Stephane Grappelli

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出版者:Music Sales Corp
作者:Balmer, Paul
出品人:
页数:440
译者:
出版时间:
价格:24.95
装帧:HRD
isbn号码:9781860744532
丛书系列:
图书标签:
  • 爵士乐
  • 小提琴
  • 斯蒂芬·格拉佩利
  • 法国爵士
  • 吉普赛爵士
  • 音乐家
  • 传记
  • 音乐历史
  • 即兴演奏
  • 欧洲爵士
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具体描述

《指尖上的协奏:爵士小提琴的黄金时代与音乐的传承》 一本跨越世纪的音乐史诗,追溯一位大师的足迹,探索一种流派的兴衰与不朽。 这不是一本关于特定艺术家的传记,而是一部深植于二十世纪音乐土壤中的文化编年史,它以一种宏大而细腻的视角,描绘了爵士乐,特别是小提琴在其中的独特地位,以及那些塑造了这一美学范式的关键人物与时代浪潮。 本书旨在剥离个人光环的笼罩,聚焦于一种音乐语言本身是如何诞生、发展、融合,并最终影响了整个二十世纪的听觉景观。我们不追溯某一位演奏者的具体日程或私生活,而是深入探究驱动其音乐实践的文化、技术与社会结构。 第一部分:欧洲大陆的音乐熔炉(1900-1930) 本书的第一部分将场景设定在两次世界大战之间那段动荡而充满创造力的欧洲大陆。我们将详细分析“流浪者”(Gypsy)音乐传统,特别是其在东欧地区的深厚根基,是如何与新兴的美国黑人音乐——爵士乐——产生奇妙的化学反应。 技术革命与乐器变革: 我们将详尽考察在这一时期,小提琴的制作工艺、弓弦材料以及演奏技法上所发生的微妙但关键的演变。如何使一把原本属于古典音乐殿堂的乐器,获得了在喧嚣的舞厅中与萨克斯风、钢琴抗衡的音量与穿透力?这涉及到对音色塑形的深入分析,包括颤音(vibrato)的频率控制、揉弦的力度差异,以及如何运用“切分音”(syncopation)技巧来模仿鼓点和切分的节奏感。 巴黎的“黄金海岸”: 重点描绘了二十年代巴黎作为全球艺术交汇点的独特地位。这不是关于某位咖啡馆常客的轶事记录,而是对当时艺术赞助人、小型乐团的组织结构,以及跨文化交流对音乐风格定型影响的社会学考察。我们探讨了爱尔兰、犹太、吉普赛以及法式香颂等多种元素,如何在一锅煮中,形成了日后被统称为“法国爵士”的独特风味——那种优雅而略带忧郁的色彩。 第二部分:乐理的解构与重塑(1930-1950) 随着音乐进入大乐队(Big Band)时代,对小提琴演奏提出了新的挑战:如何在高密度、多声部编排中保持个性和旋律的清晰度? 和声学的突破: 这一章将聚焦于和声系统的演变。我们不会罗列和弦名称,而是分析爵士乐对传统调性的“侵蚀”过程。小提琴手如何开始使用九和弦(9ths)、十一和弦(11ths)和十三和弦(13ths)来创造更丰富、更具流动性的背景?重点分析了“替代和弦”(Chord Substitution)在即兴演奏中的应用,以及它如何解放了旋律线条,使其能够脱离严格的音阶限制,自由地穿梭于和声结构之上。 节奏感的“黑人化”: 本部分对节奏感的探讨是核心。爵士乐的核心在于“摇摆”(Swing)。我们将分析小提琴家是如何有意识地将重音从传统古典乐的强拍(On the beat)转移到弱拍(Off the beat),甚至是在拍子的“之间”(In between the beats)。这不是简单的模仿,而是一种对时间感知的重构。我们对比了小提琴在演奏严格的二拍子(Two-beat feel)与更流畅的四拍子(Four-beat feel)时,在弓法和指法上必须做出的调整。 录音技术的制约与解放: 我们审视了早期磁带和黑胶唱片技术对音乐制作的影响。低保真录音环境如何迫使演奏者在音色上做出妥协,例如可能减少高频泛音的夸张使用?反之,录音的持久性又如何促使演奏者将转瞬即逝的即兴片段固化下来,形成新的演奏范本? 第三部分:流派的融合与后世的回响(1950至今) 爵士乐在战后迅速分化为比波普(Bebop)、冷爵士(Cool Jazz)和后来的自由爵士(Free Jazz)。小提琴在这些新流派中的定位,充满了张力和实验性。 与比波普的对决: 面对比波普那种极速的、棱角分明的和声进行,小提琴的物理特性(较慢的换把速度、更长的音符承载时间)使其处于劣势。本章分析的是“适应”而非“追逐”:演奏者如何通过更紧凑的乐句(phrasing)和更锐利的拨弦(pizzicato)技巧,来模拟萨克斯风或小号的攻击性,以及他们如何在极速中保持旋律线的叙事完整性。 跨界的实验性: 随着爵士乐开始与古典现代主义、电子音乐、世界音乐等领域碰撞,小提琴再次成为探索的前沿。这部分深入探讨了“非传统音色”的运用,例如使用导电琴弦、效果器(如哇音踏板或延迟),以及如何将二十世纪后半叶的“噪音美学”融入到爵士即兴的框架之内。这不是对个人技艺的赞颂,而是对音乐语言边界不断试探的记录。 音乐的遗产与教学法: 尾声部分,我们将目光投向这些音乐实践如何渗透到当代音乐教育体系中。探讨这些伟大的“声音”是如何被抽象化、理论化,并作为一种可复制的知识体系代代相传。我们考察的是,那些被历史筛选下来的、最精髓的音乐原则,是如何构建了现代音乐人才的共同基础。 《指尖上的协奏》是一本关于 如何听 的书,它引导读者穿越技术、和声与时代的迷雾,去理解一种音乐形式在特定历史时期内,如何通过乐器和演奏者之间的深度对话而得以永生。 它提供的不是一个人的故事,而是一套关于声音、节奏与文化碰撞的完整方法论。

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