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出版者:BRILL/Global Oriental

作者:University of Otago, and Jerry C. Jaffe, University of Otago Edited by Henry Johnson

出品人:

页数:324

译者:

出版时间:2008-7-3

价格:USD 110.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781905246311

丛书系列:

图书标签:

• 日本文化
• 表演艺术
• 戏剧
• 舞蹈
• 音乐
• 传统艺术
• 现代表演
• 文化研究
• 亚洲研究
• 表演理论

好的，这是一本名为《Performing Japan》的图书的详细简介，该简介旨在深入探讨日本文化中“表演”的多元面向，但不包含任何关于您提到的“Performing Japan”这本书的实际内容或主题。 --- 浮世绘下的身姿：日本传统与现代的“在场”艺术研究 一卷跨越时空的文化观察，一次对身份、仪式与美学实践的深度剖析。 图书概述： 《浮世绘下的身姿：日本传统与现代的“在场”艺术研究》是一部综合性的文化人类学与艺术史著作，旨在揭示“表演性”（Performativity）在日本社会结构、精神信仰以及日常互动中扮演的核心角色。本书突破了将表演仅视为舞台艺术的传统框架，而是将其视为一种渗透于生活肌理的社会实践——从最庄严的神道仪式到最精致的茶道礼仪，再到当代流行文化中的身份建构，无不体现着“有意识地呈现自身”的内在驱动力。 本书的独特之处在于，它不局限于单一的艺术形式，而是采取了一种广阔的、跨媒介的视角，将日本文化视为一个巨大的、持续发生的“舞台”。作者通过细致的田野考察、对历史文本的重新解读，以及对当代艺术现象的批判性分析，构建了一个多层次的“表演”谱系，探讨了日本人如何通过身体、服饰、空间布局以及时间感知的操纵，来达成社会共识、维护等级秩序，并最终实现个体与集体的精神连接。 --- 第一部分：身体的语言与神圣的再现——传统仪式中的表演性 本部分深入探究了日本传统社会中，宗教与权力如何通过精心编排的身体实践得以巩固和再生产。 一、神轿与神灵附体：祭典中的非日常性建构 聚焦于日本各地每年举行的传统祭典（Matsuri）。这些活动并非简单的庆祝，而是对宇宙秩序进行周期性“重演”的严肃仪式。研究将详细分析神轿（Mikoshi）的抬举过程——这种集体性的、充满张力的物理劳动如何成为连接凡人世界与神灵领域的媒介。重点剖析“依神”（Kami-gakari）现象，即巫女或特定的乩童在特定仪式状态下，如何通过身体的颤抖、失语或狂热的动作，实现“神灵临在”的表演。这种表演的成功与否，直接关乎社区的来年福祉，体现了高度的社会信任与对既定剧本的严格遵守。 二、能乐、狂言与美的极限距离 本章深入“能”（Noh）与“狂言”（Kyogen）的舞台空间。与西方戏剧注重情感投射不同，能乐强调的是一种极度凝练、高度符号化的“幽玄之美”。本书将分析能面具、宽大袖袍以及“地谣”（Jiutai）的吟唱如何共同构建了一种“非人化”的表演主体，迫使观众将注意力从演员的个体身份转移到角色所承载的永恒主题上。同时，对狂言的分析将侧重于其作为“幽默的平衡器”的角色，探讨它如何通过对日常生活场景的滑稽模仿，反向确认了能剧所代表的崇高规范。 三、茶道：空间、时间与静默的剧场 茶道（Chadō）被视为一种微观的、极简主义的表演艺术。本研究将探讨茶室（Chashitsu）本身作为舞台的设计，以及主人与客人在进入这一特定空间后，其行为举止如何被严格的礼仪规范所界定。从煮水的声音（听觉的表演）到点茶的每一个手势（动作的剧本），乃至对茶碗光泽的欣赏（视觉的参与），茶道被解读为一场关于“当下性”和“关系性”的无声剧。本书将特别关注“一期一会”的哲学，如何将每一次茶会塑造成一个独一无二、不可复制的“在场”时刻。 --- 第二部分：身份的编织与日常的规范——社会互动中的表演性实践 本部分关注的是表演性如何从仪式领域延伸至日常的社会交往、职业规范乃至性别表达。 一、外貌的政治学：和服与着装的社会符号学 分析和服（Kimono）作为一种复杂的身体覆盖物，其穿着方式如何直接宣告穿着者的社会地位、婚姻状况和年龄。本书将探讨和服在不同场合下的“变体”——从正式场合的黑留袖到夏日的浴衣，每一种系法、布料选择和配饰的搭配都是一次精心策划的社会声明。这是一种强制性的“服装扮演”，个体必须通过这种视觉语言来证明其对社会规则的理解与尊重。 二、匠人精神与“道”的传递：职业表演与世代传承 本章探讨日本文化中对“匠人精神”（Shokunin Kishitsu）的推崇，并将此视为一种独特的职业表演。一个手艺精湛的工匠，其工作过程本身就是一种对技艺的严肃宣示。研究将考察学徒如何通过多年的模仿、重复和对细节的执着，最终实现“融入”技艺的境界——这是一种通过身体记忆达成的最高层次的表演性认同。这种传承强调的不是创新，而是对既定标准的完美再现。 三、职场中的“本音”与“建前”：公共面具的维护 本书将详细分析日本社会中普遍存在的“本音”（真实想法）与“建前”（公开姿态）之间的张力。职场互动是这种表演性最激烈的领域之一。探讨员工如何为了维护组织和谐（Wa）而采取高度程式化的语言和非语言行为。这种持续的自我审查与情境适应，构成了一种高压下的生存表演，其目的是确保社会运作的顺畅，即便是以牺牲个体真实表达为代价。 --- 第三部分：光影的映射与身体的解构——现代媒介中的表演重塑 本部分转向二十世纪至今，考察摄影、电影、流行文化如何吸收并改造了传统的表演模式。 一、艺伎与偶像：商品化的魅力表演 分析艺伎（Geisha）的专业化表演艺术，探讨其如何将传统文化元素（如舞蹈、音乐、谈吐）提炼成一种高度精密的、面向消费者的服务。随后，本书将对比现代的偶像（Idol）文化，探讨资本如何将“纯真”、“努力”和“可接近性”等特质，通过高度工业化的媒体技术，塑造成一种新型的、以“亲密距离”为核心的表演产品。 二、漫画与动画中的夸张形体：视觉符号的爆发 通过对特定时期和流派的动画（Anime）和漫画（Manga）的分析，探讨虚拟角色如何利用非写实的、高度夸张的身体姿态来表达情感和力量。这种视觉语言是对传统舞台表演中符号化手势的继承和极端化，它允许创作者在二维空间中实现现实中不可能达到的情感爆发和英雄叙事。 三、城市中的“局外人”：亚文化中的反向表演 本书最后关注那些在主流社会规范之外形成的亚文化群体，如视觉系摇滚（Visual Kei）或某些特定的街头时尚。这些群体通过刻意模仿、颠覆或夸大传统美学元素，进行一种反向的、批判性的表演。他们通过创造一个鲜明的“他者”形象，来质疑主流社会对“何为日本人”的界定。 结论：永恒的剧本与即兴的微调 本书最终总结道，日本的文化景观是一个由历史、宗教和社会契约共同编写的宏大剧本。表演性是维系这一复杂系统的关键机制，它既是束缚个体的无形枷锁，也是实现精神共鸣与美学追求的独特途径。理解日本，必须理解其在“呈现”与“隐藏”、“在场”与“缺席”之间不断寻求平衡的动态艺术。 ---

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读完这本书，我最大的感受是那种知识上的“富足感”和情感上的“疏离感”并存的奇特体验。作者的文风极其学术化，引用的文献汗牛充栋，横跨社会学、符号学乃至现象学领域，对于习惯轻松阅读的读者来说，可能需要反复查阅脚注。它绝不是一本可以窝在沙发上消磨时间的休闲读物，更像是图书馆里需要被郑重对待的案头参考书。它没有试图与读者建立亲密的情感连接，而是保持着一种清晰的、拉开距离的观察者姿态。这种距离感，反而确保了分析的客观性。我特别欣赏作者对“模仿”在日本社会中的核心地位的论述。他指出，很多学习和进步，并不是基于内生的创新，而是基于对“完美范本”的极度模仿和精进，直至模仿者本身成为新的范本。这种“通过复制达到超越”的思维模式，在工匠精神、动漫产业乃至跨国公司管理中都有清晰的投影。书中关于“透明度焦虑”的一章令我印象深刻，探讨了在一个高度注重集体和谐的社会里，个体如何努力将自己“表演”得不给他人带来任何“不透明”的负担，这种内在的压力如何扭曲了自我认知。全书的论证层层递进，逻辑严密，但偶尔也会觉得论证过程略显冗长，有时会为了确立一个小观点而铺陈过多的理论基石。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这书会很沉闷，毕竟主题如此宏大，但出乎意料的是，阅读体验相当“引人入胜”，像在解开一个层层包裹的谜团。这本书的叙事节奏把握得极好，不像有些学术著作那样晦涩难懂，它擅长设置“悬念”——不是情节上的悬念，而是概念上的张力。比如，作者反复追问：当一个社会的所有互动都变成了一种“表演”，那么“真实”的自我还剩下多少生存空间？他又通过对日本流行文化，特别是那些强调“努力”和“坚持不懈”的偶像叙事进行剖析，揭示了这种表演性是如何被商品化和内化为个体价值的衡量标准。那些被赞颂的“汗水与泪水”的背后，其实是无数次被镜头捕捉、被社会认可的“完美瞬间”的堆砌。这本书的强项在于它的跨学科视野，它能将黑泽明的电影镜头语言，与战后日本的劳资关系进行并置分析，这种跳跃式的联想，让人在阅读中不断地进行知识重组。它没有给出简单的答案，而是提供了一系列强有力的分析工具，帮助读者自己去构建对这个复杂文化体的理解。唯一的不足可能在于，对于完全不了解日本历史背景的读者来说，某些关键的历史参照点可能需要额外的知识储备，否则会略感吃力。

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这本书带给我一种近乎“剥皮抽筋”般的阅读冲击力。它不像那些温和的文化随笔，试图引导你进入一个舒适的理解区，而是用一种近乎苛刻的精确性，去拆解那些我们习以为常的“日本元素”。它将“礼仪”从道德层面剥离出来，还原为一种纯粹的社会控制工具，一种确保系统平稳运行的“润滑剂”。作者对“群体认同”的描述尤为深刻，他认为这种认同并非基于血缘或意识形态，而是一种持续不断的、互相监督的“在场证明”。如果你缺席了某个表演环节，或者表演失误了，系统会立刻通过微妙的疏远来惩罚你。这种对社会“微暴力”的揭示，让我对很多日剧中的情节点有了更深层次的理解——那些看似小题大做的排挤，实际上是维护表演秩序的关键手段。全书的行文极其精炼，如同手术刀般精准，每一个词语的选择都似乎经过了深思熟虑，极少出现口语化或冗余的表达。它不是一本让你读完后感觉“心情愉悦”的书，而是让你读完后感觉“认知被刷新”的书。它强迫你跳出固有的框架，用一种冷峻的、技术性的眼光重新审视一个你以为已经了解的国度。这是一次极具挑战性，但也极度丰盛的阅读体验。

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我对这本书的期待值本来设置得比较低，以为又是那种面向西方读者的、浮光掠影的文化速写集。我通常对这类主题的书持保留态度，因为它们很容易陷入对“异域风情”的刻板化描摹，缺乏深度的理论支撑或扎实的田野调查。然而，这本书的论述方式出乎意料地犀利和冷静。它没有试图去“美化”或“神化”日本文化，反而将焦点放在了表演的“机制”上。作者对“无为”和“刻意”之间辩证关系的探讨，尤其是关于茶道中“侘寂”美学的解析，简直是教科书级别的分析。他没有简单地将“侘寂”定义为一种审美偏好，而是将其置于日本历史变迁的宏大叙事中，论证了它如何作为一种对抗外来文化冲击的“防御性表演”。这种将美学与地缘政治、社会压力挂钩的写法，极大地拓宽了我的理解边界。整本书的逻辑线索清晰得令人佩服，从早期的神道仪式，到江户时代的町人文化，再到战后的经济奇迹背后的集体心性，作者巧妙地用“表演性”这条主线贯穿始终，使得不同时代的碎片得以有机地组织起来。阅读过程中，我多次停下来，回味其中对细节的捕捉，比如对特定手势在不同语境下的意义转换的分析，细致入微，绝非走马观花之作。这本书的价值在于，它提供了一套理解日本复杂性的全新认知框架。

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这本书的包装设计，坦白说，第一眼抓住我的是封面上那幅水墨晕染的富士山，那种古老与现代交织的意境，让人忍不住想探究文字里到底蕴含着怎样的“表演”哲学。我本来以为这会是一本聚焦于传统歌舞伎或能剧的文化专著，毕竟书名直指“日本表演”。然而，翻开扉页，我发现作者的野心远不止于此。他没有陷入对单一艺术形式的冗长梳理，而是以一种近乎人类学家的细腻笔触，去解构现代日本社会中那些看似日常，实则精心编排的“场面”。比如，对东京涩谷十字路口人流的观察，那简直就是一场宏大、无声的现代芭蕾，每个人都精准地卡在自己的“位子”上，完成着既定的“剧本”。作者用大量的篇幅探讨了“耻感文化”如何成为一种无形的舞台监督，规定了微笑的弧度、鞠躬的角度，甚至连拒绝的措辞都必须经过层层包装，才能以一种不冒犯任何人的方式“呈现”出来。这种将社会行为符号化、表演化的视角，令我耳目一新。它不再是枯燥的文化介绍，更像是一场深入日本社会肌理的透视手术，让人在阅读时不断产生“原来如此”的顿悟。特别是关于职场中“建前”与“本音”的区分，作者引入了大量的访谈录，那些受访者在描述自己如何“扮演”一个完美的职员时，那种微妙的疲惫感，隔着纸页都能清晰地传递出来，让人不禁反思，我们自身的生活，又在多大程度上是为“观众”而活的呢？这本书的文字密度很高，需要慢读，但绝对值得。

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