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出版者:Diamond Comic Distributors

作者:Ozawa, Tadashi

出品人:

页数:148

译者:

出版时间:2005-9

价格:$ 22.54

装帧:Pap

isbn号码:9781569709382

丛书系列:

图书标签:

• 漫画
• 绘画
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• 素描
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• 插画
• 初学者

东方之韵：穿越时空的日本传统艺术之旅 《东方之韵：穿越时空的日本传统艺术之旅》 并非聚焦于现代流行文化或动漫技法的速成指南，而是一部深入探究日本本土艺术精髓的百科全书式著作。本书旨在带领读者进行一次深沉而广博的文化探险，追溯日本艺术从古代萌芽到江户繁盛时期，再到近代转型的完整脉络。我们不再关注如何“画”出特定形象，而是探究这些形象背后的哲学、历史和社会语境。 本书的结构围绕日本艺术史的几个关键阶段展开，每一章节都像是一扇通往不同历史时期的古老木门。 第一部：神话与形式的奠基（飞鸟、奈良与平安时代） 这一部分深入考察了日本艺术的“石器时代”——即艺术如何从大陆传入并被本土消化吸收的过程。 一、神灵的具象化：佛教艺术的初始形态 我们将详细分析公元六世纪佛教传入后，日本工匠如何解读和重塑来自印度和中国的佛像雕塑风格。重点探讨了“飞鸟风格”的淳朴与“天平时期”的恢弘对比。我们不仅描述了奈良时代著名的塑像（如兴福寺的阿修罗像），更着重剖析了其面部表情的细微变化——从“面无表情”到“内敛的微笑”，这反映了早期佛教在日本社会中地位的演变。关于绘画，本书将详述《法华义疏》等早期经卷的抄写与装饰艺术，特别是“莳绘”工艺的雏形如何渗透到手写体的审美中。 二、物哀与物语的兴起：平安贵族的审美哲学 平安时代是日本本土审美意识觉醒的黄金时期。《东方之韵》将大量篇幅献给“物哀”（Mono no Aware）理论的艺术表现。这不仅仅是感伤，而是一种对事物转瞬即逝之美的深刻感知。 大和绘的形成： 我们将详细拆解“大和绘”——这一完全本土化的绘画风格的诞生过程。它摒弃了中国青绿山水的宏大叙事，转而专注于描绘宫廷生活、季节的细微变化以及贵族的私密情感。重点分析了“绘卷物”（Emakimono）的叙事结构，如《源氏物语绘卷》中，如何利用“吹拔屋台”（屋顶被移除的透视法）和对人物服饰的精细描绘来推进情节。 和歌与书法： 书法在此阶段从单纯的实用工具升华为一种高度个人化的艺术表达。我们探讨了“草体”的演变，以及女性书法家（如紫式部）在这一领域所扮演的关键角色，她们的笔触如何比男性更具流动性和情感张力。 第二部：武士精神与禅意的融合（镰仓、室町时代） 随着武士阶层的崛起，艺术风格变得更加写实、坚韧，并深受新兴禅宗思想的影响。 一、现实主义的回归：镰仓雕塑的力度 镰仓时代，在源赖朝的支持下，艺术转向了对力量和英雄主义的歌颂。本书会细致对比奈良佛像的“理想化”与镰仓雕塑的“人格化”。我们将分析运庆和快庆等大师如何通过对肌肉线条、铠甲纹理的极致刻画，赋予佛像更强烈的“入世”感和威慑力。这种对细节的关注，预示了未来日本艺术中对“真实质感”的追求。 二、水墨的空灵：禅宗对绘画的颠覆 室町时代是日本水墨画（Sumie）发展的关键期。本书将区分中国水墨的磅礴气势与日本水墨的“寂静”美学。 雪舟的“破格”： 重点研究雪舟如何将他早期在中国所学的技法，融入其独特的“破墨”和“泼墨”技法中，创造出极简却意境深远的画面，例如他作品中对留白（Ma）的精妙运用，使其不仅是“没有画”的部分，而是画面中不可或缺的“存在”。 侘寂之美（Wabi-Sabi）： 这一时期的茶道美学开始渗透到视觉艺术中。我们将探讨如何从水墨画的粗粝笔触、不完美的构图（相对于古典规范），来理解“侘寂”——接受无常与不完美才是至高之美。 第三部：市民的狂欢与浮世的幻象（江户时代） 江户时代是日本艺术进入平民化和商业化的爆炸性时期，也是艺术风格最为多元和世俗化的阶段。 一、工艺的登峰造极：漆器、莳绘与陶瓷 在德川幕府的稳定统治下，工艺美术达到了前所未有的高度。本书将详细介绍各个流派的漆器制作工艺，如“螺钿”（镶嵌贝壳）和“莳绘”（撒金粉），这些工艺如何从贵族专属走向富商阶层，并探讨它们在屏风、盒子和扇面上的复杂应用。此外，对“有田烧”和“萨摩烧”等地域性陶瓷风格的比较分析，展现了地区物产与艺术风格的紧密联系。 二、浮世绘：时代的镜子与视觉的革命 浮世绘是江户时代最引人注目的艺术现象。我们将其视为“大众媒体”和“流行时尚”的早期形式。 题材的拓展： 剖析从早期的“肉笔画”到后来的木版画（Nishiki-e，锦绘）的转变。重点分析歌川派（如广重和北斋）如何拓展了题材：不再只是花街柳巷的“美人绘”和“役者绘”，而是扩展到壮丽的“风景画”。 色彩的秘密： 深入研究“借色”技术和对本土矿物颜料的依赖，以及后期引入的“普鲁士蓝”（Berurin-ai）如何彻底改变了风景画的色调和深度。我们将分析广重《东海道五十三次》中对光影和天气氛围的捕捉，这是一种超越简单记录的抒情方式。 构图的张力： 对北斋《富岳三十六景》中，特别是《神奈川冲浪里》的结构进行解剖，理解其如何在东方传统中融入西方透视的元素，创造出动态的、令人屏息的视觉冲击力。 结语：传统的永恒回响 最后一部分将探讨明治维新后，日本传统艺术在面对西方冲击时所经历的挣扎、适应与重塑。我们审视了“日本画”（Nihonga）运动的出现，即艺术家们如何在坚持日本材料和审美观的同时，吸收西方绘画的光影和空间概念。 《东方之韵》是一部关于“观看”和“理解”的指南。它不提供简化的步骤，而是提供深厚的历史背景、复杂的文化密码以及对卓越工艺的敬意。通过阅读本书，读者将不仅学会欣赏日本艺术品的外表，更能触及那些穿越千年，依然鲜活的文化精神内核。

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我是一个业余爱好者，画画更偏向于放松和自我表达，所以我对那种要求精确到微米级别的“完美主义”教程往往敬而远之，因为那样会让我压力倍增，最终放弃。这本书最贴合我需求的，是它关于“速写与气氛营造”的章节。它鼓励读者放弃对“完美细节”的执念，转而追求“瞬间的捕捉感”。作者展示了如何用几条粗犷的线条勾勒出人群的动态，如何通过模糊的背景处理来突出前景的主体，以及如何利用“飞白”来暗示动作的快速和力量。其中一个练习是“抓拍街头一角”，要求在五分钟内完成，目标不是画得像，而是画出那一刻的“感觉”。这个练习对我来说太有启发性了，它让我明白，漫画不仅仅是精雕细琢的作品，它也可以是充满生命力的现场记录。这种“放松但有效”的教学方式，极大地激发了我日常随手涂鸦的积极性，我不再害怕我的作品不够“精致”，而是开始享受创作的乐趣本身。

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这本书的行文风格非常像一位耐心且略带幽默感的资深前辈在手把手教导，完全没有那种高高在上的学院派架子。我最欣赏它对“网点纸应用与后期处理”这一章的讲解。在数字绘画普及的今天，很多教程都忽略了传统漫画的精髓——黑白灰的有效运用。这本书没有直接跳到数码工具，而是先用大量的范例图，展示了不同密度和角度的网点如何模拟出头发的光泽、皮肤的阴影，甚至是背景的氛围。它甚至讨论了网点在“印刷缩放”后的视觉效果，这一点非常重要，很多新手在电脑上看着很棒的渐变，一印刷出来就成了模糊的一团。通过这本书的指导，我学会了如何有意识地去选择“点阵”而非“渐变色块”来处理阴影，这让我的黑白稿件一下子提升了一个层次，视觉冲击力更强，也更有经典漫画的味道。这种对媒介特性的深刻理解，是很多只关注“软件操作”的当代教程所欠缺的。

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这本画册简直是我的救星！我一直梦想着能把脑海中那些奇思妙想变成真正的画面，可每次拿起笔都感觉无从下手，线条僵硬得像机器人跳舞。这本书的排版设计非常巧妙，不像那些动辄上百页、堆砌着密密麻麻文字的教学书，它更多的是用清晰、直观的图例来引导你。我特别喜欢它对“动态捕捉”那一章节的处理，不是空泛地告诉你“要画得动起来”，而是细致地拆解了人物在跑步、跳跃、挥拳时的重心转移和关节变化，用一系列简化的骨骼结构图配合最终完成稿的对比，让我瞬间明白了“形”背后的“力”。而且，作者似乎非常理解初学者那种“什么都想尝试但又害怕失败”的心态，它提供的基础线条练习并不是枯燥的重复，而是融入了一些小的场景速写，比如画一个正在看书的侧脸，既练习了基础的轮廓，又兼顾了构图的初步概念。我用了大约两周时间，每天坚持练习书中的前三章内容，感觉我的手仿佛终于被“解放”了，不再是那个只会画方块的笨拙工具，开始有自己的“想法”了。这绝对是一本能迅速提升实战能力，而不是只停留在理论层面的优秀入门指南。

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说实话，我购买这本画册时，其实是抱着将信将疑的态度，毕竟市面上的“漫画速成”读物太多了，很多都是换汤不换药的重复内容。然而，这本书在“人物比例与情感表达”这块的处理方式，彻底颠覆了我以往的认知。它没有固执于某一种特定的日漫风格，而是非常务实地从人体解剖学的基本原理出发，讲解了如何在不同身高、年龄的角色身上灵活调整“三庭五眼”的标准，例如，如何通过拉伸颈部和拉低腰线来营造出少年那种修长感，又如何通过圆润面部和短小四肢来强化幼龄角色的可爱特质。最让我惊喜的是它对“眼神”的剖析。眼神是漫画的灵魂，这本书用特写镜头展示了虹膜的高光点、瞳孔的收缩程度，以及眼睑肌肉在不同情绪——比如惊讶、轻蔑、迷茫——下的细微变化。我以前画的眼睛总是呆滞无神，但遵循书中的“光影捕捉法”，我尝试着给角色的眼睛加上更精准的反光，角色立刻就“活”了过来，那种微妙的情感张力是之前任何一本教我画“大眼睛”的书都无法给予的。这本书的价值在于它教你“思考”，而不是单纯地“模仿”。

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我是一个资深的日式奇幻小说爱好者，我一直想尝试自己为我笔下那些宏大的世界观设计角色和场景，但当我真正开始构思时，才发现“脑补”和“落笔”之间存在巨大的鸿沟，尤其是盔甲和复杂服饰的绘制。这本书的“道具与材质解析”部分简直就是为我量身定做的宝藏章节。它没有简单地画一个草图然后告诉你“这就是铠甲”，而是深入探讨了金属在不同光照下的反射特性。它细致地分解了层叠的皮革带、磨损的链甲，以及光滑的抛光钢板在同一光源下应有的高光、反光和阴影过渡。作者甚至还配有“故障排除”小贴士，比如当你觉得盔甲画得像个塑料桶时，往往是因为缺少了边缘光和环境色的反射。对于我这种对机械和古装道具痴迷的读者来说，这种细致到“如何画出铁锈的斑驳感”的讲解，比单纯教人画人物要实用得多。我用它教授的方法重绘了我小说中主角的“符文战甲”，效果立竿见影，那种厚重感和历史感一下子就出来了，极大地增强了场景的沉浸感。

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