具体描述
Parkett 76 features three rising stars of the international art scene: Julie Mehretu, Yang Fudong and Lucy McKenzie. As her marks and gestures are flung into motion upon the canvas, Julie Mehretu paints a picture of an infrastructure gone awry. Their layered, calligraphic density suggests Leonardo da Vinci's ecstatically charged tidal drawings. In the frozen situations encountered in Yang Fudong's images, the viewer must always ask, "Will the protagonist survive?" Fudong's narratives read like brief, melancholic confessions, an "abstract cinema" that, in his own words, functions as "a non-describable collision in one's heart." Over the last decade, Lucy McKenzie has been umbilically attached to Glasgow's underground, guided by her elegant draftsmanship and continuously undermining her own adopted visual rhetoric--which includes facades from Tintin, Socialist mural projects and Mackintoshian Modernism. Texts by Heidi Zuckerman Jacobson, Chris Abani, Madeleine Schuppli, Marcella Beccaria, Yuko Hasegawa, Zhang Wei, Neil Mulholland, Bennett Simpson, Isabelle Graw, Trevor Smith, Philipp Kaiser, Johanna Burton, Vincent Precoil, Hans Rudolf Reust, Matthias Haldemann and Bill Arning.
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用户评价
这本《PARKETT NO. 76》真是让人眼前一亮。首先，从装帧设计上就能感受到一种别具匠心的美学追求。那种纸张的质感，触感温润而不失挺括，翻页时发出的细微声响，都透露出一种对艺术媒介本身的尊重。内页的排版布局大胆而富有张力，常常在看似留白的区域中，巧妙地嵌入一些视觉上的“锚点”，引导读者的目光自然地在文字与图像之间游走，形成一种流动的阅读体验。我特别欣赏它在不同艺术家作品呈现上的克制与张扬之间的拿捏。有些艺术家的作品被赋予了极大的空间，让你可以沉浸其中，去感受那种肌理的细节和光影的微妙变化；而另一些则以一种更为紧凑、信息密度极高的方式呈现，仿佛是一系列快速闪过的灵感碎片，需要读者主动去拼凑和解读。这种处理方式，使得整本书读起来绝非单调的图录堆砌，而更像是一场精心编排的、关于当代艺术思潮的慢速交响乐，每一个音符（每一页）都有其特定的情绪和功能，共同构建出一个复杂而迷人的叙事结构。这种对“书”这一媒介本身的深度挖掘，让我愿意反复摩挲和品味。
评分这本书的视角切换之流畅，简直像是一场精彩的电影剪辑。它不像某些艺术刊物那样，固守于某个单一地域或特定流派的讨论，而是像一个敏锐的雷达，捕捉着全球艺术版图上那些正在悄然发生位移的“热点”。我可以清晰地感受到编辑团队试图搭建一种跨越地理和时间维度的对话场域。前一篇文章可能还在细致解剖一个东亚新兴艺术家的符号学运用，下一篇的焦点就瞬间跳转到了欧洲某个老牌实验剧场对身体政治的最新探讨。这种并置并非是简单的罗列，而是潜藏着一种更高明的比较和张力。它迫使我不断地进行联想和对照：不同的文化土壤如何催生出相似的焦虑，或者在面对同样的技术变革时，又如何走向了截然不同的美学终点。这种“非线性”的阅读体验，避免了任何一种论述的绝对化，反而营造出一种开放的、不断自我更新的知识生态。对于一个渴望了解当代艺术全景图景的读者来说，这种编排带来的智力上的兴奋感是无与伦比的。
评分坦白说，阅读这本刊物需要一定的专注度，它不是那种可以边喝咖啡边轻松浏览的读物。它的严肃性体现在对“何为重要”的选择上。编辑团队显然没有屈服于商业上的迎合或者对热门话题的盲从，而是坚持了一种批判性的策展理念。我注意到书中介绍的几位相对“小众”的艺术家，他们的作品可能在主流媒体上曝光度不高，但通过这本书的深入介绍，我看到了他们工作背后的那种纯粹的、近乎偏执的艺术追求。这让我感受到一种久违的、对“地下”或者说“前沿”探索的尊重。同时，书中的访谈部分也做得非常出色，它们避开了那些预设好的、安全的提问，而是直击艺术家的核心困境和驱动力。听着艺术家们坦诚地剖析自己与材料的搏斗、与展览空间的抗争，你会体会到艺术创作的艰辛远超乎常人想象。这本书为那些真正致力于艺术本质探索的人，提供了一个坚实的精神同盟和对话平台。
评分当我真正深入到内容本身时，那种探讨的深度和广度完全超出了我的预期。它似乎拒绝了简单粗暴的标签化解读，而是选择了一种更接近于田野调查式的、多角度的剖析。例如，对于其中几位重量级艺术家的专题报道，撰稿人的文字功力令人赞叹。他们没有满足于复述艺术家既有的成就，而是深入到创作的边缘地带，挖掘那些鲜为人知的工作方法论，甚至是那些在工作室里被反复推翻的草图和失败的尝试。这种对“过程”的关注，极大地丰富了我对“完成品”的理解。文字的密度很高，但绝不晦涩难懂，而是那种带着思辨色彩的、充满学理支撑的论述，读起来如同跟随一位经验丰富的向导穿行于迷宫之中，每走一步都能获得新的认知坐标。特别是其中一篇关于新媒体艺术如何挑战传统叙事边界的文章，其论证逻辑之严密，引用的案例之精妙，让我不得不停下来，反复阅读其中的几段核心论述，并开始重新审视我过去对于“媒介”与“信息”之间关系的认知。这本书真正做到了启迪思考，而不是提供标准答案。
评分这本书在技术层面的呈现，特别是对于图像的处理，达到了一个极高的水准，这对于一个视觉艺术的爱好者来说至关重要。我很少看到有刊物能将高分辨率的印刷与复杂的色彩管理结合得如此完美。那些油画作品的笔触细节，那些装置艺术的光影反射，那些摄影作品的颗粒感和层次过渡，都被忠实且有力地还原了出来。印刷的墨色饱满且富有层次感，黑色部分深邃而不“死板”，白色部分干净利落又不失细节。而且，他们对图片与文字的排布关系处理得非常讲究，图像不再是文字的附庸，文字也非图片的注释，两者是相互建构的关系。有时候，一段关键的文字恰好落在某幅作品的留白处，仿佛是作品自己长出的思考；有时候，大面积的纯色背景被用来隔离两个看似不相关却在主题上有所呼应的章节。这种对视觉体验的精雕细琢，让阅读过程本身变成了一种对美学的沉浸式体验，这对于一本关注当代艺术的出版物来说，是其专业精神的最好体现。
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