Divine Art

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出版者:Ingram Pub Services
作者:Shashibala, Dr.
出品人:
页数:144
译者:
出版时间:2008-4
价格:$ 22.54
装帧:HRD
isbn号码:9788174363213
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 神性
  • 灵性
  • 绘画
  • 雕塑
  • 宗教艺术
  • 艺术史
  • 文化
  • 哲学
  • 神秘主义
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具体描述

From the worship of sacred mountains, stones, trees, and tools, divine art brought under its sway forms as diverse as music, dance, painting, sculpture, and architecture. These photos and text are brilliant records of the history and evolution of divine art.

好的,这是一份关于一本名为《凡人修真录》的图书简介,内容详实,力求自然流畅,不包含《Divine Art》的任何信息。 《凡人修真录》:从微尘到星辰的漫漫征途 作者: 青衫故人 类型: 东方玄幻/修真/群像叙事 字数估算: 约180万字(全系列) 首次出版时间: 2015年 卷首语:天道无情,唯有吾辈自强 世间万物,皆在“道”的掌控之下。然而,天道如棋局,众生如棋子,即便是那高高在上的仙人,亦不过是棋盘上稍大一些的棋子罢了。本书讲述的,不是那些含着灵石出生的天之骄子,而是一个出身卑微、资质平庸的凡人,如何在残酷的修真界中挣扎求生,最终凭借着超乎常人的毅力、缜密的算计以及对“生”的执着,触摸到世界本源的故事。 故事梗概:一个凡人的逆袭史诗 《凡人修真录》的故事,围绕着主角韩立展开。他本是山野村庄中一个普通的读书人,机缘巧合下被卷入了修真世界的漩涡。初入仙途,韩立没有显赫的背景,没有惊世骇俗的天赋,有的只是对长生久视的渴望,以及对弱肉强食法则的深刻理解。 本书的基调是“谨慎”与“求生”。韩立深知,在修真界,一时的得意往往意味着下一刻的陨落。因此,他的每一步都走得极为小心翼翼。从炼气期初期,为了一颗筑基丹而冒险犯难,到结丹期后周旋于各大宗门势力之间,直至元婴期乃至化神期,他始终坚守着一个原则:不轻易相信任何人,不轻易暴露底牌。 故事主线清晰:求道、积宝、避祸。 求道方面: 韩立并未追求速成,而是脚踏实地,将每一个境界的功法都修炼到了极致。他精研的功法旁杂,涵盖了不同体系的优劣,这使得他在面对同阶修士时,总能找到出其不意的破绽。 积宝方面: 他对法宝、丹药、阵法的研究达到了痴迷的程度。他深谙“富甲天下”的道理,通过低买高卖、收集稀有材料、炼制专属法器,积累了足以支撑他度过无数次生死劫难的庞大资源。 避祸方面: 这是韩立最核心的生存哲学。他从不参与无谓的争斗,宁愿被人讥讽为“胆小鬼”,也要在关键时刻退避三舍。然而,一旦被逼入绝境,他所爆发出的战斗力,足以让那些高高在上的天才修士付出惨痛的代价。 核心世界观:错综复杂的修真版图 本书构建了一个宏大且层次分明的修真世界。它并非一个单一的门派统治下的世界,而是一个由无数势力犬牙交错构成的复杂生态系统。 初期: 故事从偏远的小型修仙家族和小型宗门之间的零星摩擦开始。修士等级森严,资源分配不均,展现了修真界的残酷底层生态。 中期: 随着韩立修为提升,他被卷入了四大修仙州域中那些超级宗门的博弈。上界大能的布局、魔道与正道的千年恩怨、以及潜藏在历史尘埃中的上古遗迹和禁地,逐渐浮出水面。书中细致描绘了不同地域的修炼风格差异,如南域的灵气稀薄却功法诡异,中州的宗门林立与资源争夺的白热化。 后期: 叙事视角逐渐拔高,触及到仙界、妖界,甚至是更广阔的星域。界域之间的壁垒、界域大战的起因与后果,展示了修真世界远超凡人想象的辽阔与深邃。书中对不同位面的规则差异、灵力属性的演变,都有着细腻的铺陈。 角色群像:群星闪耀下的凡人光芒 《凡人修真录》擅长塑造配角,他们并非脸谱化的工具人,而是拥有鲜明个性的生命体。 灵药师与炼丹师群体: 他们是修真界的“工业基础”。书中对炼丹术、阵法学、符箓术的描写极为严谨,展现了技艺的极致追求。 亦敌亦友的道侣: 韩立的道侣们各有特色,她们或温婉聪慧,或刚烈果决,都拥有独立的成长线和坚定的信念,她们与韩立的关系是建立在共同修道和相互扶持的基础之上,而非单纯的依附。 宿命的对手: 书中不乏天赋异禀、心高气傲的天骄,他们与韩立形成鲜明的对比。韩立的胜利,往往不是靠碾压,而是靠更坚韧的意志和更精妙的布局,使得每一次胜利都充满了份量。 主题探讨:生存的哲学与天道的边界 本书的魅力不仅在于酣畅淋漓的打斗和层出不穷的奇遇,更在于它对修真本质的深刻思考: 1. 资源与功德的平衡: 修真本就意味着对天地资源的掠夺。韩立如何在维持自身道基的同时,避免因过度杀戮或贪婪而招致天道反噬? 2. 人性的考验: 在长生面前,人性会展现出多么扭曲的一面?韩立如何一次次坚守住自己的初心,没有在无尽的力量诱惑下迷失本心,成为了一个值得深思的议题。 3. 天道的“不公”与“公平”: 天道是否真的无情?书中通过阐述“天道循环,万物相生相克”的理论,暗示了即便是天道,也有其运行的逻辑。韩立的每一次突破,都是对现有规则的试探和超越。 文学特色:写实主义的修真描绘 《凡人修真录》的写作风格偏向“写实”。作者对法术的描述力求符合其能量层级和消耗,战斗场面细致入微,常常涉及计算灵力损耗、阵法破绽、法宝的材质优劣等硬核细节。 本书的节奏感把握极佳,从早期的步步为营,到中期的宗门斗法,再到后期的星域争霸,高潮迭起,低谷蓄势。它给予读者一种强烈的代入感:只要你足够努力,足够谨慎,即便是凡人,也有可能走完这条通往不朽的崎岖大道。 这是一部献给所有“小人物”的史诗,它告诉我们,即便生于微末,只要心中有道,脚下有路,便可跨越万水千山,最终摘星揽月。 (全书系列预计共七卷,涵盖凡人从踏入仙道到最终证道的完整历程。)

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读后感

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用户评价

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这本书的排版和装帧倒是无可挑剔,纸张的手感极佳,即使用手指触摸也能感受到那种精心的打磨。但内容上,我必须指出,它在介绍西方古典雕塑部分的处理方式非常草率。书中用了不到三页的篇幅,提到了米开朗基罗的《大卫》,但仅仅将其定位为一个“古典形式的僵化表达”,并迅速将其批判为缺乏“动态的熵增”的失败尝试。这完全忽略了那座雕像所蕴含的人文主义精神和对人体解剖学的革命性探索!我期望看到的是对大卫眼神中那种坚毅、对肌肉线条中蕴含的力量感的细腻捕捉,是那种让你感受到艺术家如何与大理石进行搏斗的文字记录。相反,作者似乎对所有遵循传统美学规范的作品都抱有一种居高临下的姿态,急于将其归入“过时”的范畴。这让我非常恼火,因为对我来说,真正的“神圣之艺”,往往就蕴藏在那份对既有完美的继承与超越之中,而不是一味地追求晦涩和概念的颠覆。

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我购买这本书的初衷,是希望它能提供一些关于“创造力源泉”的启发,毕竟书名如此宏大。我期待它能揭示那些伟大的艺术家是如何克服瓶颈,如何从日常生活中提炼出灵感的。书中确实有一章讨论了“灵感与潜意识的交互作用”,但这部分内容,几乎完全是心理分析学教科书的复述,充斥着弗洛伊德和荣格的术语,缺乏任何原创性的洞察或者哪怕是一个感人的小故事来佐证。我更愿意听一位老画师讲述他如何在清晨的薄雾中捕捉到一束光线,或者一个雕塑家如何通过反复的打磨,最终“释放”出石头中沉睡的形态。这本书提供的“神圣感”似乎是纯粹知识建构的产物,而非生命体验的结晶。它教人如何**谈论**艺术,而不是如何**感受**艺术,这对我这个更看重直觉和情感共鸣的读者来说,无疑是一次沉闷的学术之旅。

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这本书的语言风格变化极大,这可能是最令人困惑的一点。在探讨日本枯山水庭园的章节,文字突然变得极其简洁,充满了禅宗的留白和意境,节奏舒缓得像一池静水,读起来颇为舒服。然而,紧接着一章转到对后现代建筑的批判时,语气又变得异常尖锐和批判性,充满了强烈的断句和反问,如同机关枪扫射一般,让人喘不过气。这种风格上的剧烈跳跃,使得阅读体验变得支离破碎。我无法进入一个稳定的心流状态去理解作者想表达的深层联系。如果说枯山水部分是在邀请我进行一次静心的散步,那么建筑批判部分则像是一场突如其来的学术辩论,我还没来得及收拾好我的茶具,就被拽进了高强度的论战之中。这种不一致性,让我怀疑作者是否对不同艺术形式的内在精神缺乏统一的理解入口,或者只是为了炫技而刻意为之。

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这本《神圣之艺》的封面设计简直是一场视觉盛宴,那种厚重的、略带古旧感的纹理,配上烫金的标题字体,让人一上手就感觉抓住了某种沉甸甸的历史感。我一开始对这个名字抱有很高的期待,以为会是一本探讨古典艺术巅峰时期那些大师们创作心路历程的深度剖析,也许会深入挖掘文艺复兴时期那些隐秘的技法,或者巴洛克时期光影哲学的转变。然而,当我翻开第一页,却发现它更多地聚焦于一种非常**现代且高度概念化**的艺术流派——后极简主义与数字媒介的融合。作者花费了大量的篇幅来阐述“空无”在当代语境下的审美价值,引用了大量晦涩难懂的哲学论述来支撑其观点,比如对海德格尔存在主义概念的延伸解读,这让我一度感到吃力。书中对色彩的运用分析也偏向于光谱理论和心理学影响,而不是传统意义上的“调色盘”技艺。整体而言,它更像是一本给专业策展人或艺术理论家的参考书,对于我这种纯粹热爱油画和雕塑的爱好者来说,阅读体验稍显疏离,像是被邀请去参加一场只有理论家在讨论的沙龙,而我只能站在角落里努力理解那些高深的术语。

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我花了整整一个周末才勉强读完这本书的第三部分,它转向了对“灵性”在当代艺术中表达的探讨。我的期待是能读到一些关于宗教艺术的复兴,或者至少是某些新兴艺术家如何将自我沉思融入创作的实例。书中倒是提供了一些案例,但这些案例的描述极其抽象,很多时候,作者仅仅是罗列了作品的尺寸、材质,然后用一连串排比句来描述观看者可能产生的“意识流”体验。比如,对于一个由废弃电子元件构成的装置艺术,作者用了将近两页的篇幅来描述光线穿过缝隙时在地面投射的几何阴影如何象征着“人类有限性的永恒追问”。这种写作手法,在我看来,极大地削弱了作品本身的冲击力。我更喜欢那种直击人心的、能让你站在画作前呼吸都为之一滞的描述,那种能让你感受到颜料堆叠的厚重和画家笔触力量的文字。这本书似乎刻意避开了所有具象的描绘,选择了一种近乎冥想式的、飘忽不定的叙事方式,这让我的阅读过程充满了挫败感,感觉自己像是在迷雾中寻找一座灯塔,却发现灯塔本身也被作者的理论迷雾所笼罩。

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