Adolph Gottlieb, 1956 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:Syracuse Univ Pr

作者:Coe, Erin Budis/ Hirsch, Sanford/ Suffolk, Randall

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2006-4

价格:$ 28.19

装帧:Pap

isbn号码:9780960671854

丛书系列:

图书标签:

Adolph Gottlieb
抽象表现主义
美国艺术
绘画
1950年代
现代艺术
艺术史
艺术家
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艺术作品

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具体描述

Celebrating one of the most successful and influential artists of his generation, this catalog presents the incredible variety and energy of Gottlieb's work during the pivotal year of 1956. Gottlieb's career spans more than fifty years, longer than most of his colleagues. His pictographs of the early 1940s were among the first coherent body of paintings that departed from European modernism. He was also one of the earliest of his generation to rethink the direction of his art and to start fresh with his Imaginary Landscape and Unstill Life paintings of the late 1940s and early 1950s. These evolved into Gottlieb's most popular Burst images, developed in 1956. The works collected in this catalog show the rich diversity and vitality of Gottlieb's painting. They provide an unusual look at this artist and at the shift in direction that American abstract painting was about to make. With an essay by Sanford Hirsch, executive director of the Gottlieb Foundation, this striking collection offers a unique and perceptive view of one of the seminal figures of abstract expressionism.

探索抽象表现主义的深层肌理：1950年代中期的艺术对话一部聚焦于战后美国艺术革命的深度研究，聚焦于一个决定性的十年，而非单一艺术家的作品集。本书深入剖析了1950年代中期，特别是1954年至1958年间，美国当代艺术领域所经历的爆炸性变革与思想交锋。它摒弃了对任何特定艺术家的作品进行全景式罗列的传统模式，转而构建一个广阔的、多维度的叙事框架，用以理解那个时代艺术家的集体焦虑、精神追求以及对媒介的革命性重塑。核心议题一：从具象到非具象的转向与内在性探索 1950年代中期是“纽约画派”（New York School）确立其全球领导地位的关键时期。本书将重点考察艺术思维如何从对外部世界的直接描绘，转向对艺术家内心世界和潜意识的深入挖掘。我们审视了当时理论家们提出的“媒介即经验”的观念，探讨了画布如何从一个描绘空间转变为一个行动（Action）的发生地。书中细致分析了当时几位核心人物——例如威廉·德·库宁（Willem de Kooning）在色彩与线条的激烈对抗中如何寻求一种“持续的生成”状态；以及杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）在滴画（Dripping）技法成熟后，如何面临“完成”与“无限”之间的哲学悖论。我们不展示作品本身，而是聚焦于他们所处的创作语境和方法论的演变，特别是他们如何系统地消除传统构图、焦点和视觉层次，以达到一种纯粹的、未被过滤的表达。核心议题二：抽象的“神性”与世俗化的张力在战后的美国社会，对形而上学和精神慰藉的渴求空前高涨。本书探讨了抽象艺术如何被赋予一种近乎宗教性的意义。我们研究了当时艺术评论界对“崇高”（The Sublime）在抽象绘画中的再现的讨论，以及艺术家们如何试图通过作品的巨大尺度和材料的原始质感，来传达一种超越日常经验的、近乎形而上的体验。这一部分特别关注了对“材料”的态度转变。不同于早期现代主义对材料的精细处理，这一时期的艺术家们倾向于让材料显露出其粗粝、未加工的状态。这不仅是技术上的选择，更是一种对工业化和标准化社会的反叛姿态，是试图在画布上重建一种“原始的、未被驯化的能量”。核心议题三：批评理论的演变与文化基础设施的构建艺术作品的诞生总是伴随着理论的孵化。本书将大量的篇幅投入到对当时主要艺术评论家和哲学家思想的梳理上，例如克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）和哈罗德·罗斯伯格（Harold Rosenberg）的理论论战。我们分析了“绘画性”（Painterliness）与“行动绘画”（Action Painting）概念的形成过程，以及这些理论如何影响了艺术院校的教学范式和博物馆的收藏倾向。重点在于，这些理论是如何为新兴的抽象风格提供一个坚实的知识论基础，使其能够对抗来自欧洲的传统艺术观念的挑战。书中探讨了如何通过这些理论话语，成功地将美国艺术的中心地位从巴黎转移到纽约。核心议题四：跨媒介的对话与媒介的边界消融 1950年代中期不仅仅是绘画的黄金时代，也是艺术界对媒介边界进行挑战的时期。本书考察了抽象表现主义思潮如何渗透到雕塑和早期表演艺术的萌芽阶段。我们审到了某些雕塑家如何借鉴绘画中线条和笔触的动态感，创造出“场域雕塑”（Field Sculpture），它们不再是传统意义上的固定物象，而是对周围空间的介入和重塑。同时，我们也考察了当时音乐界（如约翰·凯奇的随机音乐）和诗歌界（如“黑山学派”的实验性表达）如何与视觉艺术进行隐秘的对话，共同指向一种“即时性”和“过程重于结果”的艺术哲学。总结：未竟的革命本书并非对某一特定艺术家的作品进行编年史式的梳理或风格归类。相反，它试图重构1950年代中期那个充满活力、充满矛盾的“精神气候”。通过对当时理论、方法论、以及文化焦虑的细致考察，读者可以理解，这一时期的艺术探索，是如何为后来的极简主义、偶发艺术以及概念艺术的出现，铺设了不可或缺的思想轨道。它捕捉的是一场艺术运动在高峰期所展现出的复杂性、内在张力与尚未完全实现的巨大潜力。本书适合对象：艺术史学者、当代艺术理论研究人员，以及任何希望深入理解20世纪中叶美国文化转向的严肃读者。