The Sculpture of Phillip King pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Ashgate Pub Co

作者:Hilton, Timothy

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:1992-5

价格:541.00 元

装帧:HRD

isbn号码:9780853316220

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 菲利普·金
• 现代雕塑
• 英国雕塑
• 艺术史
• 雕塑艺术
• 艺术
• 现代艺术
• 抽象雕塑
• 20世纪艺术

好的，以下是一份关于雕塑家菲利普·金（Phillip King）的艺术生涯与作品的详细介绍，字数约1500字，旨在全面呈现其艺术贡献，同时避免提及任何关于书籍内容或AI生成的内容。 --- 菲利普·金：空间、物质与色彩的对话 菲利普·金（Phillip King），作为20世纪下半叶英国雕塑领域最具创新性和影响力的艺术家之一，其艺术实践深刻地重塑了人们对雕塑本质的理解。他的作品不仅挑战了传统雕塑的纪念碑性和实体感，更以其对材料的精妙运用、对空间的敏锐感知以及对色彩的叛逆性引入，在抽象艺术的语境中开辟了一条独特而富有活力的道路。 金的艺术生涯与战后英国雕塑的现代化进程紧密相连。在二战后的艺术环境中，许多雕塑家仍受制于传统的青铜或大理石的束缚，专注于表现主义或具象重塑。然而，金从一开始就展现出对新材料和新形式的强烈渴望。他早期受立体主义和野兽派的影响，但很快便转向了更纯粹的抽象探索，深受英国学院派教育以及当时盛行的现代主义思潮的熏陶。 材料的解放与色彩的引入 金最具标志性的贡献之一，是他对工业材料的娴熟运用，特别是对钢铁、铝以及后来的玻璃钢（Fiberglass）的大胆采用。在那个时代，这些材料尚未被主流艺术界广泛认可为雕塑的“高贵”载体。金摒弃了雕塑必须厚重、永恒不变的观念，转而拥抱这些材料固有的轻盈感、工业特质以及可塑性。 在1960年代初期的作品中，金开始尝试使用彩色的工业涂料来覆盖他的结构。这在当时是一个大胆的举动。传统的雕塑往往依赖材料本身的质地和颜色来传达情感，而金却将鲜艳、平坦的色彩（如亮红、鲜黄、电光蓝）直接涂抹在几何形状上。这种做法具有双重意义：首先，它极大地削弱了作品的体积感和重量感，使雕塑仿佛漂浮在空间中；其次，色彩的介入使得作品更像是对绘画语言的延伸，模糊了雕塑与绘画的界限，使得“空间性”成为作品的核心要素。 形态的演变：从几何到有机 金的早期作品，如1960年代初期的几件作品，往往呈现出清晰的几何切割和明确的体块关系。这些结构通常是开放的、穿插的，强调了雕塑内部空间的流动性。它们像三维的几何谜题，邀请观者在不同的角度穿梭和观察。 然而，随着创作的深入，金的形态开始变得更加有机和复杂。他逐渐放弃了严格的直线和锐角，转而探索更柔和、更具运动感的曲线和弧面。进入1970年代，他开始运用模塑技术，创造出具有内部张力和外部张力的复杂形态。这些作品不再是简单材料的堆砌，而是仿佛经过了某种内部力量的挤压和拉伸，形成了独特的“内部张力场”。 金对于“开放性”的追求贯穿始终。他的雕塑很少是封闭的实体，它们总是包含着负空间（Negative Space）。他理解到，雕塑不仅是它所占据的物质，也是它所界定的空间。通过穿孔、切割和悬空结构，金将环境光线和周围的空气纳入了作品的构成要素中，使作品成为与其环境持续对话的实体。 对纪念碑性的颠覆 菲利普·金的作品在很大程度上是对传统纪念碑式雕塑的颠覆。传统的纪念碑旨在确立权威、固定历史记忆，通常体量巨大且位于基座之上。金的作品则倾向于水平延展，与地面建立更亲密的关系。它们更像是对特定地点的“干预”而非“统治”。 例如，他后期的一些大型户外作品，虽然体量可观，但其设计语言却是轻盈、邀请性的。它们没有高高在上的姿态，反而鼓励观众靠近、环绕，甚至在某些情况下，作品的结构允许观众在其中穿行。这种亲近感和互动性，是金对现代公共艺术的一种深刻反思：艺术不应是高高在上的教条，而应是激发感知和体验的媒介。 色彩的哲学意义 对于金而言，色彩绝非仅仅是装饰。当他将高饱和度的工业色彩应用于雕塑表面时，这种色彩具有强大的“去物质化”作用。亮色使得坚硬的金属看起来轻盈，甚至有些许的“卡通化”的错觉。这种对物质性的消解，使得作品的焦点从“它是什么”转向了“它如何被感知”。 色彩的并置和对比，也被他用来界定和划分空间。不同的色块像是屏幕，分割了视线，引导着观众的目光在雕塑的各个层面之间移动。这种对视觉层次的精心设计，体现了他对形式构成和感知心理学的深刻洞察。 总而言之，菲利普·金是一位通过勇敢实验和深思熟虑的结构设计，彻底革新了雕塑定义的艺术家。他将工业材料、绘画色彩和空间哲学熔于一炉，创造出既有物质存在感又充满轻盈诗意的独特艺术语言，持续影响着当代雕塑的面貌。他的作品是关于物质如何与空间共舞，以及色彩如何赋予形式以新生命的精彩论述。

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这部关于菲利普·金雕塑艺术的画册，简直是视觉的盛宴，每一页都充满了令人屏息的细节和对创作过程的深刻洞察。我必须说，这本书的排版和印刷质量达到了一个惊人的高度，色彩的还原度非常精准，那些青铜和钢材在光线下折射出的微妙光泽，通过高质量的纸张和油墨被完美捕捉。我特别喜欢其中关于早期作品的章节，那些粗粝的质感和强烈的几何形态，让人深刻感受到艺术家在探索材料边界时的那种探索欲和不妥协。书中收录了大量不同角度的特写镜头，这些特写不是简单的记录，更像是对作品内在肌理的深入挖掘，让你几乎可以触摸到金属表面的温度和重量。翻阅这本书的过程，更像是一次沉浸式的艺术体验，而不是简单的阅读。它迫使我放慢脚步，去思考雕塑是如何占据和定义空间的，以及金是如何通过材料的物理属性来表达抽象概念的。对于任何热爱当代雕塑，或者对材料语言感兴趣的人来说，这本书都是一个不可多得的参考宝典，它不仅展示了作品，更像是提供了一把钥匙，让你得以窥见一位大师的心灵世界和技艺精湛的实践过程。

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老实说，我原本对这位艺术家的了解仅限于教科书上几张模糊的黑白图片，但这本精装书彻底颠覆了我的印象。它与其说是一本艺术画册，不如说是一部深入艺术家创作哲学的文献。作者的叙述口吻非常平实，却又不失学术的严谨性，尤其是中间穿插的几篇评论家的深度分析，非常精彩地将金的作品放置在了战后英国雕塑史的语境中进行考察。我个人对那些关于他如何处理“重量感”与“轻盈感”对立统一的章节尤为着迷，书中详细对比了不同时期作品在结构上的演变，比如从早期的实体块面转向后期的空间穿插结构，这种清晰的脉络梳理对于理解一个艺术家的成长轨迹至关重要。这本书的编辑显然下了很大功夫，不仅仅是作品的罗列，还包含了大量工作室的场景照片，这些照片极大地补充了文字的不足，让人感受到那种创作现场特有的张力和尘土飞扬的美感。对于想要撰写相关论文或者进行深入研究的读者，这本书提供了极其扎实的图像和文本基础，绝非那种肤浅的“大片堆砌”的画册可比拟。

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这是一本读起来让人感到“重”的书，这里的“重”不是指物理重量，而是指其内容承载的分量感。我花了整整一个周末才粗略地翻完一遍，但每翻一页都充满了发现的惊喜。最让我印象深刻的是书中对那些巨型户外雕塑的记录。摄影师的功力也值得称赞，他们不仅捕捉了雕塑本身，更巧妙地将环境光线、天气变化甚至背景中的行人纳入画面，从而展示了作品在真实世界中与观众互动的动态过程。比如，某件作品在晴天下的锐利阴影和雨天里积水反光的效果对比，简直是教科书级别的视觉对比。书中对金在材料选择上的偏执也有细致的描述，例如他对特定熔炉温度和冷却速率的坚持，这些技术细节的披露，让非雕塑专业的读者也能感受到创作背后的艰辛和对完美的执着追求。这本书的装帧设计也很有巧思，书脊的纹理模仿了某种粗粝的铸造表面，每一次拿起都仿佛在进行一次触觉上的交流。它成功地将雕塑这种三维艺术的精髓，转化为了可以被长时间品味的二维文本载体。

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我通常对这种专注于单一艺术家的书籍持保留态度，觉得内容难免会显得单调或重复，但《菲利普·金雕塑艺术》完全超出了我的预期。这本书最大的亮点在于其叙事的多样性，它不仅有艺术史学家的宏观评价，还有金本人的几段访谈录，这些访谈片段简短而精炼，充满了哲思。他对于“负空间”的理解，以及如何利用空间本身的虚无来定义实体的存在，是我读过的最清晰的阐述之一。书中收录了大量的线描草图和粘土模型照片，这些“不成熟”的中间产物，比最终完成品更让我着迷，因为它们赤裸裸地展示了艺术家如何与自己的想法搏斗，如何一步步将脑海中的混沌转化为有形的结构。我特别喜欢其中对比研究的版面设计，将同一系列作品在不同时间点，或者不同材料版本并置展示，这种并列的比较极大地增强了分析的深度。这本书的阅读体验是层次丰富的，你可以纯粹欣赏图像，也可以深挖其背后的技术和哲学根基，非常适合不同层次的艺术爱好者。

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这本书的重量和厚度本身就暗示了其内容的丰富性，而实际阅读后更体会到这种“厚重”的价值。我不得不赞扬其对“光线”处理的细致入微的考察。雕塑艺术是光影的艺术，这本书通过一系列精心策划的布光照片，展示了金如何精确地计算和引导光线穿过他的结构。特别是在描述那些复杂的穿孔和网格状作品时，书中的插图简直是光线流动的可视化指南。此外，书中还附带了一篇关于金对欧洲古代雕塑传统的继承与反叛的精彩论述，这篇文章不仅拓展了我们对金作品的理解维度，也让我们重新审视了当代雕塑的根源问题。阅读过程中，我发现自己经常停下来，反复摩挲书页上的图像，试图在脑海中重建那个三维的物理形态。这本书不是那种快速翻阅的消遣读物，它需要你带着敬意和专注去对待，因为它所承载的，是一位艺术家毕生对形式、材料和存在边界的深刻探索。绝对是一本值得收藏的硬核艺术著作。

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