Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Random House Inc

作者:Gianelli, Ida (EDT)/ Beccaria, Marcella (EDT)

出品人:

页数:368

译者:

出版时间:2007-3

价格:CDN$ 110.00

装帧:HRD

isbn号码:9788876248702

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 波普艺术
• 公共艺术
• 装置艺术
• 艺术史
• 现代艺术
• 老enburg
• van Bruggen
• 艺术
• 设计

好的，这是一份关于一本名为《波普的巨兽：公共艺术的颠覆性对话》的图书的详细简介，该书探讨了大型公共艺术作品的创作历程、挑战与社会影响，聚焦于那些挑战传统审美、与城市环境产生激烈互动的雕塑项目。 --- 波普的巨兽：公共艺术的颠覆性对话 导言：尺度、语境与意义的交织 在现代艺术的版图中，没有什么比巨型公共雕塑更能引发公众的关注、赞叹与争议。它们不仅是视觉上的庞然大物，更是对既有城市空间、历史叙事以及艺术本体论的一次大胆发问。《波普的巨兽：公共艺术的颠覆性对话》深入剖析了二十世纪下半叶至今，一系列突破常规尺度的艺术创作实践，探讨艺术家如何运用日常物品的夸张放大，在公共领域制造出既熟悉又陌生的视觉震撼。本书旨在揭示这些“巨兽”诞生的复杂过程——从早期的概念构思，到材料的工程学挑战，再到与市政审批、社区接受度之间的复杂博弈。 本书的核心论点在于，这些体量巨大的作品，并非仅仅是美学上的姿态，它们是权力、资本、公共空间使用权和艺术民主化之间张力最直观的体现。它们强行介入日常生活的既定流线，迫使行走其中的个体停下来，重新审视周遭的环境。 第一章：从日常到纪念碑——波普语汇的宏大转向 本章追溯了战后艺术对“日常性”的迷恋，特别是波普艺术对消费符号和工业制品的挪用。然而，与工作室内的画布和丝网印刷不同，公共艺术的尺度要求艺术家必须超越波普美学的简洁性，转而拥抱工程学的复杂性。 我们考察了早期那些尝试将平凡事物（如工具、食物或家具）放大至纪念碑尺寸的先驱作品。这种尺度的转变，不仅仅是几何上的扩大，更是一种意义上的升华与异化。日常物品被剥离了其实用功能，在新的公共语境下，它们成为了具有仪式感的图腾。本章详细分析了这种“挪用-放大-重置”的创作策略，是如何有效地解构了传统纪念碑的严肃性，同时又赋予了波普图像新的、近乎历史性的重量。我们重点讨论了材料选择的重要性：如何将原本脆弱的日常材料转化为能够抵御风雨、经久不衰的工业级雕塑。 第二章：工程学的边界与材料的哲学 创作一件能屹立于城市广场的巨型雕塑，需要艺术想象力与尖端工程技术的完美结合。本章深入探讨了这些“巨兽”背后的幕后英雄——结构工程师、材料科学家与安装团队。 大型公共艺术的创作，常常触及材料科学的极限。从内部钢架的疲劳测试，到外表涂层的抗紫外线和腐蚀性研究，每一步都充满了挑战。本书援引了多起著名公共艺术项目在结构安全和维护方面的案例研究，揭示了艺术家如何与技术专家协作，将看似不可能的造型变为现实。我们不仅关注最终的视觉效果，更侧重于支撑这一切的内在骨架——这种“看不见的工程美学”，如何反过来影响了作品的最终形态与公共安全考量。材料的哲学探讨也体现在对“公共所有权”的思考上：什么样的材料能够代表一个城市数十年甚至上百年的记忆？ 第三章：场域的协商——城市语境与空间政治 公共艺术的“公共性”是本书讨论的焦点。一个艺术品要被放置于特定的城市场域，就必须参与一场复杂的协商过程。这涉及土地使用权、视觉污染的界定，以及对既定城市景观的潜在破坏。 本章细致梳理了数个争议性公共艺术项目的审批流程，揭示了艺术家的愿景是如何在社区代表、市政规划委员会和潜在的反对团体之间不断被修正和谈判的。一些作品因其过于激进的形态或对特定历史地标的冲击力，遭遇了激烈的抗议，甚至被要求永久撤离。通过这些案例，我们探讨了“谁有权定义公共空间的美学标准”这一核心问题。作品的最终接受度，往往与其最初的颠覆性程度成反比。成功地在城市中扎根的巨兽，往往是通过在视觉冲击力与城市文脉的融合之间，找到了微妙的平衡点。 第四章：观众的参与和身体的介入 与美术馆中供人远观的艺术品不同，巨型公共雕塑要求观众以一种全新的、身体性的方式去感知艺术。它们改变了行人的路径、遮挡了视野、甚至改变了光影的分布。 本书分析了公众对这些作品的即时反应——从最初的困惑、嘲笑，到逐渐将其纳入日常生活的背景，甚至形成新的地标性参照点。我们研究了社交媒体时代下，这些体量巨大的艺术品如何被游客作为“打卡点”进行消费和再创作。这种身体性的、全方位的体验，使得公共艺术成为了一种环境体验，而非单纯的视觉消费。这种在巨大尺度下，个体与作品之间建立起来的错位关系，是理解当代公共艺术生命力的关键。 结语：纪念碑的黄昏与新时代的象征 在对一系列颠覆性公共艺术的剖析之后，本书最终思考了当代巨型雕塑在后现代语境下的命运。随着城市更新的加速和对历史叙事的不断反思，这些曾经引人注目的“波普巨兽”正面临着新的挑战：它们是否会像它们所模仿的日常物品一样，最终被新的潮流所取代？或者，它们能否以其超越时代的尺度，超越短暂的审美趣味，真正成为新时代的、具有持久生命力的城市象征？《波普的巨兽》提供了一个深入思考艺术介入公共生活核心问题的平台。 --- 作者简介（虚构）： 伊芙琳·莫雷蒂（Evelyn Moretti） 是一位专注于现当代雕塑史和城市美学批评的学者。她曾在欧洲和北美多所知名艺术机构担任策展人和研究员，长期关注艺术品如何通过改变空间形态来重塑社会关系。她的著作以其严谨的结构分析和对工程学背景的深入挖掘而著称。

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这本书的理论深度令人印象深刻，它成功地将两位艺术家的创作实践置于20世纪下半叶装置艺术、波普艺术以及大地艺术的宏大历史背景之下进行考察，但绝非生硬的学术堆砌。我惊喜地发现，书中引入了诸多鲜为人知的早期访谈和私人书信的片段，这些零散的口述史料如同散落在地面的珍珠，被作者巧妙地串联起来，勾勒出了两位艺术家在构思和执行大型项目时的思维路径。特别值得称赞的是，对于作品背后的结构工程学和材料科学的探讨，作者的处理方式非常高明——他们并没有陷入晦涩难懂的技术术语，而是将其转化为理解艺术意图的必要工具。比如，书中对特定钢材在特定气候条件下如何影响作品的长期形态的分析，展现了一种跨学科的严谨性。这使得阅读体验不再是停留在“看图说话”的层面，而是真正进入了对“如何建造想象力”的深度思考。读完后，你不会仅仅记住作品的样子，更会开始思考支撑其存在的技术、理念和历史的基石。

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我很少读到如此充满“生命力”的艺术评论集。这本书的语言风格极其灵活多变，完全没有那种高高在上的学院腔调，读起来像是跟两位知识渊博、充满热情的策展人一起漫步在城市中，听他们讲述那些作品诞生的奇闻异事。有的段落如同轻快的散文，描述着一次灵感乍现的瞬间，充满了感性的捕捉；而另一些段落则采用了近乎辩论式的结构，将不同的批评声音并置，让读者自行做出判断。我特别喜欢其中探讨“互动性”的那一部分，作者没有简单地将公共艺术定义为“供人观看”的物体，而是深入分析了作品是如何通过其尺度、质感和设置，潜移默化地改变了人们在特定空间中的行为模式，甚至引发了关于城市空间使用的社会性对话。这种对作品与环境之间微妙“权力关系”的剖析，极大地拓宽了我对雕塑艺术边界的认知。它让人感觉，艺术家们所做的远不止是放置一个巨大的物体，而是在重新编辑人们对现实的感知界面。

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从图书馆借阅的这本厚重画册（或者说，是深度研究报告），给我的感受是它彻底颠覆了我以往对“公共雕塑”的刻板印象。以往总是觉得大型户外艺术品，要么是僵硬的纪念碑，要么是抽象难懂的几何体，但这本书通过详实的案例研究，展示了如何将日常的、甚至是带有戏谑意味的元素，通过惊人的体量转换，注入到公共领域中，从而产生一种既亲切又疏离的张力。其中关于材料的运用，简直是一门艺术史外的学问——如何让看似柔软的布料或日常工具，被精确地铸造成坚不可摧的金属形态，这种“不可能的实现”背后的艰辛和智慧，被书中通过详尽的侧写描绘得淋漓尽致。它不仅仅是一部关于两位艺术家的专著，更像是一部关于“如何将艺术从画廊的白墙中解放出来，并让它在风吹日晒中与城市共存”的实践指南。阅读完后，我发现自己走路时会不自觉地开始审视周围的建筑细节和日常物品，思考它们是否可以被放大、被重新语境化，这种思维习惯的改变，是任何一本纯粹的理论著作都难以带来的体验。

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这本书的叙事脉络处理得相当精妙，它没有采取那种线性的、枯燥的编年史式的介绍，而是更像是在构建一个关于“尺度转换”和“公共语境”的辩证场域。作者似乎更专注于探讨作品是如何从工作室的草图阶段，一步步演变成为介入城市肌理、甚至挑战观众固有认知的庞大实体的。我从中读到了一种对艺术创作“过程哲学”的深刻洞察，远超出了对最终成品简单描述的范畴。比如，对于那些取材于日常用品的巨型雕塑，书中着墨分析了艺术家如何通过精确的比例放大，实现了一种意义的错位和幽默感，这种幽默并非廉价的笑料，而是一种对我们习以为常的世界进行温柔但坚定的颠覆。评论的笔触时而锋利，直指主流艺术评论的局限性，时而又极其富有同理心地去还原艺术家在面对复杂的工程技术、政府审批以及公众接受度时的内心挣扎与妥协。这种多维度的叙事策略，使得即便是对当代雕塑不太熟悉的读者，也能被其内在的张力所吸引，感受到艺术介入公共领域的复杂性与必要性。

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这部作品的装帧设计简直是一场视觉盛宴，每一页的排版都透露出一种精心雕琢的匠心。纸张的质感厚重而细腻，触感温润，配合着高分辨率的印刷图片，即便是最微小的细节也展现得淋漓尽致。特别是对于那些涉及大型公共艺术装置的摄影作品，那种跨越了页面的全景展开，让人仿佛真的置身于作品的宏大尺度之下，那种冲击力是网络图片无法比拟的。封面设计更是别出心裁，它没有直接展示任何一个作品的局部，而是用一种近乎抽象的色块和纹理组合，暗示着艺术家创作过程中的那种玩味和对日常物体的解构与重塑。我尤其欣赏它在图文排版上的节奏感，有时是密集的文字论述旁配着几张小图进行佐证，有时则是大篇幅的留白，只用一张震撼的彩色照片占据整个页面，这种呼吸感让阅读体验充满了变化，避免了传统艺术画册常见的沉闷感。翻阅此书的过程，与其说是阅读，不如说是一次对材料、光影和空间关系的沉浸式探索。装订工艺的坚固程度也让人放心，可以长时间地平铺展开，方便在工作台上细细品味那些复杂的结构和材料的肌理。

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