具体描述
With his distinctive paintings of landscapes, figures and still-lifes, Paul Cezanne (1839-1906) profoundly influenced the Cubists and the direction of 20th-century art. This account of his life and work traces his full career from his early years in Aix-en-Provence, through his time in Paris studying the Old Masters and working with the Impressionists, to his later, reclusive years back in Provence, when he produced the pictures that made him the precursor of a new art. The book roots Cezanne in his own time and place, examining his work within the issues and debates of his own generation, particularly those about the essential characteristics and direction of French art and society.
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读后感
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用户评价
这本书的装帧设计本身就值得称道，它传递出一种对艺术品本身的敬畏感。纸张的选择偏向哑光，有效地抑制了印刷品的反光，使得画面中的肌理和微妙的色彩过渡得以完美展现，这对于研究色彩的深度和厚度来说至关重要。而更吸引我的是其中穿插的那些早期素描和笔记的扫描件。它们如同打开了通往大师思想迷宫的密道，那些潦草却充满力量的线条，那些关于“体积感”和“体积的统一性”的反复涂写，揭示了最终的油画杰作是如何从最原始的几何思考中孕育而生的。我过去总觉得这些后印象派大师的转变是突然的、天启式的，但通过这些早期材料，我看到了一个漫长而艰苦的、充满自我修正的探索过程。这本书没有贩卖神话，而是展示了天才背后的勤奋和对形式逻辑的执着。我尤其喜欢其中对比分析的部分，将同一主题不同年份的创作放在一起，可以清晰地观察到他如何一步步摆脱传统透视的束缚，走向他对空间和多重视角的独特理解。这是一本非常“学术”但又绝不枯燥的艺术导览。
评分这本名为《Cezanne》的画册，简直是色彩与光影的交响乐章，翻开它，仿佛瞬间被拉进了那个普罗旺斯的阳光下，空气中弥漫着松脂和泥土的芬芳。我特别欣赏作者在处理静物时的那种近乎偏执的结构感，那些苹果、酒瓶和桌布，不再是简单的描摹，而是被几何化的、充满力量的形体。他似乎在用画笔进行一场关于“实在性”的哲学探讨，试图捕捉物体本质上最坚固的骨架。尤其是那些关于圣维克多山的描绘，每一笔都像是在对那座山体进行解构与重塑，山峦的层次感、岩石的冷峻，以及远景中弥漫的蓝色调，都体现了一种超越视觉的理解。作者对色彩的运用极其大胆，他敢于让阴影部分充满着丰富的冷暖对比，而不是简单地涂抹黑色或灰色。这种处理方式，让画面拥有了内在的生命力和呼吸感。我常常对着某一幅作品驻足良久，试图分辨出哪些笔触是先铺设的底色，哪些是最后点上去的高光，那种厚重而又透明的质感，令人叹为观止。它不仅仅是一本艺术作品集，更像是一本关于观察、关于重构世界的视觉日记，每一个细节都值得被反复摩挲和品味，每次重读都有新的领悟涌现。
评分这本书带来的整体感受是一种强烈的“重量感”和“永恒感”。它的主题似乎总是围绕着不变的事物——山峦、水果、花瓶、或者凝固的人体——它们在时间的洪流中保持着自己的姿态和物质性。我特别欣赏作者在选材和编排上所体现出的那种克制与沉静。没有过多的浮夸描述，每一张图片的呈现都显得十分端庄、厚重，仿佛每一张纸都吸收了画布本身的油墨气息。这种沉稳的基调，让人在阅读时能够自然地放慢呼吸，进入一种冥想般的状态。它让我意识到，艺术创作的终极目标或许不是追求表面的美感，而是去捕捉和固化那些稍纵即逝的“本质”。在信息爆炸、视觉疲劳的今天，这本书像是一剂强效的定心丸，提醒我们回归到最基本、最核心的结构与形式的对话中去。它推荐给所有对艺术史有兴趣，但又厌倦了那种轻飘飘的赞美之词的读者，这本书，实实在在地，有内容，有深度，有力量。
评分说实话，初次翻开这本书时，我有点被它的“朴拙”所震撼，它完全颠覆了我对传统印象派那种轻盈、捕捉瞬间光影的理解。这里的每一幅画作都像是在慢动作镜头下完成的，节奏沉稳得像是在进行一场庄严的仪式。特别是作者对人物肖像的处理，那些眼神中透露出的那种深邃的、近乎宿命般的凝视，直击人心。他的模特们，无论是农夫还是家庭成员，都摆脱了甜美和迎合，呈现出一种赤裸裸的存在感，仿佛时间在他们身上凝固，每一道皱纹、每一块布料的褶皱，都承载着沉重的历史和生活经验。我特别留意了作者在构建人物轮廓和空间关系上的处理，那些边缘线既清晰又模糊，界限的模糊让主体和背景融为一体，却又通过色彩的温度和饱和度将它们区分开来，这种平衡把握得极其微妙和精妙。阅读过程中，我仿佛能听到画室里木地板发出的吱呀声，感受到颜料在画布上堆叠时那种沙沙的触感。这本书成功地营造了一种沉浸式的体验，让你感觉不是在“看”画，而是在“经历”画家创作时的心路历程，那是一种不妥协、不迎合，只忠于自我视觉体验的强大力量。
评分对于非专业人士来说，这本书提供了一条极其友好的“解码”之路，它没有用晦涩难懂的艺术术语将人拒之门外，而是通过对具体作品的精细拆解，引导读者进入一个全新的观看世界。比如，书中对“色块的并置”如何产生震颤的视觉效果进行了细致的剖析，它解释了为什么仅仅是相邻的两个色块，就能在视网膜上产生第三种颜色或动态的错觉。我过去看画时总觉得画面“很热闹”，但并不明白热闹背后的逻辑，这本书教会了我如何去“计算”色彩的相互作用。书中对于光线处理的论述也极具启发性，它不再强调单一光源下的高光与阴影，而是将光线视为一种普遍存在于物体内部的能量，通过冷暖色调的对比来体现这种内在光感。这让我在日常生活中看街景、看室内布置时，都会不自觉地进行这种“色块分析”，极大地丰富了我的日常视觉体验。这不仅仅是一本关于某位艺术家的书，它更像是一本关于“如何看见”的视觉训练手册，实用性和艺术性达到了完美的统一。
评分he wanted to 're-do Poussin over again according to nature'
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