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出版者:Palgrave Macmillan

作者:Woodall, Joanna

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:1997-3

价格:$ 39.55

装帧:Pap

isbn号码:9780719046148

丛书系列:

图书标签:

肖像画
绘画
艺术史
艺术技巧
人像艺术
绘画技法
艺术理论
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具体描述

Portraiture occupies a central position in the history of Western art. It has been the most popular genre of painting and has been crucial to the construction and articulation of individualism. Despite this, its status within academic art theory is uncertain and there is no adequate critical analysis of the subject available. With an international team of specialists, including Patricia Simmons, Ludmilla Jordanova, John Gage, Marcia Pointon and Ernst Van Alphen, this volume provides a much-needed, comprehensive and up-to-date introduction to the major issues in the history of portraiture. The book's chapters are structured chronologically, progressing from the Italian Renaissance to Dutch seventeenth-century portraiture and on to Picasso, surrealism, Lucian Freud and Cindy Sherman. Each chapter examines the key developments in portraiture within each specific period, complete with analytical subheadings, making this an ideal book for students.

镜面之下：探寻人像艺术的演变与精神内核一部关于视觉文化、历史变迁与人类情感肖像的深度探索之作本书旨在提供一个广阔而精深的视角，审视“人像”这一艺术形式自古至今的演变轨迹、技术革新及其所承载的深层文化与哲学意义。我们不聚焦于单一的“肖像画”或特定的艺术流派，而是将目光投向更宏大的人像创作谱系——从史前的岩画标记到当代的数字影像，从帝王的官方定格到街头的瞬间抓拍，解析人类如何通过视觉媒介来捕捉、定义和理解“自我”与“他者”。第一部：形式的诞生与权力的话语（古代至文艺复兴）人类对自身形象的记录欲望，植根于最古老的生存本能。本部分首先考察了早期文明中人像的起源：埃及法老的永恒雕塑，美索不达米亚的权柄徽记，以及希腊罗马时期对理想化人体结构的追求。我们深入分析了这些早期形式如何服务于宗教祭祀、政治宣传和不朽的渴望。随后，我们将焦点转向中世纪向文艺复兴的过渡。此时，人像不再仅仅是象征，而是开始回归对个体身份的关注。拜占庭圣像画的宗教性凝视，与早期佛罗伦萨画派对透视法和解剖学的精确掌握形成鲜明对比。重点章节将探讨：媒介的革命：蛋彩到油画的转变如何使光影、材质与皮肤的质感获得了前所未有的表现力。赞助人与身份：美第奇家族、教皇等宫廷赞助人如何利用人像来构建和巩固其社会地位，以及“自画像”作为一种新颖的自我宣言的出现。伦理的边界：早期人像创作中对“美德”与“缺陷”的记录与规训。第二部：情感的解放与技艺的巅峰（巴洛克至浪漫主义）随着社会结构的松动和个人主义的兴起，人像艺术开始挣脱僵硬的教条束缚，转而深入挖掘人类复杂的情感世界。这一时期是技艺与戏剧性的狂欢。我们将细致剖析十七世纪的“黄金时代”——伦勃朗的内省光芒、凡·戴克的贵族优雅，以及委拉斯开兹对宫廷人物心理的犀利捕捉。这些艺术家如何运用光线和笔触的自由度，创造出超越物理表象的“精神肖像”。进入十八世纪，启蒙思想催生了对“自然人”的关注。洛可可风格的轻盈与雅致，与早期严肃的道德寓言形成对照。而十九世纪初期的浪漫主义思潮，则将人像带入了主观体验的深渊： “崇高”的凝视：论述风景与人物的互动中，人类渺小与情感激荡的表达。新兴阶层的崛起：随着中产阶级的壮大，摄影术（如达盖尔法）的出现如何挑战了传统绘画的垄断地位，并迫使画家寻找新的表达方向。眼神的对决：专门分析人像作品中“凝视”（Gaze）的理论，探讨人物与观众之间建立的权力关系与情感共谋。第三部：现代性的碎片与自我重构（印象派至后现代）十九世纪末期，工业化、城市化和科学（如心理学）的进步，彻底颠覆了人们对“真实”和“自我”的认知。人像艺术进入了对既有美学标准的解构阶段。印象派和后印象派艺术家，如塞尚和梵高，不再满足于记录外在的相似性，而是致力于捕捉瞬间的感知和内在的心理震动。野兽派和表现主义则将色彩和线条推向极致的扭曲，以表达现代都市人焦虑、疏离与异化。本书的后半部分将重点探讨二十世纪的剧变：机械之眼与现实的解构：详细考察摄影艺术（如阿波林奈、布拉塞等）如何与立体主义、超现实主义交织，挑战了“精确再现”的必要性。人像不再是单一的“快照”，而是多重视角下的复合体。身份政治的介入：深入分析二战后，随着身份认同（种族、性别、阶层）议题的凸显，艺术家如何利用人像作为工具，反抗主流叙事，重建边缘群体的视觉主体性。媒介的无限延伸：从安迪·沃霍尔对大众文化符号的复制与解构，到当代装置艺术和数字影像中对身体的虚拟化处理，解析人像如何从一个固定的“本体”演变为流动的、可编辑的“数据流”。结语：永恒的提问全书的论证最终回到一个核心问题：在技术不断迭代、社会结构持续变迁的背景下，人像艺术的核心价值——即人类对自身存在意义的追问——是否发生改变？本书不仅是一部艺术史的梳理，更是一次跨越千年的人类精神探索。它引导读者去观看那些被我们视为寻常的图像，并从中发现隐藏的结构、未被言说的历史，以及艺术家们为捕捉那稍纵即逝的“人性瞬间”所付出的不懈努力。它教会我们如何带着更深层的洞察力，去解读每一个面孔背后的世界。