具体描述
This is the last in the series of Sir John Boardman's acclaimed handbooks on Greek sculpture; a sequel to similar volumes on the Archaic and Classical periods. Here, the story continues through the fourth century B.C. to the days of Alexander the Great. The innovations of the period are discussed, such as the female nude and portraiture, along with many important monuments including the Mausoleum of Halicarnassus and several of the great names such as Praxiteles and Lysippus who were lionized by later generations. The volume also presents Greek sculpture made in the colonies of Italy and Sicily from the Archaic period onwards, as well as that made for eastern, non-Greek rulers. A final section considers the role of Greek sculpture in moulding western taste to the present day.
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读后感
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用户评价
这本书的观点实在是太“反主流”了，它几乎是以一种挑衅的姿态，对20世纪早期抽象表现主义运动的“英雄叙事”发起了全面的进攻。作者坚称，与其说那批艺术家是在追求纯粹的内在情感表达，不如说他们是在一场精心策划的、由艺术赞助人和冷战时期政治宣传所共同驱动的“视觉意识形态战役”中，被推上神坛的产物。全书充斥着对“汉斯·霍夫曼的网格理论”和“波洛克的滴洒技法”背后的资本运作和市场操控的尖锐批判。作者的论述逻辑严密得如同法律文书，引用了大量未曾公开的会议纪要和私人信件，将那些被神化的艺术家还原成了在巨大市场压力下挣扎的“符号”。读完后，你对那些看似自由奔放的画布上，潜藏的复杂博弈看得一清二楚，心中不免泛起一丝凉意。这绝对不是一本让你轻松欣赏艺术的书，而是一部充满怀疑精神和批判锋芒的艺术社会学诊断书，它强迫你重新思考“原创性”和“艺术价值”的定义权究竟掌握在谁的手中。
评分我花了整整一周时间才啃完这本关于19世纪末巴黎沙龙艺术的专著，说实话，它的叙事节奏对于习惯了快餐式阅读的现代读者来说，绝对是一种挑战。作者的行文风格极其古典、冗长，充满了对那些被主流艺术史有意无意忽略的学院派画家的详尽考据，每一个脚注都像是一条通往尘封档案室的小径。它详尽梳理了那些在印象派光芒下黯淡的艺术家们，如何在僵化的评审制度下，用近乎偏执的技艺去模仿和超越古典大师的笔触，那种在时代浪潮中挣扎求生的艺术家的群像，被刻画得入木三分。特别是对“学院派色彩理论”与“历史画的构图法则”那几章，简直是枯燥但又无比扎实的知识点堆砌，没有丝毫的妥协或简化。如果你期待的是一本轻松的艺术普及读物，那大可以把书放回去。但如果你是那种痴迷于深入挖掘历史肌理，想知道“为什么”而不是仅仅“是什么”的硬核研究者，这本书将成为你书架上不可或缺的基石，它要求你付出耐心，但回报的深度绝对值得。
评分读完这本书，我唯一的感受就是，作者对中世纪哥特式大教堂的建筑结构与宗教象征意义的联系，达到了近乎“痴迷”的程度。它完全避开了对文艺复兴和巴洛克时期那种引人注目的宏大叙事的关注，而是将焦点牢牢锁定在那些被高速公路边缘化的小型修道院和地方主教座堂的立面装饰上。书中对飞扶壁（Flying Buttress）力学原理的介绍，竟然能够写得如同史诗般壮阔，仿佛每一次支撑点的计算都关乎灵魂的救赎。更令人称奇的是，作者对光线如何通过彩色玻璃窗，在特定的朝向上投射出具有“神谕”性质的光斑，进行了近乎天文学般的精确测算和推演。这本书的语言风格非常冷峻、严谨，充满了拉丁文词汇的引用，读起来就像是在跟随一位中世纪的工匠大师，一步步用尺规和信仰去构建天国在人间的投影。它彻底颠覆了我对“黑暗时代”艺术的刻板印象，展现出一种高度系统化、充满数学美感的内在逻辑。
评分令人耳目一新的是，这本书完全跳出了西方艺术史的传统框架，将叙事的重心放在了丝绸之路上那些游牧民族的金属工艺与装饰艺术上。作者的笔触充满了冒险精神，仿佛能闻到从撒马尔罕带来的香料味和黄铜的冰冷触感。它详细描述了斯基泰黄金工艺中那种夸张的动物造型（Animal Style）如何受到伊朗和中国艺术的交叉影响，形成了一种独特的、充满野性力量的视觉语言。书中对不同青铜合金配方的推测，以及如何通过微观分析来断定文物来源地的段落，展现了跨学科研究的巨大威力。它没有提供那些华丽的宫廷艺术，而是聚焦于实用性、仪式性和迁徙性文化中诞生的艺术，那些被博物馆深锁的、带着泥土和汗水气息的器物。这本书的阅读体验就像是一场穿越时空的考古发掘，它让你意识到，所谓的“艺术中心”和“边缘”是多么具有偏见性，真正的创造力往往在世界的角落里以最原始、最坚韧的形式存在着。
评分这部作品的深入剖析简直让人叹为观止，它毫不留情地揭示了文艺复兴时期那些伟大雕塑家们在追求“完美人体”背后的复杂心理动机与社会压力。作者似乎拥有洞察一切的魔力，能够穿透冰冷的大理石，直抵米开朗基罗或多那太罗创作瞬间的挣扎与狂热。我尤其欣赏其对“理想美”如何在不同城邦间流变的研究，从雅典的古典宁静过渡到罗马的帝国张力，那份细腻的笔触描绘了审美标准的无情更迭。书中对光影如何在雕塑表面产生“生命力”的探讨，简直是艺术理论的教科书级别示范，它不仅仅是描述了作品的形态，更是阐释了艺术家如何利用媒介的物理特性来模拟生命呼吸的瞬间。读完后，你再去看任何一件古典雕塑，都会带着一层全新的理解滤镜，仿佛突然掌握了某种只有行家才懂的暗语。那种酣畅淋漓的知识灌输感，是极少数艺术史书籍才能带来的体验，它将那些我们习以为常的“经典”重新置于历史的审视台上，让你不得不重新审视我们继承的那些审美遗产究竟是何等沉重与辉煌。
评分这本和上一本都很好很好很好！不过我更喜欢上一本的内容
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