Published to accompany the Hammer Museum's Summer 2007 exhibition, Eden's Edge, this exploration of art made in Los Angeles during the past decade crosses generations, mediums, and materials to link 15 artists of singular personal vision, whether internationally established or not-yet-discovered. The artists--who include Ginny Bishton, Mark Bradford, Liz Craft, Sharon Ellis, Matt Greene, Elliott Hundley, Stanya Kahn and Harry Dodge, Monica Majoli, Rebecca Morales, Matthew Monahan, Lari Pittman, Ken Price, Jason Rhodes, Anna Sew Hoy and Jim Shaw--all track, via their work and vision, a persistent consciousness of change and contradiction. The works collected here are intensely crafted and conjure richly imagistic worlds in which landscape and figure fracture and metamorphose. Together, they establish a generational continuum, integrating newly emerging artists with their more established peers. This clothbound volume includes a critical essay by curator Gary Garrels that contextualizes both the exhibition and the artists' work within the art and culture of southern California, the international art scene, and the trends of the last decade. It includes an entry, a biography, a selected exhibition history and a bibliography for each of the 15 artists.
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我跟朋友聊起这本书的时候,我发现我们对它的理解路径简直南辕北辙。我更关注的是它在语言层面上的那种近乎强迫性的重复与变奏。作者似乎迷恋于构建一系列结构极其相似的句子,但总是在关键的名词或动词上做出极其微妙的、几乎难以察觉的替换。起初,这种写法让人感到困惑,甚至有些恼火,仿佛作者在故意设置阅读的障碍,考验读者的耐心极限。但坚持读下去后,我开始意识到这是一种高明的修辞策略。这种重复不是为了强调,而是为了揭示“差异的本质”。通过不断地描摹相似的场景或行为,作者将读者的注意力从“是什么”引向了“为什么是这个版本而不是上一个版本”。这就像是音乐中的复调,不同声部在同一个和弦框架内独立发展,最终汇聚成一种宏大而又令人不安的和谐感。在叙事的高潮部分,这种语言结构达到了顶峰,句子开始破碎、断裂,仿佛是某种心智崩溃的外化表现。我不得不停下来,回溯前几页,重新审视那些看似平淡的描述,因为我意识到,那些被我略过的“微小变化”,其实是埋藏在文字迷宫里的关键线索。这本书的句法结构本身,就是一种叙事行为。
评分这本书的节奏控制,坦白地说,让人非常抓狂,但又有一种难以抗拒的魔力。它完全不遵循传统小说的“起承转合”。有一段时间,我感觉自己陷入了一个叙事的回环——故事似乎在不断地重复讲述同一个核心事件,但每一次重复,讲述的角度、侧重点,乃至事件本身的结果都会发生微妙的偏移。这非常考验读者的耐心,因为你总是在期待“接下来”会发生什么,但“接下来”却往往是“又回到了起点,只是这次光线不同了”。这种感觉像是在看一场无限循环的梦境,你知道自己在做梦,却无法醒来,只能被困在梦境的逻辑中。我猜测,作者可能是在模仿某种非线性的时间感知,或者某种创伤后遗症中记忆的碎片化重现。但对于那些寻求清晰情节推进的读者来说,这无疑是一场折磨。我记得有一次,我为了弄清楚某一时间线的逻辑,不得不拿出笔在草稿纸上画图,试图将这些错综复杂、相互渗透的叙事片段理顺。这种阅读体验,已经超越了娱乐范畴,更像是一种智力上的耐力测试。
评分最让我印象深刻的是作者对“缺席”的描绘。这本书里充斥着各种缺席的主题:失踪的人、被遗忘的语言、早已崩塌的建筑、以及角色心中那个永远无法填补的情感空洞。作者很少直接描述这些缺席的“存在感”,而是通过描绘周围一切事物的“反射”或“共振”来侧面烘托。比如,某个角色对一杯特定饮料的执念,这种执念本身不是因为喜欢那个味道,而是因为这个味道与某个早已不在的人的某种习惯紧密相连。通过这种方式,作者构建了一个由“影子”和“回响”构成的世界。你总是在追逐那些不再身处“现场”的东西。这种写作手法非常高明,它避免了直接抒情带来的矫揉造作,而是让读者自己去感受那种巨大的、无声的失落感。它迫使你思考,那些“不在场”的事物,在我们的认知构建中,究竟占据了多大的比重。读完后,我感觉自己对现实世界的感知也发生了一点微妙的位移,好像看任何事物时,都会下意识地去寻找它背后的那个“空缺”是什么。
评分从主题的广度来看,这本书的野心是令人敬畏的,但执行上却显得有些飘忽不定,这让我感到一丝惋惜。它似乎想囊括太多关于“失落”与“重建”的议题,从某种宏大的、近乎神话学的视角切入,谈论文明的残骸和记忆的惰性。有那么几章,它一下子跳跃到了一个完全不同的时间尺度,描述着地质变迁对人类精神的投射,那种感觉就像是突然被拉高到卫星视角,看着地面上的所有挣扎都变得微不足道。然而,当视角重新聚焦到具体的个体命运时,角色塑造却显得有些单薄和工具化。他们似乎更像是作者用来承载某种哲学命题的载体,而不是真正有血有肉、会呼吸的人。我欣赏作者敢于触碰如此宏大命题的勇气,但当那些沉重的概念压在角色身上时,角色本身却无法支撑其重量。这就像用一根细竹竿去支撑一座石拱桥,结构是宏伟的,但承重力是个问题。我期望看到更多人性的挣扎,而不是纯粹的哲学思辨,尽管后者本身也写得极具启发性。
评分这本书,说实话,拿到手上的时候,我其实是抱着一种近乎挑剔的心态的。封面设计得很有心思,那种略带磨砂质感的纸张,触感上就给人一种“沉静”的感觉,但这年头,很多书都是靠包装来吸引眼球的,内容嘛,往往经不起推敲。我首先翻阅的是目录,章节标题的处理方式非常巧妙,它们像一系列晦涩的谜语,每一个词语的排列组合都似乎在暗示着某种更深层的结构,而不是直接点明故事走向。作者显然不满足于传统的叙事手法,从标题的分布密度来看,前半部分的铺陈极为缓慢,像是在建造一个极其复杂、需要精确校准的仪器,大量的篇幅被用来描绘某个特定场景下的光影变化、空气中的细微振动,以及角色内心深处那些几乎无法言喻的、像量子纠缠一样复杂的心理活动。我尤其欣赏作者在描述那些静默瞬间时所使用的词汇,它们不是简单的“安静”或“沉默”,而是充满了听觉上的残留信息,仿佛你不是在阅读,而是在一个极端寂静的空间里,努力捕捉远方微弱的信号。这种对感官细节的极致捕捉,让我一度怀疑,这本书的真正主题可能不在于情节的推进,而在于对“存在”本身边界的探索。它要求读者慢下来,甚至停下来,去重新校准自己的阅读节奏,这对于习惯了快节奏信息流的现代人来说,无疑是一种挑战,但也是一种独特的享受。
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