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出版者:Adams Media Corp

作者:Pollock, Robert

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:

价格:14.95

装帧:Pap

isbn号码:9781580629553

丛书系列:

图书标签:

• Screenwriting
• Film
• Writing
• Movies
• Storytelling
• Creative Writing
• How to
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• Beginner

动作片剧本的秘密武器：从概念到银幕的全面指南 一本深入探讨如何创作引人入胜、节奏紧凑、视觉冲击力强的动作片剧本的实用手册。 --- 第一部分：动作片的灵魂——概念与核心驱动力 理解动作片的本质：不只是爆炸和追车 动作片之所以能抓住全球观众的心弦，不仅仅在于其宏大的场面和高强度的动作序列。它更依赖于一个强健、清晰且具有情感共鸣的核心概念。本指南将首先带您拆解动作片剧本的底层逻辑，区别于爱情片、悬疑片或科幻片的独特叙事需求。 找到你的“高概念”：一个无法抗拒的开场白 成功的动作片往往可以用一句话概括。我们将探讨如何提炼你的故事核心，使其具备市场吸引力和传播潜力。从“一个前特工必须在X小时内拯救他的女儿，否则Y将会发生”到“一群精英盗贼必须在不可能的安保系统下盗取Z”，我们深入分析这些高概念背后的叙事杠杆。 主题的重量：动作背后的意义。 动作片绝非空洞的视觉展示。你的主角为什么要战斗？他/她捍卫的是什么？我们将研究如何将深刻的主题（如救赎、复仇、对体制的反抗）无缝地编织到激烈的动作场景中，确保观众在肾上腺素飙升的同时，情感也为之牵动。 世界观的构建与限制。 动作片的“规则”至关重要。无论是现代都市的阴影，还是未来世界的战区，清晰定义你的世界观的物理法则、技术限制和道德灰色地带，是确保动作合理性和可信度的基石。 主角的诞生：定义你的行动英雄 动作片主角必须具备可信的专业技能，同时也要有明确的弱点和成长的空间。 技能树的构建： 你的主角是格斗专家、神枪手、黑客，还是战术大师？详细规划他们的背景故事如何转化为银幕上的具体能力，并展示这些技能如何在压力下被测试和突破。 内在冲突与外部需求： 区分主角的“想要”（外部目标，如阻止炸弹爆炸）和“需要”（内在成长，如学会信任他人）。动作场面必须成为测试和体现这种内在成长的催化剂。 --- 第二部分：动作序列的蓝图——编排与节奏控制 动作场景的剧本化：从“打斗”到“叙事” 动作场景不是剧本的“填料”，它们是推动情节发展和揭示人物性格的关键工具。 动作的层次感： 我们将学习如何构建包含三个阶段的动作序列：铺垫（建立赌注）、冲突（高潮战斗）、后果（角色状态的变化）。每一场打斗、追逐或枪战都必须有明确的目的地，不能是漫无目的的展示。 “Show, Don't Tell”的极端应用： 在动作片中，视觉语言远胜于对话。如何用精确的动作描述（动词选择、运动轨迹、环境利用）来传达角色心理和战术意图。探讨如何使用“场景设计”来强化人物关系——例如，两位对手在狭窄空间内的对抗如何比在开阔地带更具压迫感。 节奏的魔术：高潮与低谷的交织。 观众的疲劳感是动作片编剧的天敌。我们将详细分析如何交替使用高强度动作（爆发点）和短暂的喘息时间（悬念重建或角色发展），以保持持续的叙事张力。如何通过加快或减慢场景的节奏描述，来控制观众的心跳。 追逐戏的艺术：空间、策略与赌注 追逐戏是动作片的标志性元素，但如何让它与众不同？ 利用环境作为角色： 探讨如何将城市街道、交通系统、自然景观等元素转化为追逐中的障碍、武器或逃脱点。追逐路线的设计必须反映主角或反派的思维模式。 策略的对决： 追逐不应是盲目的奔跑。主角和追捕者之间必须存在策略上的交锋——诱捕、设置陷阱、利用地形优势。分析如何将“智力”融入到体力活动中。 --- 第三部分：对手与赌注——冲突的升级机制 塑造一个值得铭记的反派 一个伟大的动作英雄，需要一个同样出色的反派来匹配。 动机的对称性与对立性： 优秀的反派往往是主角的“镜像”。他们的目标可能与主角相似，但手段和道德立场完全相反。我们将研究如何设计一个动机清晰、逻辑自洽的反派，即使观众不赞同其行为，也能理解其驱动力。 能力的匹配： 反派的威胁必须是可信且不断升级的。探讨如何设计“层层递进”的反派攻击模式，确保主角在每一次交锋后都付出代价，并被迫发展出新的技能或策略来应对下一阶段的威胁。 赌注的指数级增长：保持紧张感不松懈 观众需要确信失败的后果是灾难性的。 从个人到全球的风险升级： 如何在剧本中逐步提升赌注？从最初的拯救一个人，到拯救一个社区，再到拯救世界。这种升级必须与主角的情感投入同步发生。 时间限制与不可逆转性： 时间紧迫性是动作片的核心驱动力。分析如何设置看似无法逾越的时间限制，并确保故事中出现的每一个“小失败”都让时间更少，让回归原点的可能性变得更加渺茫。 --- 第四部分：剧本结构与技术实现 动作片的标准三幕式结构调整 虽然遵循三幕式结构，但动作片对转折点的要求更为苛刻。 第一幕的钩子： 如何在开场十分钟内，用一场精心设计的动作片段或强烈的威胁展示主角的能力和即将面临的危机？ 中段的危机点（Midpoint）： 探讨动作片中段转折如何常常表现为一次“致命的胜利”或“惨痛的失败”，它将迫使主角从被动反应转为主动出击。 高潮序列的设计： 最终的对决必须整合之前所有的主题元素、角色成长和动作技巧。分析如何构建一个包含多次虚假高潮和最终决战的多重终结序列。 动作的视觉语言：给导演和特技团队的清晰指示 剧本的描述必须准确无误，以指导后续的制作团队。 动词的选择与场景的密度： 学习使用强有力的动词来描绘动作的质感（例如，“冲撞”、“闪避”、“爆裂”而非“移动”、“打架”）。如何在不陷入过度技术性描述的前提下，确保动作序列在视觉上是清晰、可执行且充满冲击力的。 对话的精简： 在高压时刻，对话必须服务于行动。分析如何在爆炸性的场景中，用简短、关键的台词来替代冗长的解释，保持叙事的流畅性。 市场定位与类型细分 动作片是一个庞大的家族，包括间谍惊悚、犯罪动作、军事冒险和超英动作等。本指南将指导你如何根据你的核心概念，精准地定位你的剧本，并理解不同子类型的观众期待和叙事惯例。通过案例分析，你将学会如何突破这些惯例，创作出既遵循类型规则又充满新意的动作故事。

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我是一个对技术细节有近乎偏执要求的写作者，所以，这本书在“格式与行业标准”这块的处理让我非常满意。坦白说，很多写作指导书在讲完那些高深的理论后，往往对实际操作层面的格式要求一带而过，结果就是你写出来的东西虽然故事不错，但看起来完全不像个专业剧本。而这本书则完全是反其道而行之，它用近乎强迫症的细致程度，逐条解析了从页边距、场景标题（Slugline）的大小写规范，到如何正确处理画外音（V.O.）和画中画（P.O.V.）的标记。它甚至附带了一个很详尽的“常见格式错误清单”，简直是救星！我曾经因为一个很小的格式问题被朋友（一个做后期制片的朋友）无情吐槽，读完这本书后，我感觉自己终于能把剧本递给任何一个圈内人士而不感到丝毫的局促和心虚了。这种对“专业性门槛”的无情覆盖，让这本书的实用价值瞬间提升了一个档次，它教会你的不仅仅是如何讲故事，更是如何“像一个专业人士那样去呈现你的故事”。这种对细节的尊重，恰恰是通往职业生涯的第一步。

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我必须强调这本书在“人物深度挖掘”方面提供的工具箱的丰富程度。它没有停留在简单的“人物小传”层面，而是引入了一套非常实用的“多维度关系网”分析法。作者认为，一个角色的真实性，不是来自于他对自己说了什么，而是来自于他与世界如何互动。书中提供了一系列复杂的问卷和图表，帮助作者梳理出人物在不同社会关系、权力结构下的潜在行为模式。我尤其喜欢其中关于“人物的盲点与谎言”的章节，它引导我去思考，我的主角最害怕承认的真相是什么，以及这个真相如何驱使他做出看似矛盾的行为。这种挖掘深层心理动机的方法，让我的角色瞬间摆脱了“剧情工具人”的标签，拥有了自己的内在生命力。阅读这本书的过程，与其说是学习写作技巧，不如说是在进行一场深入的角色心理学研究。它让我意识到，好的剧本，其核心永远是关于人性的真实呈现，而这本书，就是你通往人性复杂景观的一张详尽地图。

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读完这本大部头，我最大的感受是作者对“声音”和“视觉语言”的强调，远超出了我预期的“剧本写作教科书”的范畴。许多同类书籍热衷于讨论对白如何犀利，但这本书却花了大量篇幅去探讨“沉默”的力量，以及如何用场景描述来替代冗长的解释性对白。它仿佛在提醒每一个想当编剧的人：你写的是给眼睛看的，不是给耳朵听的。书中关于“场景内信息密度”的分析尤其精彩，作者通过对比几个不同风格的剧本片段，直观地展示了如何在一句简单的动作描述中，同时植入人物情绪、环境氛围和潜在的未来冲突。这对于我这种习惯于写很多“内心独白式”描述的新手来说，简直是醍醐灌顶。而且，这本书的叙事风格非常平易近人，没有那种高高在上的学院派腔调。它更像是一位资深制片人坐在你对面，跟你分享他多年来在片场踩过的那些坑，以及如何避免它们。我特别喜欢它关于“电影的节奏感”那一章，用音乐理论来类比剧本的起承转合，这种跨学科的视角拓展了我的思维边界，让我开始用一种全新的、更具韵律感的方式去审视我的文字。

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这本书简直是为那些对电影和电视剧制作充满热情，却不知从何下手的“小白”量身定做的指南。我得说，初拿到手的时候，那种厚重感就给人一种“这绝对是本硬货”的预感。我尤其欣赏它对剧本结构那部分的处理，那种层层递进的讲解方式，不像有些教材那样只抛出理论，而是真正结合了大量的案例分析。比如，它详细拆解了经典三幕剧的每一个关键转折点，不是简单地告诉你“第二幕要出现转折”，而是深入剖析了为什么这个转折点必须发生，以及如何设计出既出乎意料又在情理之中的剧情推进。作者似乎非常清楚新手在创作过程中最容易在哪里卡壳，比如人物动机的模糊性，或者场景衔接时的不自然感，然后就针对这些痛点，给出了极其具体、可操作的练习方法。我试着按照书中的“人物核心冲突日志”去写了一篇角色的背景故事，效果立竿见影，感觉之前那个模糊的形象一下子就鲜活立体起来了。这本书的优点在于，它从不会让你觉得你在“学习”，而更像是有一个经验丰富的导师在旁边手把手地带着你走，让你在实践中理解那些晦涩的行业术语。如果你正在为你的第一个剧本草稿感到头疼，这本书里的“如何高效完成初稿的10个步骤”绝对值得你反复阅读和实践。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“类型片创作的解构与重塑”这一部分的深入探讨。很多关于剧本创作的书籍，要么只关注严肃戏剧，要么只是泛泛而谈。但这本书却非常务实地拆解了科幻、惊悚、爱情喜剧这几种主流类型的核心“驱动力”和“观众期待”。例如，它分析了恐怖片中“不可知恐惧”是如何建立起来的，以及在喜剧中，如何确保笑点不是孤立的，而是服务于人物弧光的。更棒的是，它没有要求你墨守成规，而是鼓励你在理解了这些“类型惯例”之后，去巧妙地颠覆它们。我跟着书中的“类型片反套路设计工作坊”做了一个练习，试图写一个不按套路出牌的黑色幽默片，结果发现，只有真正理解了规则，才能知道如何优雅地打破规则。这种对创作自由与行业规范之间平衡的探讨，对于那些渴望在商业市场上有所作为，又不想牺牲个人艺术表达的作者来说，提供了绝佳的思考框架。这本书让你明白，类型片不是平庸的代名词，而是精妙的结构工程。

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