The Art of Laurel and Hardy pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:McFarland & Co Inc Pub

作者:Harness, Kyp

出品人:

页数:247

译者:

出版时间:2006-3

价格:$ 39.55

装帧:Pap

isbn号码:9780786424405

丛书系列:

图书标签:

• Laurel and Hardy
• 喜剧
• 电影
• 喜剧二人组
• 斯坦·劳瑞尔
• 奥利弗·哈迪
• 电影史
• 经典电影
• 默片
• 喜剧艺术

好的，这是一份关于一本名为《幽默的结构：从亚里士多德到当代喜剧理论》的图书简介，这份简介将完全聚焦于该书的内容，旨在提供详尽的介绍，同时避免提及您提到的《The Art of Laurel and Hardy》。 --- 幽默的结构：从亚里士多德到当代喜剧理论 内容提要 《幽默的结构：从亚里士多德到当代喜剧理论》是一部跨越两千多年思想史的里程碑式著作，它系统而深入地剖析了人类历史上关于“笑声”和“滑稽”的哲学、心理学和社会学根源。本书不仅梳理了自古希腊奠基人以来，历代思想巨匠对幽默本质的界定、分类和功能探讨，更重要的是，它试图构建一个综合性的理论框架，用以理解为何某些事物会引发我们的欢笑，以及这种文化现象在人类社会中扮演的核心角色。 作者认为，幽默并非一种单一的现象，而是横跨认知、情感、社会互动等多个层面的复杂机制。本书通过严谨的文本分析和跨学科的比较研究，将浩如烟海的喜剧理论划分为三大核心流派——优越理论 (Superiority Theory)、不协调理论 (Incongruity Theory)，以及释放/宽慰理论 (Relief/Release Theory)——并在此基础上，引入了当代语言学、神经科学和符号学的新见解，展示了幽默如何从一种简单的生理反应，演变为一种精密的文化武器和认知工具。 第一部分：古代的奠基与早期的思想（超越柏拉图的阴影） 本书的开篇追溯了幽默哲学的源头。不同于将滑稽视为低俗的早期思潮，作者首先聚焦于亚里士多德在《诗学》中对“喜剧”的开创性定义。他详细考察了亚里士多德如何将喜剧的客体定义为“比我们更差的人的模仿”，并探讨了这种模仿如何通过“可笑的错误”来达到净化（Catharsis）的作用。 随后，作者将目光投向了罗马和中世纪的思想遗产。重点分析了贺拉斯对讽刺（Satire）的规范化，以及在中世纪经院哲学中，对“罪与乐”（Sin and Joy）的张力如何影响对亵渎性幽默的审视。这一部分强调了古典时代对“恰当性”（Propriety）的执着，以及对一切偏离规范之物的警惕。 第二部分：启蒙时代：从痛苦到智力游戏（优越性与不协调的交锋） 启蒙运动是幽默理论的转折点。作者清晰地阐释了霍布斯如何将幽默纯粹地归结为“突然的荣耀感”——即一种对他人不幸或自身优越感的瞬间确认（优越理论的明确提出）。本书批判性地分析了霍布斯理论的局限性，尤其是在解释温和的、善意的幽默时所遇到的困难。 紧接着，本书深入探讨了洛克和康德对幽默的认知转向。洛克将幽默视为错误的联想和判断上的偏差，而康德则在《判断力批判》中，将笑声定位为一种能量的突然释放，源于预期与实际认知之间的“紧张和松弛”。作者详细拆解了康德的“不协调理论”框架，解释了这种理论如何为后世的许多形式的幽默分析（如双关语和悖论）提供了基础。 第三部分：十九世纪的深度：社会批判与生理释放 十九世纪见证了幽默理论从纯粹的哲学思辨走向对社会和心理功能的深入挖掘。 叔本华的理论是本章的重点之一。作者细致地解读了叔本华如何将幽默视为一种对“生存意志”的短暂中断和超越，笑声是对世界虚无本质的深刻认识所带来的慰藉。这为后来的“释放理论”奠定了形而上学的基础。 随后，本书转向柏格森的经典之作《笑的哲学》。作者投入大量篇幅分析了柏格森关于“机械化对生命有机性的侵犯”这一核心观点。柏格森的理论将幽默严格限制在社会领域，主张笑声是对“活的、灵活的人类”偏离“流畅”状态时施加的社会修正力。本书对比了柏格森的社会约束视角与其他更自由的认知解释。 第四部分：二十世纪的精神动力学与语言学转向 进入二十世纪，幽默理论与精神分析和语言学紧密结合。 弗洛伊德的《笑话论》是本部分的基石。作者不仅详细介绍了弗洛伊德关于“笑话的经济学”（即如何通过节省心理能量来产生快感），更阐释了其对“攻击性幽默”和“性/禁忌幽默”的区分。书中强调了弗洛伊德如何揭示了幽默作为潜意识欲望表达的“安全阀”功能。 在语言学和符号学领域，本书探讨了巴赫丁的“狂欢化”概念，分析了民间喜剧、低俗文化（Lowness）和“身体的下半部分”如何挑战和颠覆既有的权力结构和语言秩序。同时，本书还涵盖了后期对幽默的逻辑结构分析，如怀特黑德和派普斯对“意料之外的结局”和“多重解释结构”的探讨。 第五部分：当代综合与理论的未来图景 本书的最后一部分将焦点投向了当代研究，特别是那些试图整合三大古典理论的尝试。 作者详细阐述了认知语义学在幽默研究中的应用，特别是“脚本冲突理论”（Script Theory），解释了幽默如何通过激活和切换不同的认知框架（脚本）来产生不协调。这一理论有效地弥补了传统不协调理论在描述具体幽默机制上的不足。 此外，本书探讨了幽默的神经科学基础，包括哪些大脑区域（如前额叶皮层和多巴胺通路）参与了幽默的理解和愉悦过程。这部分为“释放理论”提供了生理学证据，表明幽默的产生与认知负荷的解除确实存在直接关联。 最后，本书提出了一个“张力-解决模型”，试图将优越感、不协调和释放这三种动力整合进一个统一的动态流程中：幽默的产生始于认知的失衡（不协调），随后可能触发社会比较（优越性），最终导致神经化学的释放和平衡（宽慰）。 结语：幽默的社会政治功能 《幽默的结构》最终回归到幽默的社会功能。作者总结道，幽默不仅是个人的认知游戏，更是社会对话、政治异议和文化整合的关键工具。通过对不同文化背景下（如东亚的“和”文化与西方社会的“讽刺”传统）幽默表现的对比分析，本书证明了理解幽默的结构，就是理解人类社会如何处理矛盾、建构身份和维护边界的终极密码。 本书是喜剧研究者、哲学家、符号学家以及所有渴望深入理解人类笑声背后复杂机制的读者的必备参考书。它提供了一个清晰、全面且富有洞察力的路线图，穿梭于古今思想的迷宫，最终揭示出幽默这一看似轻盈现象所蕴含的深刻结构力量。

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我很少看到一本书能将学术的严谨性与大众的阅读乐趣结合得如此天衣无缝。这本书的深度体现在其对主题的穿透力，而非堆砌的史料。它成功地将喜剧这门看似肤浅的艺术形式，提升到了探讨人类生存困境和普世情感的层面。作者在分析那些看似荒诞不经的桥段时，总能抽丝剥茧地引向对人性弱点、社会规则束缚的深刻反思。它让我开始重新审视那些被我们视为“理所当然”的幽默形式，思考笑声背后的哲学意涵。特别是最后几章，关于默片时代终结后，演员们如何应对有声电影带来的巨大冲击与身份危机，那种挣扎与不甘，读来令人动容，充满了史诗般的悲剧色彩，远远超越了仅仅“回顾经典”的范畴，而是一部关于艺术生命力的颂歌。

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我不得不说，我对这本书的叙事节奏和文体风格感到非常惊喜。它没有采用那种教科书式的平铺直叙，而是大量运用了富有画面感的散文笔法，使得阅读过程如同在欣赏一部精心剪辑的蒙太奇电影。作者在描述那些经典桥段时，往往会插入对当时社会心理和观众反应的细腻分析，这种多维度的解读方式，极大地丰富了我们对喜剧艺术的理解。例如，书中对“肢体语言”在无声电影中的极端重要性的剖析，简直是教科书级别的示范。它详细拆解了某个特定动作所蕴含的多重含义——是焦虑？是拙劣的伪装？还是单纯的物理失衡？这种深度剖析，远超我预期的娱乐价值，直接触及到了表演艺术的核心。我特别喜欢作者那种略带怀旧的笔调，字里行间透露出对逝去光辉的珍视，但又保持了批判性的眼光，没有一味地美化历史，这种平衡感把握得极为精准。

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坦白讲，我最初接触这类书籍时，总担心会过于学院派，充满难以理解的行业术语。然而，这本作品的语言风格异常平易近人，充满了英式幽默的灵动感，即便是初涉此道的读者，也能轻松跟上作者的思路。它更像是一次与一位学识渊博但又极其风趣的朋友在壁炉旁聊天的体验。作者在讨论喜剧的“时机”（Timing）时，用了一种非常生活化的比喻，将之比作一场复杂的交响乐团的指挥，每一个乐章的起承转合都必须精准无误。这种化繁为简的能力，是这本书最大的魅力之一。此外，书中对笑点背后的文化根源的探讨，也让我受益匪浅，理解了为什么某些笑料在当时能引起巨大反响，而放在今天看来却显得有些陌生，这提供了看待文化更迭的独特视角。

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这本关于喜剧黄金时代的巨著，简直是让我大开眼界，仿佛穿越回了那个喧嚣而又充满魅力的默片时代。作者对早期电影制作的细致入微的观察，尤其是在灯光和布景设计上的描述，让我对那个时代艺术家的艰辛与才华有了更深刻的理解。我特别欣赏书中对幕后故事的挖掘，那些关于片场趣闻、演员间微妙关系的描写，充满了人情味，完全不是那种干巴巴的学术论述。比如，有一段描述了早期电影配乐师如何仅仅依靠几段预先准备好的旋律来烘托不同场景的情绪，那种创造力的爆发和即兴发挥，读来令人拍案叫绝。而且，这本书的排版和插图选择也极其考究，那些黑白照片的颗粒感和光影对比，本身就构成了一种独特的视觉艺术，让人忍不住一页页翻下去，生怕错过任何一个历史的切片。它不仅仅是一本关于电影的书，更像是一部记录了文化变迁和社会风貌的编年史，让我对那个快速发展的年代充满了敬意。

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这本书的结构安排堪称一绝，它巧妙地将人物传记式的叙述与电影史的宏大背景交织在一起。作者似乎对每一个配角，甚至是对道具师和灯光师都抱有一种近乎偏执的热爱，给予了他们应有的篇幅。这种“全景式”的描绘，让整个电影制作的生态圈活灵活现地展现在读者面前。我特别赞赏作者在处理技术性内容时的克制与巧妙，它没有过多纠缠于复杂的摄影机型号或胶片化学反应，而是将技术工具放回到了“艺术表达”的语境下去讨论。举个例子，书中阐述了早期对景深控制的限制，是如何反过来促使导演们发展出更精妙的舞台调度和演员走位来弥补技术上的不足，这简直是一种“限制中的升华”的绝佳案例。读完这一部分，我感觉自己像是上了一堂关于“如何在资源匮乏下达成艺术突破”的绝妙大师课。

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