具体描述
Robert Rauschenberg (b. 1925) began to investigate the boundaries between painting and sculpture in the 1950s, working with a variety of found objects in his Combine paintings and freestanding Combines. Later, in his "Cardboard" series (1971-72), he confined himself to the use of cardboard boxes, eliminating virtually all imagery, reducing the palette to a near monochrome, and commenting in subtle ways on the materialism and disposability of modern life. This book is the first to focus exclusively on Rauschenberg's rarely seen Cardboards, along with related works from his "Made in Tampa Clay", "Cardbirds", "Egyptian", and "Venetian" series. Approximately eighty-eight Cardboards and related sculptural pieces, many from the artist's personal collection, are reproduced in the book. Full provenance and exhibition history is provided for each work, along with a complete bibliography. In addition, distinguished scholars Yve-Alain Bois and Josef Helfenstein offer insightful essays in which they discuss the Cardboards and situate these lesser-known but critical pieces within the context of Rauschenberg's long and creative career.
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读后感
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用户评价
我必须承认，这本书的叙事节奏对我来说是个不小的挑战。它不像一本精心打磨的故事书，更像是一份高度专业化的学术论文集被硬生生地缝合在了一起，但缝合得又异常巧妙。全书没有一个统一的“声音”，不同章节的作者群（或者说，视角切换得如此之大，让我感觉是不同的人在撰写）对劳森伯格的解读各有侧重。有一部分篇幅极其专注于他对丝网印刷技术的使用，从早期的实验性到后期商业化色彩的渗透，分析了技术如何服务于他不断变换的媒介焦虑。那部分内容对技术细节的考据，细致到让我这个非专业人士都能感受到每一次曝光和显影过程中的微妙差异。然而，紧接着，篇幅又猛地转向了劳森伯格与默斯·坎宁安和约翰·凯奇的合作关系，重点放在了“偶然性”和“不干预美学”的哲学探讨上。这种风格的跳跃性，初读时会让人感到迷失，仿佛在知识的海洋里被巨浪反复拍打。但细细品味后，我意识到这正是理解劳森伯格艺术策略的关键——他拒绝被任何单一的标签或时间线所束缚。这本书成功地传达了劳森伯格作为一种“过程”而非“结果”的艺术家的本质，他永远在路上，永远在重组。
评分这本关于罗伯特·劳森伯格的书，着实让我经历了一场视觉与思维的过山车。我原本以为会读到一本传统的艺术家传记，充斥着生平琐事和创作背景的线性叙述，但这本书却以一种近乎碎片化、却又极其精准的方式，解构了这位波普艺术巨匠的创作内核。作者似乎没有急于给我们一个明确的“劳森伯格是谁”的答案，而是将我们直接抛入了1950年代纽约的喧嚣之中，那种泥土、油彩、日常废弃物混合在一起的原始能量，扑面而来。书中对“Combine Paintings”（拼贴画）的分析，简直是教科书级别的深入。它不仅仅停留在描述劳森伯格把床单、轮胎、填充动物塞进画布的行为有多么“叛逆”，而是深入探讨了这种材料的介入，如何彻底模糊了“艺术”与“生活”的界限。我特别欣赏作者对“信息过载”时代的早期洞察，劳森伯格的作品，在当时被视为对战后美国乐观主义的戏谑，但放在今天来看，它们简直就是对我们当前信息洪流的精准预言。每一次翻页，都像是在探索一个未知的迷宫，你需要不断调整自己的视角，才能真正捕捉到那些被忽略在角落里的诗意与批判。这本书的排版也极具巧思，许多重要作品的图片是跨页甚至三折页的，那种尺寸上的压迫感，让你不得不像面对原作一样，退后几步才能将其纳入视野，这种阅读体验本身，就是对劳森伯格作品的一种致敬。
评分坦白说，这本书的装帧设计初看之下并不讨喜，封面选择了一张极其日常化、甚至有些模糊的劳森伯格工作照，缺乏传统艺术书籍那种追求完美视觉冲击力的倾向。但这恰恰是这本书精神的最佳体现——它拒绝了“大师光环”的加持。整本书的结构像是一部复杂的交响乐，不同乐章（主题）时而互相交织，时而独自奏鸣，但最终都指向同一个核心：劳森伯格对“在场感”的执着追求。我特别赞赏作者对劳森伯格“幽默感”的挖掘。在诸多严肃的艺术评论中，艺术家的幽默感往往被轻描淡写地带过，但这本书花了相当的篇幅去分析那些潜藏在他作品深处的、带着一丝狡黠的玩笑和对既定规范的嘲弄。这种幽默，不是简单的滑稽，而是一种更高层次的、基于对现实荒谬性的深刻理解而产生的智慧。阅读完此书，我感觉自己没有“读完”一个故事，而是“学会”了一种看待世界的方式——一种要求我必须对周围的一切保持警觉、随时准备好将垃圾转化为黄金、将偶然转化为必然的积极姿态。这是一部需要反复咀嚼，才能体会出其中深厚滋味的著作。
评分我必须给这本书一个“挑剔的赞赏”。它的缺陷在于，某些章节的论述过于依赖晦涩的术语，让普通读者在阅读过程中需要频繁查阅背景资料，这无疑降低了阅读的流畅性。但这份“晦涩”，恰恰也反映了劳森伯格本人创作过程中的那种非线性、反直觉的复杂性。真正让我流连忘返的是那些关于“色彩”与“光线”的论述。作者并没有把色彩视为仅仅是视觉上的装饰，而是将其视为一种物质性的、有重量的实体。书中详细对比了劳森伯格在不同时期对特定颜料的偏好，以及这些偏好如何受到他生活环境——无论是纽约的工作室还是加勒比海的阳光——的影响。特别是对一些较少被提及的、偏向于光影雕塑的作品群的分析，如同拨开云雾见到了艺术家内心深处对形而上学问题的探索。这部分内容写得尤为细腻和富有诗意，仿佛作者本人也沉浸在了那些光影交错的瞬间，并成功地将那份“瞬间即永恒”的感受，传递给了屏幕前的我。这本书最终呈现给我的，不是一个被定格的艺术大师，而是一个永远处于动态平衡中的、与世界持续对话的观察者。
评分这本书最让我感到震撼的，是它对“空间”和“时间”在劳森伯格作品中交织方式的剖析。我之前总是习惯将他的作品视为二维的平面，或者是三维的雕塑装置，但这本书引导我看到了他如何利用“序列”和“转换”来操纵时间感。比如，书中深入分析了《厄拉选集》（Erased De Kooning Drawing）的事件本身，不仅仅是行为艺术的记录，更是对“创作行为”与“艺术品价值”之间时间轴的彻底颠覆。作者用极其冷静甚至略带冷酷的笔触，拆解了“擦除”这一动作所蕴含的哲学重量：一个艺术家的消解，如何能成为另一个艺术家的构建？更令人拍案叫绝的是，对于他后期在世界各地进行的大型项目，如“七年项目”（Seven Stars），书中没有简单地罗列其宏大，而是着重于描述那种跨文化、跨媒介的“连接”过程。它不再是关于艺术品本身，而是关于艺术作为一种社会润滑剂、一种信息传递网络的载体。这种将艺术拉回到更广阔的社会生态中去审视的视角，对我看待当代艺术实践产生了根本性的影响，让我开始思考，我的日常经验，何时能被转化为具有同等强度的艺术语言。
评分引言的介绍评论还挺值得翻译一下，劳申伯格的创作力的确旺盛
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