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出版者:Transition Vendor

作者:Sandford, Christopher

出品人:

页数:355

译者:

出版时间:2004-3

价格:$ 21.47

装帧:Pap

isbn号码:9780786713684

丛书系列:

图书标签:

• 摇滚乐
• 自传
• 吉他
• 滚石乐队
• 音乐家
• 回忆录
• 毒品
• 性
• 音乐史
• 摇滚文化

摇滚不朽的颂歌：那些被遗忘的音乐史诗 本书收录了七位在音乐史上留下深刻印记的传奇人物的生平、创作历程与时代影响，他们是摇滚、蓝调、爵士以及前卫音乐领域的先驱者与革新者。本书旨在深入挖掘这些艺术家如何用他们的音乐重塑了听众的感知，以及他们的艺术思想如何跨越时间，持续激发着后来的音乐人。 第一章：蓝调的布鲁斯之魂——罗伯特·约翰逊的迷雾与旋律 本章聚焦于被誉为“三角洲蓝调之王”的罗伯特·约翰逊（Robert Johnson）。尽管他的生平记录稀少且充满神话色彩，但其留下的短短三十首录音，却是整个美国现代音乐的基石。我们将详细分析他那令人惊叹的吉他技巧——如何用一把简单的六弦琴模拟出完整的乐队音效。 我们探究了“魔鬼交易”的传说，并试图从更扎实的音乐学角度解析其旋律的复杂性。约翰逊的音乐结构常常游走在传统布鲁斯和早期乡村音乐之间，其歌词则直指人类最原始的欲望、恐惧与生存的困境。书中对《十字路口蓝调》（Cross Road Blues）和《爱丽丝之歌》（Love in Vain）的乐理进行了细致的拆解，揭示了他是如何运用不协和音程和独特的节奏模式，营造出那种宿命般的、令人不安的音乐氛围。 此外，本章也回顾了他在密西西比三角洲的巡演生活，以及他对后来英国入侵时期摇滚乐队，如滚石乐队（The Rolling Stones）和奶油乐队（Cream）产生的深远影响。我们相信，理解约翰逊的孤独与挣扎，是理解所有现代摇滚乐的起点。 第二章：噪音的几何学——约翰·凯奇与静默的革命 约翰·凯奇（John Cage），一位彻底颠覆了“什么是音乐”定义的作曲家。本章将带读者进入二十世纪中叶前卫艺术的迷宫。凯奇的哲学核心在于概率、随机性与“零干预”的艺术创作方式。 我们详细分析了他最具争议性的作品——《4'33"》。这本书不仅仅是描述这部作品如何被演奏（或未被演奏），更是深入探讨了凯奇对“环境声音”的重新定义。他如何通过引入不确定性，迫使听众关注音乐厅之外、生活之中无处不在的声响。书中包含了对他的易经（I Ching）应用方法的详细说明，解释了他是如何利用哲学工具来指导音乐的结构。 本章还涵盖了凯奇对打击乐的革新，特别是在他与铃木大拙学习禅宗思想之后，他对乐器“去中心化”的处理。我们对比了他在美国和欧洲的早期影响，以及他的理念是如何与抽象表现主义绘画产生共鸣，最终为极简主义音乐奠定了理论基础。 第三章：华丽摇滚的烟雾与镜子——大卫·鲍伊的身份剧场 大卫·鲍伊（David Bowie），一个不断自我重塑的音乐符号。本章着重分析鲍伊如何将音乐、时尚、戏剧和性别认同融为一体，创造出一种全新的、具有社会批判性的舞台艺术。 我们沿着他职业生涯中的几个关键“化身”（Alter Egos）进行深入剖析：从早期的嬉皮士民谣歌手，到外星来客“Ziggy Stardust”，再到冷峻的“Thin White Duke”。本书详细考察了《Ziggy Stardust and the Spiders from Mars》专辑的创作背景，解释了“Ziggy”如何成为一个对七十年代英国社会幻灭感的回应。 鲍伊在音乐上的融合能力令人惊叹，本章也探讨了他如何巧妙地吸收了德国电子音乐（Krautrock）、柏林学派的氛围感以及放克（Funk）节奏。我们特别关注他与布莱恩·伊诺（Brian Eno）在柏林三部曲期间的合作，分析他们如何在录音室中运用非线性叙事手法，创造出那种疏离而迷幻的音景。鲍伊的艺术，是关于身份的流动性与对主流叙事的持续挑战。 第四章：民谣的社会良心——琼尼·米切尔的诗歌与和弦实验 琼尼·米切尔（Joni Mitchell），她的音乐被认为是民谣领域中最具文学性和音乐实验性的典范之一。本章聚焦于她如何在敏感的个人叙事中，融入对社会、政治和情感复杂性的深刻洞察。 米切尔最大的贡献之一在于她对吉他调弦的创新。本书收集并展示了她常用的上百种非常规开放式调弦方式，并解释了这些调弦如何拓宽了她的和声可能性，使其音乐听起来既熟悉又异于传统流行音乐。我们对《Blue》专辑进行了详尽的曲目分析，将其视为现代内省式创作的里程碑。 此外，本章也回顾了她如何挣脱“民谣歌手”的标签，大胆地拥抱爵士乐元素。她与雅尼·米切尔（Jaco Pastorius）等爵士大师的合作，展示了她对复杂节奏和即兴创作的渴望。她的歌词，如同精致的散文诗，描绘了爱、失落、旅游和女性视角下的生存困境，其深度至今难以匹敌。 第五章：节奏的解构与重建——伯纳德·普尔的采样哲学 伯纳德·普尔（Bernard Purdie），“世界第一鼓手”，本章深入探究了在他身上体现的放克（Funk）与灵魂乐（Soul）节奏的精髓，以及他如何成为采样文化中被引用次数最多的鼓手之一。 普尔的标志性贡献在于他那难以捉摸的、富有弹性的节奏感，尤其体现在他著名的“普尔碎拍”（Purdie Shuffle）上。本章通过图表和节奏分析，详细解析了“碎拍”是如何巧妙地在两拍与三拍之间游移，创造出令人兴奋的律动感。 尽管我们讨论的是采样文化中的一位“幕后巨人”，但本章的重点仍然是他的现场演奏能力和对节奏的直觉把握。我们将分析他与詹姆斯·布朗（James Brown）、艾瑞莎·弗兰克林（Aretha Franklin）等人的经典合作，展示他是如何通过细微的重音变化，赋予歌曲灵魂。普尔的音乐是关于律动如何在看似简单的重复中，蕴含着无限的能量。 第六章：英国的朋克精神与回归本真——薇薇安·范的呐喊 薇薇安·范（Vivienne Vance），一位极具影响力的早期英国朋克/后朋克场景中的关键人物，尽管她的主流知名度可能低于她的同辈，但她的态度和音乐的纯粹性对地下音乐场景产生了不可磨灭的影响。 本章着重探讨了范如何利用极简的编曲和原始的、充满愤怒的歌词，对抗七十年代末期摇滚乐的过度繁复。她的乐队以其粗粝的音色、不稳定的节奏和直接的政治宣言而闻名。我们分析了她那极具爆发力的现场表演，如何将个人被边缘化的体验转化为普遍的社会反抗信息。 本书还考察了范在后朋克时期对合成器和早期电子噪音的运用，展示了她如何拒绝被单一的“朋克”标签所定义，而是不断探索音乐形式的边界。她的作品是关于真实性（Authenticity）的宣言，即艺术不应追求完美，而应追求力量与诚实的表达。 第七章：后摇滚的氛围建筑师——史蒂芬·麦克唐纳的广阔景观 本章最后将目光投向史蒂芬·麦克唐纳（Stephen McDonald），一位专注于器乐演奏和声音纹理构建的音乐家。他代表了九十年代后摇滚（Post-Rock）运动的巅峰，该流派拒绝传统的主歌-副歌结构，转而追求通过音乐的动态发展来叙事。 麦克唐纳的创作哲学在于“构建场景”。我们分析了他如何利用冗长的乐章、渐进式的音量累积（Crescendo）以及对延迟（Delay）和混响（Reverb）效果的精妙控制，来引导听众进入一种冥想般的、广阔的空间感中。他的音乐常常被比作声音的“电影配乐”，即使没有歌词，也能描绘出宏大的自然景观或内心的情感冲突。 本书详细研究了他如何平衡吉他音景的复杂性与鼓组的稳定驱动力，探讨了他在没有传统人声旋律的情况下，如何实现情感的高潮与宣泄。麦克唐纳的作品证明了音乐叙事可以脱离语言，仅凭声音的纯粹力量来打动人心。 本书是对七位艺术家的音乐遗产的一次深度致敬，他们共同构建了二十世纪下半叶至本世纪初，音乐文化的多样性与不屈的创新精神。

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