Modern Art 1851-1929 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Oxford University Press, USA

作者:Richard R. Brettell

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:1999-7-22

价格:USD 27.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780192842206

丛书系列:Oxford History of Art

图书标签:

• 艺术史
• 艺术
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• 现代艺术
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好的，这是一份关于一本名为《现代艺术：1851-1929》的书籍的详细内容介绍，该介绍侧重于该时期艺术史的重要主题、运动和背景，但不包含对“您提供的书名”的直接引用或提及。 --- 艺术的巨变：从维多利亚的余晖到现代主义的黎明（1851-1929） 这部编年史深入探究了欧洲和北美艺术领域经历的深刻转型期——一个在社会、技术和哲学层面都经历剧烈动荡的时代。这段时期，恰好覆盖了从1851年伦敦万国工业博览会所象征的乐观主义，到两次世界大战前夜的文化焦虑，艺术不再仅仅是现实的描摹，而是成为探索内在经验、社会结构和视觉本质的工具。 第一部分：现实的回归与印象的捕获（约1851-1880年） 本部分聚焦于对传统学院派美学的首次大规模反叛。1851年的博览会，虽然标志着工业进步的顶峰，但也预示着一个旧秩序的瓦解。艺术界开始将目光投向“当下”和“真实生活”。 现实主义的兴起： 库尔贝（Courbet）的“平民的日常”挑战了历史画和神话主题的主导地位。他坚信艺术应当描绘可见的、可触及的世界，无论是采石工人还是普通农妇，他们的形象同样具有史诗般的重量。马奈（Manet）作为承上启下的关键人物，他的作品如《草地上的午餐》和《奥林匹亚》，以其直白的现代裸体和对传统构图的戏仿，引发了沙龙的巨大争议。他不再试图“美化”主题，而是直接呈现矛盾与冲突，成为现代艺术的先驱。 光影的革命——印象派的诞生： 随着摄影技术的普及，画家们意识到，精确再现视觉信息不再是艺术的唯一使命。以莫奈（Monet）为核心的一批艺术家，开始热衷于捕捉瞬间的光影变化和大气效果。他们走出画室，来到户外，运用破碎的笔触和纯粹的色彩来记录巴黎及其郊区的生活场景——无论是雾中的鲁昂大教堂还是塞纳河上的船只。印象派的成功在于他们将“观看的行为”本身变成绘画的主题，将观众从客观描述的奴隶解放出来。此外，德加（Degas）对运动中舞者和赛马场景的捕捉，以及对日本浮世绘风格的吸收，也丰富了这一运动的内涵。 第二部分：超越感官的探索——后印象派的个体宣言（约1880-1900年） 随着印象派对“外在感觉”的追求达到顶峰，艺术家们开始转向对艺术形式、情感结构和象征意义的内在挖掘。后印象派并非一个统一的运动，而是一群风格迥异的巨人，他们各自为接下来的现代主义铺平了道路。 结构与情感的重塑： 塞尚（Cézanne）致力于“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”，他解构了透视法，将自然界视为几何形体的组合。他对物体多视角的探索，直接预示了立体主义的到来。梵高（Van Gogh）的笔触变得充满情感的张力，他通过强烈的色彩对比和螺旋状的笔法，将内心的痛苦、狂喜和精神追求倾泻到画布上，确立了表现主义的基础。高更（Gauguin）则抛弃了科学色彩学，转而追求原始、野性的象征意义，在他的塔希提岛作品中，色彩成为表达情感和神秘主义的纯粹媒介。 象征主义与造型的实验： 这一时期，象征主义运动也达到了高潮。古斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau）和奥迪隆·雷东（Odilon Redon）将艺术带入梦境、神话和潜意识的领域，反对科学理性主义，强调暗示和隐喻的力量。与此同时，雕塑家罗丹（Rodin）打破了传统对“完成度”的刻板要求，他的作品充满了未完成感和强烈的人性挣扎。 第三部分：现代艺术的爆发——二十世纪初的激进变革（约1900-1914年） 二十世纪的头十年是艺术史上最富有爆炸性的阶段。技术的进步（如汽车、电影）加速了人们对时间与空间的感知，艺术界迫切需要一种全新的视觉语言来反映这种加速的生活。 色彩的解放与野兽派： 以马蒂斯（Matisse）为代表的野兽派（Fauvism）将色彩完全从描述性功能中解放出来。他们的作品中充满了不和谐但极具生命力的纯色块，旨在唤起观众最原始的感官愉悦和情感冲击。他们相信色彩本身就具有表达的力量。 情感的尖叫——德意志表现主义： 在德国，艺术界对工业化带来的疏离感和日益紧张的国际局势做出了更具批判性的回应。以“桥社”（Die Brücke）和“蓝骑士”（Der Blaue Reiter）为代表的团体，通过扭曲的形象、尖锐的线条和阴郁的色调，表达了深刻的焦虑、精神危机和对社会道德的控诉。 空间的瓦解——立体主义的革命： 毕加索（Picasso）和布拉克（Braque）在巴黎发起了一场彻底颠覆西方绘画近五百年传统的运动。立体主义（Cubism）不再试图在一个平面上模拟三维空间，而是将物体分解成多个几何平面，并在画布上重新组合，展示了物体在不同时间点和视角下的状态。这一方法极大地拓展了绘画的认知边界，为抽象艺术奠定了基础。 第四部分：运动的交织与战争的阴影（约1914-1929年） 第一次世界大战成为艺术发展的一个巨大断裂点。对理性、进步和既有文明的信仰彻底破灭，导致了艺术形式向着更极端、更具颠覆性的方向发展。 速度与机器的赞歌——未来主义： 意大利的未来主义者（Futurism）狂热地拥抱了机械、速度和暴力，试图在艺术中捕捉现代运动的动态感和能量。 无意义的逻辑——达达主义： 战争的荒谬催生了达达主义（Dadaism）。在苏黎世、柏林和纽约等地，艺术家们通过现成品（Ready-mades）、拼贴和荒诞的表演，彻底颠覆了“艺术品”的定义，嘲弄了资产阶级的逻辑和审美。杜尚（Duchamp）的作品挑战了创作的本质，将焦点从“技艺”转向“观念”。 进入无形——早期抽象艺术的成熟： 在俄罗斯和荷兰，艺术家们寻求一种超越物质世界的纯粹表达。康定斯基（Kandinsky）相信色彩和线条具有音乐般的精神性，他的作品是早期纯粹抽象绘画的重要里程碑。蒙德里安（Mondrian）则发展出新造型主义（De Stijl），将世界简化为水平线、垂直线和三原色，追求宇宙和谐的终极秩序。 超验的现实——超现实主义的兴起： 战争结束后，超现实主义（Surrealism）在达达主义的基础上发展起来。受弗洛伊德精神分析理论的深刻影响，布勒东（André Breton）等倡导者试图探索梦境、潜意识和非理性，以期发现“更深层次的现实”。从达利（Dalí）精确描绘的梦魇场景到米罗（Miró）的有机符号，超现实主义在战后的欧洲文化中占据了核心地位，并一直延续到下一个时代。 到1929年，艺术已经完成了从对外部世界的精确描绘到对内在结构、情感和潜意识的深度探索的转变，一个充满不确定性但又无比自由的现代艺术世界已经全面建立。

评分☆☆☆☆☆

印象派一直不大能喜欢（看到觉得好的东西自然也不少，但一般去美术馆都直奔古代大师，于是马奈莫奈都常作路人看——当然去年还是顶着台风大雨拖着湿透的行李去上博看了克拉克），正好这套正在一本本翻译的牛津艺术史先出过这么一种，之前没太注意（因为就是买来也没时间看，这...  

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现代艺术是一个专门的门类，它与学院艺术、传统艺术在研究者们的天平上成为比对的两极。那么究竟什么是现代艺术呢？它有着怎样的生存土壤和发展环境？ 牛津艺术史系列中的《现代艺术》的副标题给了我们一个很明确的时间概念，1851——1929。的确在许多研究者看来，现代艺术是以...  

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这本书的选材和内容安排，让我看到了作者在梳理庞杂的艺术史脉络时所付出的心血。它并非简单地将各个艺术流派孤立起来讲述，而是着重于它们之间的传承与演变，以及它们如何共同构成了“现代艺术”的丰富图景。例如，印象派对色彩和笔触的解放，直接影响了后印象派对主观情感的表达；而后印象派对形式的探索，又为野兽派和立体主义的出现埋下了伏笔。我期待看到书中对这些“连锁反应”式的艺术发展过程的细致描绘，能够让我更清晰地理解艺术风格演变的内在逻辑。此外，我也想了解在印象派之外，同时期存在的其他重要艺术运动，比如英国的拉斐尔前派，他们对中世纪艺术的回归和对细节的精雕细琢，在那个工业化和都市化的时代，也代表着一种独特的艺术追求。还有那些在德国、意大利、俄国等地的艺术革新，它们是如何与巴黎为中心的艺术思潮相互呼应，又如何发展出具有民族特色的现代艺术形式？这本书的价值在于，它能够帮助我构建一个更加全面和立体的现代艺术史图景，而不仅仅局限于西方艺术的中心。理解不同地区、不同文化背景下的艺术创新，能够让我更深刻地体会到艺术的普遍性和多样性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构给我一种循序渐进的引导感，作者似乎精心设计了每一章的顺序，以确保读者能够逐步理解那个时期艺术的复杂演变。从19世纪中叶的艺术现状开始，它可能首先描绘了学院派的统治地位，以及艺术家们如何开始挑战这种传统。然后，它可能聚焦于印象派的革命，他们如何在户外写生，如何描绘日常生活的瞬间，如何使用明亮的色彩和可见的笔触。紧接着，是后印象派的艺术家们，他们是如何在印象派的基础上，更加强调个人的情感表达和形式结构。再往后，便是20世纪初的艺术爆炸，野兽派的色彩狂欢，立体主义对空间的颠覆，表现主义对内在世界的挖掘，以及其他各种前卫艺术的探索。我期待书中能够为我展示这些艺术流派之间是如何相互关联，相互影响的，是否存在某种“传承链条”，使得一种艺术风格的发展自然而然地导向另一种。理解这种内在的联系，能够帮助我避免将它们视为孤立的现象，而是将其看作一个有机整体，一个不断演变和创新的艺术谱系。这种深入的分析，让我能够更深刻地理解现代艺术的复杂性和丰富性，以及那个时期艺术家们所展现出的非凡创造力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙述方式也让我印象深刻，它并非简单地按照时间顺序罗列艺术家和作品，而是巧妙地将不同流派、不同艺术家之间的联系与影响娓娓道来。它让我看到，艺术的发展并非孤立的事件，而是相互碰撞、相互启发的复杂过程。例如，后印象派艺术家们在继承印象派对色彩和光影的探索基础上，更加强调了艺术家的主观情感和形式的内在逻辑。梵高那炽烈的情感，塞尚对形体结构的探索，高更对象征意义的追求，都为后来的现代艺术奠定了坚实的基础。我特别想深入了解这些艺术家之间的关系，他们是亦师亦友，还是竞争对手？他们的思想是如何相互激荡，最终催生出全新的艺术风格？书中对这些细节的挖掘，能够帮助我更全面地理解那个时代的艺术生态。而且，这个时期也涌现出了像野兽派那样大胆运用色彩的艺术家，他们的作品如同一声惊雷，打破了沉闷的艺术格局。而立体主义的出现，更是对传统透视法的彻底颠覆，艺术家们从多个角度同时观察和描绘物体，将三维世界压缩到二维平面，这是一种多么革命性的视觉革命！理解这些艺术流派的演变，就像是在阅读一部精彩的艺术发展史，每一个章节都充满了惊喜与启迪，让我对艺术的理解上升到了一个新的层面，也让我更加欣赏那些敢于打破常规、挑战传统的艺术家们的勇气与智慧。

评分☆☆☆☆☆

这本书的标题——“Modern Art 1851-1929”，给我一种非常明确的时间指向感，这让我相信作者并非泛泛而谈，而是有针对性地深入研究了这一特定时期。1929年，那一年发生了什么重要的艺术事件？是达达主义的余波，还是抽象表现主义的初露端倪？我期待这本书能够为我揭示这个时期艺术的收束与新生的节点。这段时期，艺术的边界被极大地拓宽了，媒介不再局限于传统的绘画和雕塑，各种实验性的艺术形式开始涌现。我特别想了解在20世纪初，艺术家们是如何尝试使用新的材料和技术，例如拼贴、现成品、甚至电影等，来表达他们的思想和观念。这不仅仅是对艺术形式的探索，更是对艺术定义本身的挑战。书中对一些关键艺术家的深度剖析，比如毕加索、马蒂斯、康定斯基等，他们的创作轨迹是如何在这个时期发展的，他们是如何从之前的艺术风格中汲取养分，又如何开创出全新的艺术语言，这些都是我非常渴望了解的。理解他们的个人经历与时代背景的交融，能让我更深刻地体会到艺术的生命力和创造力，感受到那个时代艺术的无限可能性，以及艺术的边界是如何被不断地拓展和重塑的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧本身就充满了艺术感，沉甸甸的质感，纸张的触感也极佳，散发着淡淡的书墨香，仿佛可以直接触摸到那个时代的脉搏。我一直对19世纪末到20世纪初的艺术变革时期充满了好奇，那是一个从古典学院派的束缚中挣脱，迈向全新视觉语言的伟大时代。想象着在那段动荡却又充满创造力的岁月中，艺术家们如何捕捉光影的瞬息万变，如何将内心的情感转化为奔放的色彩，如何挑战传统的审美观念，创造出那些至今仍让我们为之惊叹的作品。这本书的出现，无疑满足了我对那个时代的渴望。从书名来看，它似乎聚焦于一个非常具体的历史区间，这让我对接下来的内容充满了期待。我希望它能带领我走进那些充满魅力的画室，感受那些艺术家们澎湃的创作激情，理解他们为何会选择那样的笔触，那样的色彩，那样的构图。每一个时代都有其独特的艺术表达方式，而这个时期无疑是艺术史上一个极其关键的转折点，它孕育了印象派、后印象派、野兽派、立体主义等等对后世影响深远的艺术流派，每一派都像一颗璀璨的宝石，闪耀着独特的光芒。我迫不及待地想深入了解这些艺术流派的诞生、发展及其代表人物的生平和创作理念，感受那个时代艺术的多元化与革新精神，将那些抽象的概念具象化，将那些遥远的艺术家拉近，仿佛与他们进行一场跨越时空的对话，共同体验艺术的魔力。

评分☆☆☆☆☆

读这本书，就像是进入了一个巨大的艺术宝库，每一个角落都散发着迷人的光彩。作者在处理那个时期纷繁复杂的艺术流派时，展现出了高超的梳理能力。印象派、后印象派、野兽派、立体主义、表现主义……这些名字如同一串闪耀的星辰，它们相互辉映，又各有特色。我特别欣赏书中在介绍这些流派时，并非简单地罗列其风格特征，而是深入挖掘它们形成的原因，以及它们对后世产生的深远影响。例如，印象派对于捕捉光影的追求，对后世色彩理论的发展起到了怎样的作用？立体主义对空间的解构，如何改变了人们观看世界的方式？而表现主义对情感的强调，又如何影响了后来的抽象艺术？这本书不仅是关于艺术的风格，更是关于艺术的思想，关于艺术家如何通过他们的作品与世界进行对话。我想，通过这本书，我能够更深刻地理解现代艺术之所以“现代”的根源，它并非仅仅是与过去的决裂，更是对时代精神的呼应和对未来趋势的预示。这种对艺术发展内在逻辑的揭示，让我的阅读体验更加丰富和有启发性。

评分☆☆☆☆☆

对于“现代艺术”这个概念，很多人可能存在一些模糊的认识，以为就是抽象或者前卫。但这本书显然提供了一个更具历史厚度和深度的时间切片，从1851年到1929年，这近八十年间，正是现代艺术从萌芽、发展到形成多元化格局的关键时期。我尤其对书中对19世纪末至20世纪初巴黎艺术生态的描绘充满了兴趣。巴黎当时是世界艺术的中心，汇聚了来自世界各地的艺术家，各种思潮在这里碰撞、交流、升华。从蒙马特高地的艺术咖啡馆，到卢浮宫的艺术盛宴，再到官方沙龙的评判，这些场景构成了一个生动而复杂的艺术图景。艺术家们如何在这样的环境中寻找自己的定位？他们如何汲取灵感，又如何将这些灵感转化为独一无二的艺术语言？书中对这些问题的探讨，能够帮助我理解艺术风格的形成并非一蹴而就，而是受到多方面因素共同作用的结果。我还想知道，那些在当时看来离经叛道的作品，如杜尚的现成品艺术，是如何被当时的评论界和公众所接受（或拒绝）的？这些艺术家挑战的不仅仅是绘画和雕塑的边界，更是对“艺术是什么”这个根本性问题的追问。这种对艺术观念本身的反思与革新，是这个时期最令人着迷的部分之一，它预示着艺术将走向一个更加开放和自由的未来，而不仅仅局限于传统的媒材和形式。

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我对于作者如何处理1851年这个起点非常好奇。那一年，伦敦万国博览会向世界展示了工业革命的成果，也展现了新的科技和新的生活方式。艺术如何在这个变革的时代找到自己的位置？是顺应科技的潮流，还是与之抗衡？从印象派对自然光影的捕捉，到后印象派对情感的宣泄，再到立体主义对空间的解构，这期间艺术的表现方式发生了根本性的变化。我期待书中能够详细解读这些变革背后的社会、经济和思想原因。例如，摄影术的出现，是否迫使绘画必须寻找新的出路，从“再现”走向“表现”？工业生产方式的改变，是否影响了艺术家对材料和技法的运用？而弗洛伊德的精神分析学说，又是否影响了艺术家对内心世界的探索？这些宏观因素与微观的艺术创作之间的联系，是理解现代艺术的关键。我尤其想知道，书中是如何解释那些看似相互矛盾的艺术风格，比如印象派对瞬间的捕捉与塞尚对永恒形式的追求，它们之间又存在着怎样的内在联系？这本书就像一个精密的导引，能够帮助我拨开迷雾，看清现代艺术发展过程中那些复杂而迷人的肌理。

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翻开书页，扑面而来的不是枯燥的史实堆砌，而是充满画面感的文字描述。作者在开篇就为我们勾勒出了1851年伦敦万国博览会所代表的那个时代背景，一个工业革命蓬勃发展、科技进步日新月异、社会变革风起云涌的时代。这种宏大的历史视角非常重要，因为它解释了为何艺术会在此时此地发生如此翻天覆地的变化。当新的技术、新的思想、新的生活方式涌现时，艺术必然需要找到与之相匹配的表达方式。想象一下，在那个蒸汽火车刚刚开始改变世界，摄影术开始挑战绘画的记录功能，城市化进程加速，人们的生活节奏也随之加快的年代，艺术家们如何回应这一切？他们是被时代的洪流裹挟，还是主动引领潮流？我特别期待看到书中对具体艺术事件的描绘，比如那些在沙龙展览上引发争议的作品，那些在咖啡馆里激辩艺术理论的艺术家们。印象派的崛起，他们对瞬间光影的捕捉，对户外写生的热情，以及对传统写实手法的反叛，都是那个时代精神的绝佳体现。德加对芭蕾舞女的描绘，莫奈对鲁昂大教堂不同时间光影的系列创作，这些作品的背后，蕴含着艺术家们对观察方式、表现技法以及艺术本质的深刻思考。我想要了解他们的创作过程，他们的灵感来源，他们所面临的挑战与机遇，以及他们如何在高压的社会环境中坚持自己的艺术理想。

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我一直认为，理解艺术作品，仅仅停留在表面欣赏是不够的，更重要的是要了解作品诞生的时代背景、艺术家的生活经历以及他们创作时的思想状态。这本书在这方面做得非常出色，它不仅仅是罗列了大量的艺术作品和流派，更是深入挖掘了这些作品背后的故事。例如，关于印象派画家们如何在经济上维持生计，如何组织自己的独立展览，如何与保守的艺术界抗争，这些细节都让那些伟大的艺术作品变得更加鲜活和真实。我能想象到，在那个时代，艺术家们的生活远比我们想象的要艰辛得多，他们需要面对公众的误解、评论家的嘲讽，甚至家人的不理解。然而，正是这份对艺术的执着和热爱，支撑着他们走过漫漫创作之路。书中对于20世纪初出现的那些前卫艺术的介绍，如俄国构成主义、荷兰风格派等，也让我看到了艺术在不同文化背景下的多元发展。那些强调纯粹几何形式和理性秩序的艺术家，他们的创作理念与印象派对自然景象的描绘形成了鲜明的对比，却同样具有划时代的意义。这种对比与融合，正是现代艺术丰富性的体现。我想，通过了解这些艺术家的个体命运与时代变迁的交织，能够更深刻地理解艺术的生命力，以及艺术家在社会中所扮演的角色，这种人文关怀的视角，让艺术史的解读不再是冰冷的资料堆砌，而是温暖的人文关怀。

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@2017-11-14 14:47:13

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