High Fashion Hats, 1950-1980 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Schiffer Pub Ltd

作者:Jamieson, Rose Q./ Deardorff, Joanne E.

出品人:

页数:176

译者:

出版时间:2007-7

价格:$ 33.84

装帧:Pap

isbn号码:9780764324505

丛书系列:

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《维多利亚时代服饰的演变：从浪漫到实用主义的过渡》 作者： 伊芙琳·哈珀 (Evelyn Harper) 出版社： 泰晤士与哈德逊 (Thames & Hudson) 出版年份： 2005年 --- 内容提要 《维多利亚时代服饰的演变：从浪漫主义到实用主义的过渡》深入剖析了英国维多利亚时代（1837年至1901年）这六十余年中，女性服饰风格、社会功能及其背后的文化驱动力所经历的深刻变革。本书不仅是一部对时尚史的详尽记录，更是一部社会史的侧面描绘，揭示了工业革命、殖民扩张、科学进步以及女性角色日益多元化对服装美学产生的决定性影响。 本书摒弃了对特定时期“流行”的肤浅罗列，而是着重探讨了结构、面料、颜色和廓形如何反映出阶级、道德规范和技术创新之间的复杂张力。作者哈珀教授以其严谨的档案研究和敏锐的社会洞察力，引导读者穿越重重繁复的裙撑和紧身胸衣，直抵维多利亚时代女性日常着装的实质。 卷首语：面料下的时代脉搏 维多利亚时代是一个矛盾的时代——它既推崇保守的道德观，又孕育着翻天覆地的技术飞跃。服装，作为最直接的社会符号，无疑是这种矛盾的集大成者。本书的起点追溯到1830年代的“浪漫主义回潮”，此时的女性形象仍被洛可可式的柔美和对中世纪的向往所笼罩，强调纤腰和巨大的裙摆，以展现女性的娇弱与依附性。 第一部分：结构与限制 (1837–1860s) 本部分详细考察了维多利亚时代早期服饰的技术核心：紧身胸衣（Corset）与克里诺林（Crinoline）的统治。 1. 内部的几何学：紧身胸衣的哲学 哈珀教授首先解构了紧身胸衣的功能，它不仅仅是塑造“理想”沙漏型身材的工具，更是社会对女性身体进行规范化的体现。通过分析当时的健康论著和裁缝手册，本书揭示了胸衣的制作工艺如何从早期的鲸骨支撑演变为1850年代后期的钢丝笼结构，这种结构变化反映了对更极端“沙漏”轮廓的追求，同时也引发了关于“内脏受压”的早期公共卫生辩论。 2. 空间的宣示：克里诺林时代的到来 1856年“笼形裙撑”的专利引发了裙子尺寸的爆炸性增长。本书以详尽的图表和当时的漫画为证，分析了克里诺林如何成为财富和闲暇的象征——一个只能在特定空间内活动的人，必然是无需劳作的上流社会成员。我们考察了面料的进步（如更轻盈的马毛和金属丝）如何使得这种夸张的体积成为可能，以及它对公共交通、室内设计乃至火灾安全造成的实际影响。 3. 道德的色彩与图案 本阶段的色彩理论深受“达盖尔摄影法”和早期染料工业（尤其是苯胺紫的出现）的影响。从早期的柔和色调过渡到更浓郁的色块，本书探讨了“黑色”在寡妇服饰中近乎宗教般的严格性，以及深红色和墨绿色如何标志着中产阶级的成熟品味。 第二部分：运动与转型 (1870s–1880s) 随着社会对过度膨胀的克里诺林的厌倦，焦点转向后部。本部分深入研究了巴斯尔（Bustle，臀垫）的兴起与衰落，以及“新女性”思潮对服装的初期冲击。 1. 建筑学的后撤：巴斯尔的兴衰 巴斯尔从早期的轻微支撑演变为1880年代中期令人费解的“框架式”后凸结构。哈珀认为，巴斯尔的出现标志着女性身体从侧面膨胀向后部集中的转变，这与当时强调“运动感”的审美倾向相悖，反而更像是一种对静止优雅的刻意摆拍。本书详细对比了两次巴斯尔浪潮之间的“自然轮廓期”（The Natural Form Era, 1878-1882），分析了当时受苏格兰艺术家设计的“阿伯丁式拖裾”等相对宽松服装的短暂流行。 2. 实用性萌芽：针对特定活动的着装 这是服装功能分化的关键十年。随着骑马、打网球和在海外度假的普及，女性对功能性服装的需求首次被严肃对待。本书专门开辟章节讨论： 骑马服（Riding Habits）： 首次引入了与男装裤子结构相似的“侧开衩”设计，这在当时是巨大的道德挑战。 旅行装（Travelling Costumes）： 强调不易起皱的羊毛面料和可拆卸的衬里，体现了对长途旅行的适应。 第三部分：黎明前的变革 (1890s) 进入世纪末，服装开始“呼吸”。这一部分重点关注了对“健康”和“自由”的渴望如何最终瓦解了僵硬的维多利亚结构，预示着爱德华时代的到来。 1. 喇叭袖与“自行车姿势” 1890年代标志着肩部的回归——从收紧的肩线到巨大的“羊腿袖”（Leg-of-Mutton Sleeves）。本书分析了这种夸张的上半身轮廓与下半身（A字裙或略微蓬松的裙子）形成的新平衡。特别值得关注的是自行车运动的普及，它要求服装既要安全（不能缠入车轮）又要提供足够的腿部活动空间，从而催生了对改良长裙和“箱形外套”（Boxy Jackets）的需求。 2. 审美运动与艺术的干预 本书探讨了“审美运动”（Aesthetic Movement）对服装的理想化影响。以威廉·莫里斯和伯内特·琼斯为代表的艺术家们倡导“艺术家居”与“艺术服饰”，反对工业化生产的平庸与紧身胸衣的压迫。尽管这些设计并未在主流社会中普及，但它们为20世纪初的自由剪裁提供了重要的理论和美学基础。我们考察了“波希米亚式”服装——宽松的长袍、飘逸的面料和自然垂落的腰线——作为对主流规范的温和反抗。 3. 职业女性的崛起与套装的诞生 随着电话接线员、教师和商店店员等职业的出现，女性对耐穿、易于维护的服装的需求达到顶峰。本书详尽描述了早期“女性套装”（Tailor-made Suits）的诞生过程：将男性剪裁的严谨性融入女性服装，使用粗花呢和哈里斯花呢等耐磨面料，标志着服饰从纯粹的装饰品向工作工具的身份转变。 结论：从束缚到解放的漫长旅程 《维多利亚时代服饰的演变》总结道，维多利亚时代的服饰并非一成不变的僵硬符号，而是社会压力、技术发明和不断萌芽的个人主义之间持续拉锯的结果。从早期的炫耀性体积到后期的功能性剪裁，每一步演变都映照着一个帝国的焦虑与雄心。本书通过对历史文献、时装插画和幸存实物的细致考察，为理解现代女性着装如何从历史的束缚中挣脱，提供了坚实而深刻的视角。 --- 关键词： 维多利亚时代、紧身胸衣、克里诺林、巴斯尔、女性职业装、审美运动、十九世纪面料史、淑女装、社会等级。

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这本书的封面设计简直就是一场视觉盛宴，那浓郁的色彩搭配和精妙的排版，让人一眼就能感受到那个黄金年代的浮华与精致。我一直对战后时尚史抱有浓厚的兴趣，尤其是那些被视为艺术品般的配饰，而这本画册的选材无疑是顶级的。翻开内页，那些由顶级摄影师捕捉下的瞬间，不仅仅是展示了帽子本身，更传递出一种特定的时代情绪——那种战后经济复苏带来的乐观、对奢华的重新定义，以及女性地位微妙的变化。我特别欣赏作者对不同设计师风格的梳理，比如那些结构主义的硬朗线条与后来的柔美曲线之间的转换，简直就是一部无声的时尚编年史。书中对材质的描述也极其考究，从费多拉帽上的顶级羊毛毡，到晚宴礼帽上那些闪耀的水晶和羽毛，都能让人仿佛触摸到当时的触感。虽然这本书侧重于视觉呈现，但穿插其中的简短文字介绍，为每件作品赋予了背景故事，让那些静止的影像立刻鲜活了起来，展现了帽子在当时社交场合中不可或缺的象征意义。

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这本关于五六十年代高级定制帽饰的图集，对于任何一位严肃的时尚研究者来说，都是案头必备的珍贵资料。我尤其赞赏其严谨的考证和清晰的脉络，它没有停留在简单的款式罗列上，而是深入探讨了帽子在不同文化语境下的功能演变。书中对“沙漏型轮廓”和“新面貌”运动中，帽子如何与服装剪裁形成互动，有着非常独到的见解。例如，它详细对比了巴黎高级定制工坊与伦敦萨维尔街之间的风格差异，以及这种差异如何体现在帽檐的宽度和装饰的繁复程度上。我发现，书中对技术细节的关注度非常高，对于当时的帽型结构——诸如如何利用金属骨架支撑起那些夸张的造型，或者如何巧妙地使用网纱和薄纱来营造轻盈感——都有着清晰的图解说明，这对于理解工业设计在奢侈品制造中的作用至关重要。它成功地将时尚史的宏大叙事，巧妙地嵌入到了这些小小的、却极具代表性的配饰之中。

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老实说，我最初拿到这本书时，是冲着那些复古的魅力和华丽的图片去的，但阅读下来，我发现它的深度远超我的预期。它不仅仅是一本“好看的画册”，更像是一部社会变迁的侧写。书中对二战后，女性如何从军装式的实用主义转向重新拥抱柔美和装饰性的过渡时期，有着非常敏锐的捕捉。那些被设计用来遮盖发型、强调颈部线条的宽檐帽，本身就是一种对特定社会规范的服从与反叛的混合体。我非常喜欢其中关于“派对帽”（Fascinator）在七十年代初期的兴起与衰落的章节，它清晰地展示了青年文化对传统配饰规范的冲击。此外，书中的某些专题文章，探讨了如何从一顶帽子的材料来源（比如特定的织物进口国）来反推当时的国际贸易格局，这种跨学科的视角令人耳目一新，让我对那个时代的理解更加立体和丰富了。

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这本书的装帧和印刷质量简直无可挑剔，每一张图片都像是从博物馆展柜里直接翻拍出来的，色彩饱和度拿捏得恰到好处，尤其那些使用了金属光泽面料或珠光油彩的帽子，在纸面上依然能感受到那种奢华的光泽。我是一个业余的收藏爱好者，很多我从未在其他任何地方见过的罕见款式，都在这里得到了详尽的记录。那些专为特定皇室活动或好莱坞首映礼定制的孤品，被清晰地标记了设计师和年份，这对于建立我自己的资料库非常有价值。我特别欣赏作者在文字中对“场合性”的强调，比如哪种帽子适合日间茶会，哪种又是绝对的晚宴禁忌，这种“着装密码”的解读，让读者能够真正沉浸到那个注重礼仪的社交世界里。总而言之，这是一本能让你在阅读过程中不断发出“哇”声的视觉盛宴，同时也是一本值得反复研读的学术参考书。

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我对这本书的整体感受是一种跨越时空的对话感。它没有用那种陈旧的学术腔调来叙述历史，反而像是一位经验丰富的老裁缝，在你耳边轻声细语地讲述着每一针一线背后的故事。书中对不同地域风格的帽子是如何相互借鉴和融合的分析，尤其精彩。比如，它追溯了美国好莱坞对欧洲帽饰设计的影响，以及这种影响如何被本土化，形成一种新的、更具商业潜力的风格。我特别关注了书中关于“环保与可持续”思潮在那个年代的萌芽——即便在追求极致奢华的背景下，设计师们也开始尝试利用剩余面料或创新的再生材料来制作配饰，这种早期探索的记录非常宝贵。这本书的编排逻辑非常流畅，从早期对廓形的探索，到中期对色彩和体积的极致运用，再到后期向极简主义的回归，每一步都走得有理有据，让人在合上书本时，对那个年代时尚的精髓有了更深层次的理解和敬意。

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