现的乐趣，极大地提升了我对这位导演的敬意。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验非常具有沉浸感，它带来的不是知识的灌输，而是一种智力上的挑衅。作者和受访者之间的对话充满了对当代社会现象的深刻忧虑，尤其是对技术发展失控可能带来的后人类前景的预见。我一直认为，优秀的艺术作品必须具备预言性，而这本书清晰地勾勒出柯南伯格作品的先见之明。书中对于“媒介即信息”这一核心观念的阐述，尤其是在探讨录像带、电视和互联网如何重塑我们的感官体验时，至今看来依然振聋发聩。我特别留意了其中关于“移情作用”的讨论，即观众如何能够在极度反感的同时，又被作品中的情感核心所吸引。这本厚重的文字集，本质上是一次对现代性危机进行的系统性诊断，它强迫你直面那些你本能想要回避的、关于我们自身脆弱性的真相。它不是一本轻松的读物，但它提供的回味和思考的深度，绝对值得每一位严肃电影爱好者投入时间去细细品味。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个朋友的强烈推荐下购入的，坦白说，一开始我只是想找点资料来充实我对现代恐怖电影流派的理解。结果呢？这本书远超出了我对“恐怖片”定义的想象。它更像是一部关于艺术家的自我挣扎与不断重塑的传记。让我印象深刻的是，作者和受访者对于“恶心感”作为一种美学手段的探讨。他们没有回避这种令人不适的元素，而是将其置于光天化日之下进行审视，探讨了这种视觉冲击力如何服务于更高级的主题表达——例如，当身体不再是我们熟悉的样子时，我们对“人性”的界限又该如何重新划定？书中引用的许多幕后故事都极具画面感，让我脑海中不断重现那些经典场景，但这次，我看到的不再是单纯的视觉奇观，而是其背后复杂的哲学思辨和精密的电影结构。这本书的价值在于，它将“Cult”电影提升到了严肃艺术批评的层面，成功地为那些长期被主流评论界忽视的作品进行了强有力的辩护。

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非常有意思的书，柯南伯格的自我解读很有趣

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非常有意思的书，柯南伯格的自我解读很有趣

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非常有意思的书，柯南伯格的自我解读很有趣

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非常有意思的书，柯南伯格的自我解读很有趣

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很幽默，回答问题认真，图版超棒可惜是黑白低画质印刷。跟林奇那本是一个作者采编。内容止于Crash，我最关心的Dead Ringers看下来其实他自己也不是很明白XD